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外觀由建築師姚仁喜設計，以仿宋朝青瓷自然形成的「冰裂紋」為外觀，古意與時尚感交錯，比起故宮更像故宮。 這棟地上三層、地下兩層的建築物，內部由日本空間設計師橋本夕紀夫操刀，他擅長使用燈光來營造氣氛，包廂牆面有「蘭亭序」、「前赤壁賦」的燈影，地板更是變化多端，使用了仿古灰磚等十種材質，讓人猶如身處古畫中，享受杯觥交錯的樂趣。
【2008/05/09 聯合報】 |
2008年5月8日 星期四
店家傳奇》故宮晶華獨家曝光
2008年4月2日 星期三
Watch Out, Warhol, Here’s Japanese Shock Pop
Reassembling a Murakami sculpture at the Brooklyn Museum. More Photos >
The fifth-floor rotunda of the Brooklyn Museum on a recent afternoon was strewn with a curious array of body parts. Resting on a mover’s blanket was most of “Miss ko2,” a busty blond waitress whose jellyfish eyes stared up at the ceiling (and whose white-painted fiberglass bosom pointed skyward too). Nearby, her counterpart from “Second Mission Project ko2” (pronounced ko-ko) balanced on one leg.
Overseeing the scene was Paul Schimmel, chief curator of the Museum of Contemporary Art in Los Angeles but in recent weeks a fixture in Brooklyn as he mounts a major retrospective of the creator of these works, the Japanese artist Takashi Murakami. The show closed on Feb. 11 at the Los Angeles museum’s Geffen Contemporary space and will open on Saturday in Brooklyn.
“It took 11 trucks driving across country to get everything here,” Mr. Schimmel said as he surveyed the pieces of Mr. Murakami’s art in the rotunda and the battalion of installers at work.
“The Geffen Contemporary is a large, theatrical space,” said Mr. Schimmel, who organized the retrospective. “Brooklyn has more traditional galleries, so the layout here is more chronological, more classical.”
The show includes some 90 works, sampling Mr. Murakami’s entire whimsical world in paintings, wallpapers, colorful sculptures, drawings and a 20-minute animated video. It will consume 18,500 square feet of exhibition space spread over two floors.
This show is the Brooklyn Museum’s largest after “Sensation: Young British Artists From the Saatchi Collection,” which opened in 1999 to considerable furor over Chris Ofili’s depiction of the Virgin Mary in a painting that included elephant dung. Mr. Murakami’s retrospective is expected to generate talk of a different sort.
Popularly known as the Warhol of Japan, Mr. Murakami, 46, has earned an international reputation for merging fine art with popular Japanese anime films and manga cartoons. Intent on exploring how mass-produced entertainment and consumerism are part of art, he teamed up with the fashion house Louis Vuitton in 2003 to create brightly colored versions of the classic LV monogram on Vuitton handbags.
The show — its title, appropriately, is “©Murakami” — includes a fully operational Louis Vuitton shop selling some of Mr. Murakami’s designs for that luxury brand. A leather strap for a cellphone carries a $220 price tag; handbags range from $1,310 to $2,210. He has designed three new patterned-canvas wall hangings just for this exhibition; printed in editions of 100 each, the first 50 will be offered at the shop for $6,000 apiece, and the rest at $10,000 apiece. Other leather goods designed for the show will be for sale too.
The shop was also part of the retrospective when it appeared in Los Angeles, and some criticized the marriage of art and commerce as crass and inappropriate in a museum setting. But Mr. Murakami says his product designs are simply an extension of his art.
“It is the heart of the exhibition,” he said of the Vuitton shop.
Arnold L. Lehman, the Brooklyn Museum’s director, does not object to Vuitton’s presence. “I think it’s absolutely fine,” he said in a telephone interview. “It would be very different if it was after the fact or a curatorial add-on. But it was part of Takashi’s original idea.”
The Vuitton boutique isn’t the only shopping experience museum visitors will encounter, of course, as the museum will have its own Murakami gift shop right outside the exhibition, with postcards, T-shirts, mugs and stuffed animals of Mr. Murakami’s characters. Most of the merchandise, however, is produced by Mr. Murakami’s company, Kaikai Kiki (from the Japanese words for bizarre and elegant ), and it will share in the proceeds.
Mr. Murakami first became famous in the 1990s for a theory he called Superflat. Derived from traditional Japanese painting, it was adopted by the contemporary art world to indicate a mix of high and low art. The retrospective begins with his fantastical and sometimes dark universe from that period. Creatures like Mr. DOB, a Mickey Mouse-type character, and Mr. Pointy, another cartoonlike creature, inhabit this space alongside smiley-faced flowers and colorful mushrooms.
The artist’s latest, largest and most colorful version of his Mr. Pointy character greets visitors just inside the museum’s front door. Known as Tongari-kun in Japanese, this character is represented by a 23-foot-tall edition flanked by smaller pointy guards that wear different expressions — smiling, yawning, sleepy, etc.
“In order to get Mr. Pointy into the museum we had to take out half the glass in the front of the pavilion,” Mr. Lehman said. The piece is on loan from the New York collector Richard B. Sachs.
One work that was on view in Los Angeles but is not in Brooklyn is “Oval Buddha,” a platinum-clad sculpture made by Mr. Murakami in 2007. Standing 18 ½ feet tall and weighing 6,613 pounds, it is a comical self-portrait of the artist sitting in a lotus position, perched on a lotus pad. Too large to fit into the museum, it is instead being installed this week (and on view starting on Saturday) in the sculpture garden of 590 Madison Avenue, the former I.B.M. building, between 56th and 57th Streets.
Mr. Murakami, clad in a green down jacket, navy blue down vest and blue jeans, was on hand in Brooklyn the other day as the show was being installed in the rotunda. The skylight had been blacked out — the only lighting in the space will come from three spotlights — and wallpaper with a lightning pattern was about to be hung on the walls and ceiling.
“It’s been very busy in my studio,” Mr. Murakami said, explaining that he has been working on new designs of wallpaper and vinyl floor coverings to be shown for the first time in Brooklyn’s version of the retrospective.
In Los Angeles, he said, “people kept saying that they hoped I would make some new things. So I have. It helps keep my attention.”
As Mr. Murakami spoke, he kept an eye on a small room off the rotunda where the rapper Kanye West’s hit song “Good Morning” could be heard wafting through the space. An installation team was testing a new, longer version of his animated video, the story of his fictional Kaikai and Kiki characters. (When the 20-minute animation isn’t playing, an MTV-style video of “Good Morning” will be shown there.)
The room is a small, cozy nook with black-and-silver carpeting depicting the Kaikai and Kiki characters. “This room was so popular in Los Angeles,” Mr. Schimmel said, “we had to have security guards posted the entire time because kids tried to record the videos on their cellphones and post them on YouTube.”
The Los Angeles show attracted young people who had never been to the museum. “Many of the kids were first-time visitors, who came because they heard about the show through various kinds of cross-branding,” Mr. Schimmel said. “Names like Louis Vuitton, Kanye West and eBay.”
2008年3月27日 星期四
Alessi故宮家飾 繽紛喧鬧台灣味
【聯合報╱記者陶福媛／台北報導】
2008.03.27 04:26 am
故宮收藏的老祖宗遺產，果然是個挖不完的金礦。Alessi與故宮合作的「清宮家族」系列，在全球廣受歡迎，本季Alessi乘勝追擊再推出「東方傳奇」系列，義大利設計師Stefano Giovannoni以故宮收藏的傳統民俗畫作中擷取元素，如金魚、蓮花、百合鳥、猴子等，創作一系列的家飾品，預計又會在全球熱賣。
Alessi表示，「清宮家族」以清朝乾隆皇帝的畫像，創造造型可愛的清宮家族成員，如今已推出第二季，銷售業績比預期還要高出三倍，不但歐美人士很喜歡，前往故宮參觀的日本、中國大陸觀光客也都會買回家當紀念。
今年Alessi再度與故宮合作，這一次設計師Stefano Giovannoni選擇有台灣本土風味的年畫、民俗畫如金魚、天堂鳥、百合鳥等，而且色彩採用「台灣紅」的牡丹色、鮮綠、豔紅等，色彩繽紛喧鬧，很有台灣味，與前兩季的中國風大不相同。
目前「東方傳奇」系列已在台灣搶先上市，單品售價從1,300元起跳，有胡椒罐、糖罐等餐桌用品。
2008.03.27 04:26 am
故宮收藏的老祖宗遺產，果然是個挖不完的金礦。Alessi與故宮合作的「清宮家族」系列，在全球廣受歡迎，本季Alessi乘勝追擊再推出「東方傳奇」系列，義大利設計師Stefano Giovannoni以故宮收藏的傳統民俗畫作中擷取元素，如金魚、蓮花、百合鳥、猴子等，創作一系列的家飾品，預計又會在全球熱賣。
Alessi表示，「清宮家族」以清朝乾隆皇帝的畫像，創造造型可愛的清宮家族成員，如今已推出第二季，銷售業績比預期還要高出三倍，不但歐美人士很喜歡，前往故宮參觀的日本、中國大陸觀光客也都會買回家當紀念。
今年Alessi再度與故宮合作，這一次設計師Stefano Giovannoni選擇有台灣本土風味的年畫、民俗畫如金魚、天堂鳥、百合鳥等，而且色彩採用「台灣紅」的牡丹色、鮮綠、豔紅等，色彩繽紛喧鬧，很有台灣味，與前兩季的中國風大不相同。
目前「東方傳奇」系列已在台灣搶先上市，單品售價從1,300元起跳，有胡椒罐、糖罐等餐桌用品。
2008年3月20日 星期四
溫馨懷舊的文化生活紀錄
【TEXT／Jacques；PHOTO／Jacques】
新加坡國家博物館在經過數年的翻新與擴建後，已全面重新開放。舊翼的殖民地式新古典建築，和新翼的簡約現代建築完美融和，堪稱典雅精美的歷史文化中心。
館中的常設展覽項目中，除了展現新加坡所走過的 700 年的「歷史展覽館」，最令人耳目一新的，就是「文化生活館」。它分別從傳統美食、時尚潮流、攝影藝術和電影戲劇的角度，呈現 20 世紀初到 70 年代期間大眾生活文化的演變歷史。對於學習或從事藝術或設計的人，這裏儼然成了溫故知新啟發靈感的教室。
美食藝廊 Food Gallery
呈現的是 1950－70 年代生氣勃勃的街頭美食文化。這裏展示了小販在街頭討生活的設備，各式「設計」樸實的烹煮器具，杯盤食具以及豐富的食材與香料。多媒體的效果讓訪者更能感受當年現場的氣氛。
服裝藝廊 Fashion Gallery
展示新加坡婦女的服裝演變史。展出的服飾與配件，除了見證審美觀因文化交流，時尚潮流的更替而改變，也反映出女性在所扮演的多重社會、經濟、政治身份與角色的演化。另外還展示各式布料及縫紉器具。
攝影藝廊 Photography Gallery
借助現代影像的科技，展出珍貴的歷史圖片和影像資料。並藉此介紹了 20 世紀初新加坡社會的人口和家庭結構。
電影戲劇藝廊 Film & Wayang* Gallery
介紹新加坡電影業的發展歷史，並探討了華族的傳統戲劇在新加坡的承傳與變遷。（* Wayang 是印尼語和馬來語中「戲劇」的意思，在此意指常以野台戲為表現媒體的傳統戲劇。"Wayang" is an Indonesian and Malay word for theatre.）
由於新加坡邁向現代化的歷程相當迅速，對老一輩，甚至中青輩都還歷歷如昨的生活方式與事物，感覺既熟悉，又似久遠。參觀這樣的生活紀錄，不禁讓人感念前人為生活奮鬥的精神，溫馨的懷舊情懷油然而生。
【DFUN 設計風尚誌 2008. Mar. No.18】
新加坡國家博物館在經過數年的翻新與擴建後，已全面重新開放。舊翼的殖民地式新古典建築，和新翼的簡約現代建築完美融和，堪稱典雅精美的歷史文化中心。
館中的常設展覽項目中，除了展現新加坡所走過的 700 年的「歷史展覽館」，最令人耳目一新的，就是「文化生活館」。它分別從傳統美食、時尚潮流、攝影藝術和電影戲劇的角度，呈現 20 世紀初到 70 年代期間大眾生活文化的演變歷史。對於學習或從事藝術或設計的人，這裏儼然成了溫故知新啟發靈感的教室。
美食藝廊 Food Gallery
呈現的是 1950－70 年代生氣勃勃的街頭美食文化。這裏展示了小販在街頭討生活的設備，各式「設計」樸實的烹煮器具，杯盤食具以及豐富的食材與香料。多媒體的效果讓訪者更能感受當年現場的氣氛。
服裝藝廊 Fashion Gallery
展示新加坡婦女的服裝演變史。展出的服飾與配件，除了見證審美觀因文化交流，時尚潮流的更替而改變，也反映出女性在所扮演的多重社會、經濟、政治身份與角色的演化。另外還展示各式布料及縫紉器具。
攝影藝廊 Photography Gallery
借助現代影像的科技，展出珍貴的歷史圖片和影像資料。並藉此介紹了 20 世紀初新加坡社會的人口和家庭結構。
電影戲劇藝廊 Film & Wayang* Gallery
介紹新加坡電影業的發展歷史，並探討了華族的傳統戲劇在新加坡的承傳與變遷。（* Wayang 是印尼語和馬來語中「戲劇」的意思，在此意指常以野台戲為表現媒體的傳統戲劇。"Wayang" is an Indonesian and Malay word for theatre.）
由於新加坡邁向現代化的歷程相當迅速，對老一輩，甚至中青輩都還歷歷如昨的生活方式與事物，感覺既熟悉，又似久遠。參觀這樣的生活紀錄，不禁讓人感念前人為生活奮鬥的精神，溫馨的懷舊情懷油然而生。
【DFUN 設計風尚誌 2008. Mar. No.18】
2008年3月13日 星期四
當時尚遇上藝術：When Fashion encounters Art
【文／陳沛岑】
時尚產業與藝術的結盟從來就不是一件新鮮事，某些時尚工業在早期甚至是藝術的贊助者，例如香奈兒的創辦人嘉比愛．香奈兒（Gabrielle Chanel）生前即結交不少藝術圈好友，她曾贊助俄國芭蕾改革派大師迪亞吉雷夫（Serge Diaghilev）的《春之祭》（Le Sacre du Printemps）芭蕾舞劇製作費用（註1）；而於1948年以製造精品珠寶、鐘錶聞名的卡地亞（Cartier）在巴黎創辦「卡地亞當代藝術基金會」（Foundation Cartier pour l'art contemporain），其宗旨在於「鼓勵當代藝術的創造與藝術知識的流通」；而2003年路易．威登（Louis Vuitton）與日本當代藝術家村上隆（Takashi Murakami）合作的成果除了掀起了十足的話題性、為企業注入些年輕、普普可愛化的形象，更拉寬原本消費群的年齡層，帶來實質的營業額成長……在此，時尚以不同的方式介入藝術世界，扮演各不相同的角色；這些合作的目的也許是真心喜愛藝術，也許是為了回饋社會、或藉此重塑自我的品牌形象，再創商業新高點……背後的意圖其實是相當複雜的。
藝術與消費文化
然而在近幾年來，我們可以觀察到一個有趣的現象：在國際藝術雜誌《ArtReview》、《ArtForum》及《Frieze》裡，除了畫廊、美術館所刊登的展覽廣告外，我們亦不乏見到時尚品牌的新品廣告，而這些廣告與刊登在《Vogue》、《GQ》雜誌上的並沒有什麼不同；並且，從2007年下半年以來，《ArtReview》甚至在雜誌中另闢了一個名為「消費」（CONSUMED）的新單元，像評選當月最佳展覽般地選介該月份由商店、美術館、畫廊推出的藝術商品，例如在其中可見以攝影聞名的美國當代藝術家普林斯（Richard Prince）與設計師賈各柏（Marc Jacob）合作為LV設計的一春夏新款「笑話包」（Jokes），以及赫斯特（Damien Hirst）跨足為Levis設計的一款新型501丹寧牛仔褲，上頭有著他前一陣子引起軒然大波，號稱史上最貴的當代藝術作品《獻給上帝之愛》（For the Love of God）的經典骷髏頭圖案，只是在牛仔褲上的骷髏頭鑲嵌的不是鑽石，而是一顆顆的施華洛世奇（Swarovski）水晶，在這單元中，除了商品簡介外，產品的售價（就連是否含稅）、幣值、可查閱的延伸網站、藝術家的最新動態都標註於其上（註2）；這些現象傳遞的訊息是——藝術與時尚／商業的消費文化之間的藩籬已越趨模糊，在新時代中，兩者以更輕鬆的姿態貼近彼此，藝術在今日甚至可能已被某些人視為一種「時髦的新潮流」；而辯論這兩者之間產出的結果是high art或low art？或談論藝術與商業間的共謀彷彿顯得是那麼地天真，或許就如1966年沃荷（Andy Warhol）曾告訴我們的：「Art is commerce」，試問當代藝術家又有誰能向流行時尚產業的合作邀請說不？然而，將藝術與消費文化之間區隔開來的最後一道防線又會是什麼？
一場流行的神話
而在這一波時尚與藝術互相擁抱的趨勢中，最受人矚目的，要屬香奈兒在其創意總監拉格斐爾德（Karl Lagerfeld）的帶領下，宣布與藝術圈進行的合作案—— 一個富有野心與企圖心的大計畫「Mobile Art」（流動的藝術）。它產出的結果，不像是LV與村上隆的合作，只催生出幾款具甜美感的LV提包這般單純，而是一個「展覽」！
香奈兒聘請巴黎《Beaux Arts》藝術雜誌主編暨藝評家布思托（Fabrice Bousteau）擔任策展人，其邀請20位來自不同地域的藝術家以香奈兒經典的「2.55」菱格紋手袋為發想起點，各別創作一件作品。不少參與這項計畫的藝術家皆具高度的國際知名度，例如，有以魔幻動態建築風格著稱，曾於2004年獲得建築界最高榮譽「普立茲獎」（Pritzker Architecture Prize）的哈蒂（Zaha Hadid）、作品蘊含高度觀念性與社會批判性，甫於法國卡地亞當代藝術基金會舉辦個展的韓國藝術家李部（Lee Bul）、印度當代藝術紅星古普塔（Subodh Gupta）、在去年以作品《好好照顧自己》（Prenez soin de vous）代表法國館參加「威尼斯雙年展」（La Biennale di Venezia）的藝術家卡爾（Sophie Calle）、曾獲第47屆威尼斯雙年展金獅獎的法國藝術家貝赫（Fabrice Hyber）、日本當代攝影師荒木經惟（Nobuyoshi Araki）、小野洋子（Yoko Ono）、及以運用台灣傳統花布於創作，個人特色鮮明的林明弘、與作品屢現於國際大展的楊福東等人。
事實上，這個計畫十足地令人玩味，首先它要求藝術家創作的是一件「作品」，而非一件「商品」，據悉主辦單位強調，這是一個「純粹的藝術展覽，當中不會有任何的商業行為，香奈兒也將不會在那展示該品牌的包包或衣服，展館裡將只展示藝術家的作品」（註3）；第二，雖說「賦予藝術家高度的自主性」，但唯一的條件卻又須如香奈兒時尚總監帕洛夫斯基（Bruno Pavlovsky）所言：以香奈兒菱格紋手袋為題，「各自發揮創意，以不同的形式給予手袋新的生命——可以是詩意的、不拘小節的，又或是具啟發性的，呈現這手袋的傳奇面貌。」請注意，在這兒他用了「傳奇」兩個字，藝術家的作品在此除了擴充觀者對於香奈兒手提袋的想像與詮釋外，展覽還不著痕跡地為香奈兒打造新時代的傳奇與神話，把時尚自我與藝術連結起來，帶來一種具創造力、創意無限的表徵。法國文學家巴特（Roland Barthes）曾說：「神話是一種言談，一種傳播的體系，一種訊息。」（註4）而在此展中，香奈兒的包包雖是不現於展場內，但一件件的作品卻又不斷地回溯指向它，並使其鮮活化；就如拉格斐爾德所言：「我們可以用廣告淹沒這個世界，但是，這是更為高貴的做法。」試問，還有什麼能比藉著Mobile Art建構屬於它的神話的方式更技高一籌、更為「高貴」？但策展人在這計畫中所扮演的角色又是什麼？這或許是值得深思的。
移動的展覽館
過去都是我們去博物館看藝術，這一次，我們要讓博物館向我們走來。
——拉格斐爾德
Mobile Art將從2008年2月27日起，以香港為展覽的起跑點，在兩年的時間內，此展將陸續在東京、紐約、倫敦、莫斯科與巴黎巡迴展出；事實上，巡迴展的形式在藝術世界裡並不稀奇，但若整個展覽場是一個可以拆卸、摺疊、帶著走的移動空間，便十分地別出心裁！
這回在Mobile Art展前即吸引眾人目光的，便是由哈蒂運用數位成像軟體所設計面積達29×45平方公尺，高六公尺，充滿未來感的行動藝術館，哈蒂在論及其創作藍本時曾說：「我希望透過設計，讓人置身另一個世界，令人們躍動鼓舞，並對各種意念興奮不已。我們的建築非常富直覺感……著重帶來不同的體驗，提供一種既陌生又新鮮的感覺，彷彿來到新的國度。」在此處雖然無法辨認究竟香奈兒的菱格紋包給了她什麼樣的創作啟示？或許是精密細緻感也好、是未來感也罷，但就是這藝術家自主的轉化能力，以及在藝術家與香奈兒溝通的過程中，可能經過一連串的妥協或不能妥協後產生出的成果，它是使這個展覽之所以有趣的地方。
哈蒂設計的展館，強調流動與自然的建築風格，建築物的外型像是個浮出海面的白色鸚鵡螺，整棟建築似沒有尖銳的菱角，而由流線、飽滿的弧線雕塑而成一螺旋形結構的場館，此經精密的演算，每一個組構、銜接建築的結構元件都不超過2.25公尺，在展期結束後都可以拆卸下來，運輸到下一個城市再重組、裝嵌、重新開館；而其追求自然的建築風格除了展現在建物的外型上，也呈現在素材的挑選與設計上，例如中心展場的天花板上有八片像風扇般聚合在一起的玻璃纖維片，當中位在中央的那片設有一可自行調節開閤的機關，其目的除了能為展場引進自然的光線外，也可突破展館內外疆界的分野，並且，建築的外牆採反光物料，將能映射出周邊環境的風貌。
哈蒂把這棟建物稱為「容器」（container），此得以在其中容納其他參展藝術家的作品，在設計的過程中，她並未遵循一般的展場設計把空間區隔成一個個規矩的方塊體隔間，而是以流動的幾何定律，建構成流暢並充滿動力相連的空間，當中結合了不同的對比效果，如室外與室內、光與暗，以及自然與人為的景觀。展館內不同的力量為每個空間重新詮釋，同時帶領著參觀者的流向。（註5）
電影中說話的演員
Mobile Art的法籍策展人布斯托在記者會上說：這個展覽「是為Chanel而開拍的影片，藝術協辦人（策展人）是導演，參與的藝術家是編劇，參展的作品則充當演員」，其以電影的概念來看待這場展覽，而參與的觀者則訴諸大眾，因此，為了要讓這部電影容易被閱讀與理解，他特別找來紐約「Soundwalk」團隊（註6）來與參展藝術家合作，根據展出的作品，共同構思與作品搭配的音樂、聲音、音響效果、以及導覽的內容（可選擇不同語言的作品介紹、導讀），觀展者只要在展覽入口領取一mp3，即可隨著樂音的帶領，開放自己的知覺、視覺與聽覺感官，融入這場電影之中。
此展將於2月27日於香港中環舊天星停車場開幕，而就真宛如電影工業的操作一般，香奈兒對於作品在上映前十分保密，除哈蒂的巨型展館外，其他參展藝術家將進行的計畫（也就是電影中演員們的實際演出情節）公開的甚少，但目前確知的是：日本攝影師荒木經惟延續他以拍攝女人、花朵而聞名的主題，在其中探討人生，特別是生與死的內容，將帶來《Kaori與花》（Kaori and Flowers），在花朵交疊的影像中，呈現一身上被Chanel手提包的金屬鍊綑綁下赤裸的年輕女子，與她正躍動、掙脫的景象；李部將為此展創作《Light Years》，此為一件具有象徵意義的多媒材裝置作品，據悉藝術家將於作品上鑲嵌數百片的皮袋與鏈帶碎片，而在主體的內部裝有一閃光燈，藉此「向創造了 2.55包的Chanel女士致敬」；小野洋子則帶來一件祈願的互動裝置，她將在展覽現場邀請每位蒞臨展場的觀者以米紙寫下自己的願望後，把紙卡懸掛於樹枝上。
而當中有數位藝術家的作品則對消費性的香奈兒精品手袋提出反思，例如在印度藝術家古普塔展出的《所有東西都在裡面》（All the things are inside）錄像裝置裡，他回溯手袋對印度文化的意念，現場並列放映兩部電影，一為一位印度男人收拾行囊，離開家鄉到杜拜工作的過程；另一則為其剪輯印度寶萊塢電影中關於手袋的精華片段；此作品表達藝術家對全球化時代下，印度整體在追求現代化過程中，社會型態改變的關注，例如，對外移的勞工來說，香奈兒的手袋是派不上用場，或是他們所無法負擔的，他們需要的，只是一個可以把將到外地去工作所使用的日常用品全收納進去的大塑膠布袋，而綑綁這行囊的是簡易、唾手可得的塑膠繩，兩則電影顯示出強烈的反差，像是呈現兩個不同的對比世界。而俄羅斯當代藝術雙人組合「Blue Noses」則以作品《西元50年之後／手提包的反叛》（Fifty Years After Our Common Era or Handbags’ Revolt）用歡樂可愛的塗鴉，提出對香奈兒手提包的嘲諷與脫序的有趣想像；而這些多元的反向思考豐富了展覽的可觀性，並表現了藝術的獨立自主。（註7）
註1：迪亞吉雷夫（Serge Diaghilev）生於1872年，其於1908年創立俄國芭
蕾舞團（Ballet Russes），致力於「以芭蕾為全世界再創一個屬於俄國
的傳說」，香奈兒與他為摯友，在其劇團經濟困難時曾贊助他30萬法郎
使《春之祭》順利演出。參考《可可香奈兒：時尚就是我》（Le style
c’est moi-Coco Chanel），卡塔莉娜．茲爾可夫斯基（Katharina
Zilkowski）著，張育如譯，高寶國際，2001，頁110-119。
註2：參見2008年1月號《ArtReview》，頁32-33。
註3：香奈兒發布資料。
註4：《神話學》，羅蘭．巴特（Roland Barthes）著，許薔薔、許綺玲譯，
1997，桂冠圖書，頁169。
註5：參考香奈兒發佈資料。
註6：「Soundwalk」為一成立於紐約的公司，從事製作與設計規畫錄音導
覽內容來提供觀者／聽者在徒步之中，邊走、邊看、邊聽來認識一新文
化、新事物；該公司曾廣泛的與產業界如Adidas、Sony合作，並曾為法
國羅浮宮規畫錄音導覽。參見◎www.soundwalk.com。
註7：更多資訊請見◎www.chanel-mobileart.com
時尚產業與藝術的結盟從來就不是一件新鮮事，某些時尚工業在早期甚至是藝術的贊助者，例如香奈兒的創辦人嘉比愛．香奈兒（Gabrielle Chanel）生前即結交不少藝術圈好友，她曾贊助俄國芭蕾改革派大師迪亞吉雷夫（Serge Diaghilev）的《春之祭》（Le Sacre du Printemps）芭蕾舞劇製作費用（註1）；而於1948年以製造精品珠寶、鐘錶聞名的卡地亞（Cartier）在巴黎創辦「卡地亞當代藝術基金會」（Foundation Cartier pour l'art contemporain），其宗旨在於「鼓勵當代藝術的創造與藝術知識的流通」；而2003年路易．威登（Louis Vuitton）與日本當代藝術家村上隆（Takashi Murakami）合作的成果除了掀起了十足的話題性、為企業注入些年輕、普普可愛化的形象，更拉寬原本消費群的年齡層，帶來實質的營業額成長……在此，時尚以不同的方式介入藝術世界，扮演各不相同的角色；這些合作的目的也許是真心喜愛藝術，也許是為了回饋社會、或藉此重塑自我的品牌形象，再創商業新高點……背後的意圖其實是相當複雜的。
藝術與消費文化
然而在近幾年來，我們可以觀察到一個有趣的現象：在國際藝術雜誌《ArtReview》、《ArtForum》及《Frieze》裡，除了畫廊、美術館所刊登的展覽廣告外，我們亦不乏見到時尚品牌的新品廣告，而這些廣告與刊登在《Vogue》、《GQ》雜誌上的並沒有什麼不同；並且，從2007年下半年以來，《ArtReview》甚至在雜誌中另闢了一個名為「消費」（CONSUMED）的新單元，像評選當月最佳展覽般地選介該月份由商店、美術館、畫廊推出的藝術商品，例如在其中可見以攝影聞名的美國當代藝術家普林斯（Richard Prince）與設計師賈各柏（Marc Jacob）合作為LV設計的一春夏新款「笑話包」（Jokes），以及赫斯特（Damien Hirst）跨足為Levis設計的一款新型501丹寧牛仔褲，上頭有著他前一陣子引起軒然大波，號稱史上最貴的當代藝術作品《獻給上帝之愛》（For the Love of God）的經典骷髏頭圖案，只是在牛仔褲上的骷髏頭鑲嵌的不是鑽石，而是一顆顆的施華洛世奇（Swarovski）水晶，在這單元中，除了商品簡介外，產品的售價（就連是否含稅）、幣值、可查閱的延伸網站、藝術家的最新動態都標註於其上（註2）；這些現象傳遞的訊息是——藝術與時尚／商業的消費文化之間的藩籬已越趨模糊，在新時代中，兩者以更輕鬆的姿態貼近彼此，藝術在今日甚至可能已被某些人視為一種「時髦的新潮流」；而辯論這兩者之間產出的結果是high art或low art？或談論藝術與商業間的共謀彷彿顯得是那麼地天真，或許就如1966年沃荷（Andy Warhol）曾告訴我們的：「Art is commerce」，試問當代藝術家又有誰能向流行時尚產業的合作邀請說不？然而，將藝術與消費文化之間區隔開來的最後一道防線又會是什麼？
一場流行的神話
而在這一波時尚與藝術互相擁抱的趨勢中，最受人矚目的，要屬香奈兒在其創意總監拉格斐爾德（Karl Lagerfeld）的帶領下，宣布與藝術圈進行的合作案—— 一個富有野心與企圖心的大計畫「Mobile Art」（流動的藝術）。它產出的結果，不像是LV與村上隆的合作，只催生出幾款具甜美感的LV提包這般單純，而是一個「展覽」！
香奈兒聘請巴黎《Beaux Arts》藝術雜誌主編暨藝評家布思托（Fabrice Bousteau）擔任策展人，其邀請20位來自不同地域的藝術家以香奈兒經典的「2.55」菱格紋手袋為發想起點，各別創作一件作品。不少參與這項計畫的藝術家皆具高度的國際知名度，例如，有以魔幻動態建築風格著稱，曾於2004年獲得建築界最高榮譽「普立茲獎」（Pritzker Architecture Prize）的哈蒂（Zaha Hadid）、作品蘊含高度觀念性與社會批判性，甫於法國卡地亞當代藝術基金會舉辦個展的韓國藝術家李部（Lee Bul）、印度當代藝術紅星古普塔（Subodh Gupta）、在去年以作品《好好照顧自己》（Prenez soin de vous）代表法國館參加「威尼斯雙年展」（La Biennale di Venezia）的藝術家卡爾（Sophie Calle）、曾獲第47屆威尼斯雙年展金獅獎的法國藝術家貝赫（Fabrice Hyber）、日本當代攝影師荒木經惟（Nobuyoshi Araki）、小野洋子（Yoko Ono）、及以運用台灣傳統花布於創作，個人特色鮮明的林明弘、與作品屢現於國際大展的楊福東等人。
事實上，這個計畫十足地令人玩味，首先它要求藝術家創作的是一件「作品」，而非一件「商品」，據悉主辦單位強調，這是一個「純粹的藝術展覽，當中不會有任何的商業行為，香奈兒也將不會在那展示該品牌的包包或衣服，展館裡將只展示藝術家的作品」（註3）；第二，雖說「賦予藝術家高度的自主性」，但唯一的條件卻又須如香奈兒時尚總監帕洛夫斯基（Bruno Pavlovsky）所言：以香奈兒菱格紋手袋為題，「各自發揮創意，以不同的形式給予手袋新的生命——可以是詩意的、不拘小節的，又或是具啟發性的，呈現這手袋的傳奇面貌。」請注意，在這兒他用了「傳奇」兩個字，藝術家的作品在此除了擴充觀者對於香奈兒手提袋的想像與詮釋外，展覽還不著痕跡地為香奈兒打造新時代的傳奇與神話，把時尚自我與藝術連結起來，帶來一種具創造力、創意無限的表徵。法國文學家巴特（Roland Barthes）曾說：「神話是一種言談，一種傳播的體系，一種訊息。」（註4）而在此展中，香奈兒的包包雖是不現於展場內，但一件件的作品卻又不斷地回溯指向它，並使其鮮活化；就如拉格斐爾德所言：「我們可以用廣告淹沒這個世界，但是，這是更為高貴的做法。」試問，還有什麼能比藉著Mobile Art建構屬於它的神話的方式更技高一籌、更為「高貴」？但策展人在這計畫中所扮演的角色又是什麼？這或許是值得深思的。
移動的展覽館
過去都是我們去博物館看藝術，這一次，我們要讓博物館向我們走來。
——拉格斐爾德
Mobile Art將從2008年2月27日起，以香港為展覽的起跑點，在兩年的時間內，此展將陸續在東京、紐約、倫敦、莫斯科與巴黎巡迴展出；事實上，巡迴展的形式在藝術世界裡並不稀奇，但若整個展覽場是一個可以拆卸、摺疊、帶著走的移動空間，便十分地別出心裁！
這回在Mobile Art展前即吸引眾人目光的，便是由哈蒂運用數位成像軟體所設計面積達29×45平方公尺，高六公尺，充滿未來感的行動藝術館，哈蒂在論及其創作藍本時曾說：「我希望透過設計，讓人置身另一個世界，令人們躍動鼓舞，並對各種意念興奮不已。我們的建築非常富直覺感……著重帶來不同的體驗，提供一種既陌生又新鮮的感覺，彷彿來到新的國度。」在此處雖然無法辨認究竟香奈兒的菱格紋包給了她什麼樣的創作啟示？或許是精密細緻感也好、是未來感也罷，但就是這藝術家自主的轉化能力，以及在藝術家與香奈兒溝通的過程中，可能經過一連串的妥協或不能妥協後產生出的成果，它是使這個展覽之所以有趣的地方。
哈蒂設計的展館，強調流動與自然的建築風格，建築物的外型像是個浮出海面的白色鸚鵡螺，整棟建築似沒有尖銳的菱角，而由流線、飽滿的弧線雕塑而成一螺旋形結構的場館，此經精密的演算，每一個組構、銜接建築的結構元件都不超過2.25公尺，在展期結束後都可以拆卸下來，運輸到下一個城市再重組、裝嵌、重新開館；而其追求自然的建築風格除了展現在建物的外型上，也呈現在素材的挑選與設計上，例如中心展場的天花板上有八片像風扇般聚合在一起的玻璃纖維片，當中位在中央的那片設有一可自行調節開閤的機關，其目的除了能為展場引進自然的光線外，也可突破展館內外疆界的分野，並且，建築的外牆採反光物料，將能映射出周邊環境的風貌。
哈蒂把這棟建物稱為「容器」（container），此得以在其中容納其他參展藝術家的作品，在設計的過程中，她並未遵循一般的展場設計把空間區隔成一個個規矩的方塊體隔間，而是以流動的幾何定律，建構成流暢並充滿動力相連的空間，當中結合了不同的對比效果，如室外與室內、光與暗，以及自然與人為的景觀。展館內不同的力量為每個空間重新詮釋，同時帶領著參觀者的流向。（註5）
電影中說話的演員
Mobile Art的法籍策展人布斯托在記者會上說：這個展覽「是為Chanel而開拍的影片，藝術協辦人（策展人）是導演，參與的藝術家是編劇，參展的作品則充當演員」，其以電影的概念來看待這場展覽，而參與的觀者則訴諸大眾，因此，為了要讓這部電影容易被閱讀與理解，他特別找來紐約「Soundwalk」團隊（註6）來與參展藝術家合作，根據展出的作品，共同構思與作品搭配的音樂、聲音、音響效果、以及導覽的內容（可選擇不同語言的作品介紹、導讀），觀展者只要在展覽入口領取一mp3，即可隨著樂音的帶領，開放自己的知覺、視覺與聽覺感官，融入這場電影之中。
此展將於2月27日於香港中環舊天星停車場開幕，而就真宛如電影工業的操作一般，香奈兒對於作品在上映前十分保密，除哈蒂的巨型展館外，其他參展藝術家將進行的計畫（也就是電影中演員們的實際演出情節）公開的甚少，但目前確知的是：日本攝影師荒木經惟延續他以拍攝女人、花朵而聞名的主題，在其中探討人生，特別是生與死的內容，將帶來《Kaori與花》（Kaori and Flowers），在花朵交疊的影像中，呈現一身上被Chanel手提包的金屬鍊綑綁下赤裸的年輕女子，與她正躍動、掙脫的景象；李部將為此展創作《Light Years》，此為一件具有象徵意義的多媒材裝置作品，據悉藝術家將於作品上鑲嵌數百片的皮袋與鏈帶碎片，而在主體的內部裝有一閃光燈，藉此「向創造了 2.55包的Chanel女士致敬」；小野洋子則帶來一件祈願的互動裝置，她將在展覽現場邀請每位蒞臨展場的觀者以米紙寫下自己的願望後，把紙卡懸掛於樹枝上。
而當中有數位藝術家的作品則對消費性的香奈兒精品手袋提出反思，例如在印度藝術家古普塔展出的《所有東西都在裡面》（All the things are inside）錄像裝置裡，他回溯手袋對印度文化的意念，現場並列放映兩部電影，一為一位印度男人收拾行囊，離開家鄉到杜拜工作的過程；另一則為其剪輯印度寶萊塢電影中關於手袋的精華片段；此作品表達藝術家對全球化時代下，印度整體在追求現代化過程中，社會型態改變的關注，例如，對外移的勞工來說，香奈兒的手袋是派不上用場，或是他們所無法負擔的，他們需要的，只是一個可以把將到外地去工作所使用的日常用品全收納進去的大塑膠布袋，而綑綁這行囊的是簡易、唾手可得的塑膠繩，兩則電影顯示出強烈的反差，像是呈現兩個不同的對比世界。而俄羅斯當代藝術雙人組合「Blue Noses」則以作品《西元50年之後／手提包的反叛》（Fifty Years After Our Common Era or Handbags’ Revolt）用歡樂可愛的塗鴉，提出對香奈兒手提包的嘲諷與脫序的有趣想像；而這些多元的反向思考豐富了展覽的可觀性，並表現了藝術的獨立自主。（註7）
註1：迪亞吉雷夫（Serge Diaghilev）生於1872年，其於1908年創立俄國芭
蕾舞團（Ballet Russes），致力於「以芭蕾為全世界再創一個屬於俄國
的傳說」，香奈兒與他為摯友，在其劇團經濟困難時曾贊助他30萬法郎
使《春之祭》順利演出。參考《可可香奈兒：時尚就是我》（Le style
c’est moi-Coco Chanel），卡塔莉娜．茲爾可夫斯基（Katharina
Zilkowski）著，張育如譯，高寶國際，2001，頁110-119。
註2：參見2008年1月號《ArtReview》，頁32-33。
註3：香奈兒發布資料。
註4：《神話學》，羅蘭．巴特（Roland Barthes）著，許薔薔、許綺玲譯，
1997，桂冠圖書，頁169。
註5：參考香奈兒發佈資料。
註6：「Soundwalk」為一成立於紐約的公司，從事製作與設計規畫錄音導
覽內容來提供觀者／聽者在徒步之中，邊走、邊看、邊聽來認識一新文
化、新事物；該公司曾廣泛的與產業界如Adidas、Sony合作，並曾為法
國羅浮宮規畫錄音導覽。參見◎www.soundwalk.com。
註7：更多資訊請見◎www.chanel-mobileart.com
2008年3月7日 星期五
旺旺開門 台灣首棟「美術館飯店」3/8開幕
2008/03/08 10:40
記者陳志東／台北報導˙攝影
籌備4年、耗資5億，由旺旺集團投資的「神旺商務酒店」於今天2008年3月8日正式開幕營運。與一般飯店不同的是，神旺商務酒店沒有游泳池或三溫暖，取而代之是專為商務人士量身打造的事務機、全館光纖寬頻與完整的英日語等軟硬體服務，更特別的是，飯店裡處處可見藝術家雕塑作品，神旺商務酒店執行副總經理吳奕德說，這是一座「城市美術館飯店」。
旺旺集團於1962年由宜蘭食品起家，從1980年代開始旺旺仙貝就已深入台灣家庭，成為最受歡迎的零嘴之一；1991年間旺旺進軍中國市場，短短不到10年，現在除了中國各大城市都幾乎可見旺旺公司與相關食品外，事業版圖更拓展到房地產、乳業、控股公司、醫院、酒類製造、飯店、旅遊開發，以及回饋社會的慈善基金會等等。
前4年開始，旺旺就開始於台北市南京東路與新生北路口一帶新建商務飯店，並於前兩年間買下位於台北市忠孝東路4段的龍普飯店，重新整修改為「神旺大飯店」，也同時在大陸上海、淮安、南京、西寧等地設立神旺酒店，而今天開幕營運的，就是這棟於4年前開始動工新建的「神旺商務酒店」。
旺旺集團董事長蔡衍明一向喜歡藝術與雕塑，神旺商務酒店籌備期間因有次蔡衍明前往日本四國直島旅行，參觀建築大師安藤忠雄所設計的「地中美術館」與「直島現代美術館」，並驚訝直島美術館內竟有一間小規模飯店，這種建築藝術與飯店結合的風情令其驚艷，也因此神旺商務酒店興建之時就已確立「美術館飯店」風格。
神旺商務酒店由旺旺集團旗下營建公司自己興建，因此用料紮實，處處使用高價防火材質，並找來曾設計台北商旅的著名設計師吳宗岳規劃，為具備設計風格的飯店。更特別的是飯店內收藏許多台灣本土傑出雕塑大師的作品，例如飯店門口擺放的就是國寶級雕塑大師楊英風作品「龍穴」，飯店內另有楊英風的「造山運動」、「正氣」、「有容乃大」、「月明」等等，並有朱銘的「十字手」、王秀杞充滿鄉土童趣的「旺狗迎賓」、「神氣」、「讀書樂」，楊柏林的「黃金海岸」、「在自己的土地上跳舞」，朱銘徒弟甘丹的「海風」、「風和大地」、「海風樹影」，花蓮名家林郁晃的「洄瀾夢土」等等，合計達到150件。
其中最特別的作品，還有10多年前蔡衍明向楊英風購買、以京劇的水袖舞為題、山水的氣勢為型的「水袖」雕塑，而這「水袖」除了後來以同規模5公尺高重塑立於市民大道與承德路口的台北車站西北角處，捐贈給台北市民當成公共藝術外，今年2008年北京奧運主辦單位也選擇將此「水袖」作成巨大地標雕塑，並將永久展示於北京奧林匹克公園中。
這些作品，都是蔡衍明多年來所蒐集的藝術品，這次為了打造這棟「美術館飯店」，因此一一把其從家中搬來。神旺商務酒店興建花了5憶，而這些雕塑藝術品的價格推估也高達上億元。走進神旺商務酒店，感受到的不只是飯店、更像美術館。
除了宛如美術館外，神旺商務酒店也特別重視商務人士需求，除了飯店所在地點位於南京東路與林森北路商圈，恰好面對萬坪公園綠地外，也臨近免稅商店、國際精品店、餐廳、戲院等，地點與交通都非常方便。飯店樓高13層，共有81間房，每一間房內都搭配HP多功能事務機，能同時處理影印、列印、傳真、掃描等功能，而且每一台事務機的傳真都有獨立號碼，商務連絡非常方便；如果外籍人士有需要，也可提供免費租借的行動電話，就算人不在客房內，電話也能立即轉接到手機，不會錯失商務聯繫。
這也是全台北市第一家全館光纖寬頻的飯店，每個角落都可上網，並可將手提電腦連接至客房內的37吋高畫質液晶螢幕。此外，精通英日語的禮賓服務人員也提供24小時的個人化秘書服務。另外客房內也配備芬蘭製專業喇叭、高密度床墊、乳膠枕及羽絨床組、乾濕分離浴室、日本製免治馬桶、降板浴缸設計、提供浴鹽泡湯、提供歐蘇丹備品等等，就算牙刷與漱口水，也都從日本進口。
神旺商務酒店並有健身房、會議室、餐廳等設施，非公共區域樓層皆以感應式房卡管制，並於午夜12點至清晨5點進行大門管制。此外，飯店更延聘擁有 20多年的飯店專業管理經驗的吳奕德擔任執行副總，確保軟硬體服務達到國際水平。吳奕德從美國佛州大學旅館餐飲管理碩士畢業後，即從台北市希爾頓的櫃檯基層做起，先後曾服務於晶華、環亞、遠東、華國洲際、台北凱撒等各大五星級飯店，任職客房、訓練及人資總監等職，飯店歷練非常完整深厚。
記者陳志東／台北報導˙攝影
籌備4年、耗資5億，由旺旺集團投資的「神旺商務酒店」於今天2008年3月8日正式開幕營運。與一般飯店不同的是，神旺商務酒店沒有游泳池或三溫暖，取而代之是專為商務人士量身打造的事務機、全館光纖寬頻與完整的英日語等軟硬體服務，更特別的是，飯店裡處處可見藝術家雕塑作品，神旺商務酒店執行副總經理吳奕德說，這是一座「城市美術館飯店」。
旺旺集團於1962年由宜蘭食品起家，從1980年代開始旺旺仙貝就已深入台灣家庭，成為最受歡迎的零嘴之一；1991年間旺旺進軍中國市場，短短不到10年，現在除了中國各大城市都幾乎可見旺旺公司與相關食品外，事業版圖更拓展到房地產、乳業、控股公司、醫院、酒類製造、飯店、旅遊開發，以及回饋社會的慈善基金會等等。
前4年開始，旺旺就開始於台北市南京東路與新生北路口一帶新建商務飯店，並於前兩年間買下位於台北市忠孝東路4段的龍普飯店，重新整修改為「神旺大飯店」，也同時在大陸上海、淮安、南京、西寧等地設立神旺酒店，而今天開幕營運的，就是這棟於4年前開始動工新建的「神旺商務酒店」。
旺旺集團董事長蔡衍明一向喜歡藝術與雕塑，神旺商務酒店籌備期間因有次蔡衍明前往日本四國直島旅行，參觀建築大師安藤忠雄所設計的「地中美術館」與「直島現代美術館」，並驚訝直島美術館內竟有一間小規模飯店，這種建築藝術與飯店結合的風情令其驚艷，也因此神旺商務酒店興建之時就已確立「美術館飯店」風格。
神旺商務酒店由旺旺集團旗下營建公司自己興建，因此用料紮實，處處使用高價防火材質，並找來曾設計台北商旅的著名設計師吳宗岳規劃，為具備設計風格的飯店。更特別的是飯店內收藏許多台灣本土傑出雕塑大師的作品，例如飯店門口擺放的就是國寶級雕塑大師楊英風作品「龍穴」，飯店內另有楊英風的「造山運動」、「正氣」、「有容乃大」、「月明」等等，並有朱銘的「十字手」、王秀杞充滿鄉土童趣的「旺狗迎賓」、「神氣」、「讀書樂」，楊柏林的「黃金海岸」、「在自己的土地上跳舞」，朱銘徒弟甘丹的「海風」、「風和大地」、「海風樹影」，花蓮名家林郁晃的「洄瀾夢土」等等，合計達到150件。
其中最特別的作品，還有10多年前蔡衍明向楊英風購買、以京劇的水袖舞為題、山水的氣勢為型的「水袖」雕塑，而這「水袖」除了後來以同規模5公尺高重塑立於市民大道與承德路口的台北車站西北角處，捐贈給台北市民當成公共藝術外，今年2008年北京奧運主辦單位也選擇將此「水袖」作成巨大地標雕塑，並將永久展示於北京奧林匹克公園中。
這些作品，都是蔡衍明多年來所蒐集的藝術品，這次為了打造這棟「美術館飯店」，因此一一把其從家中搬來。神旺商務酒店興建花了5憶，而這些雕塑藝術品的價格推估也高達上億元。走進神旺商務酒店，感受到的不只是飯店、更像美術館。
除了宛如美術館外，神旺商務酒店也特別重視商務人士需求，除了飯店所在地點位於南京東路與林森北路商圈，恰好面對萬坪公園綠地外，也臨近免稅商店、國際精品店、餐廳、戲院等，地點與交通都非常方便。飯店樓高13層，共有81間房，每一間房內都搭配HP多功能事務機，能同時處理影印、列印、傳真、掃描等功能，而且每一台事務機的傳真都有獨立號碼，商務連絡非常方便；如果外籍人士有需要，也可提供免費租借的行動電話，就算人不在客房內，電話也能立即轉接到手機，不會錯失商務聯繫。
這也是全台北市第一家全館光纖寬頻的飯店，每個角落都可上網，並可將手提電腦連接至客房內的37吋高畫質液晶螢幕。此外，精通英日語的禮賓服務人員也提供24小時的個人化秘書服務。另外客房內也配備芬蘭製專業喇叭、高密度床墊、乳膠枕及羽絨床組、乾濕分離浴室、日本製免治馬桶、降板浴缸設計、提供浴鹽泡湯、提供歐蘇丹備品等等，就算牙刷與漱口水，也都從日本進口。
神旺商務酒店並有健身房、會議室、餐廳等設施，非公共區域樓層皆以感應式房卡管制，並於午夜12點至清晨5點進行大門管制。此外，飯店更延聘擁有 20多年的飯店專業管理經驗的吳奕德擔任執行副總，確保軟硬體服務達到國際水平。吳奕德從美國佛州大學旅館餐飲管理碩士畢業後，即從台北市希爾頓的櫃檯基層做起，先後曾服務於晶華、環亞、遠東、華國洲際、台北凱撒等各大五星級飯店，任職客房、訓練及人資總監等職，飯店歷練非常完整深厚。
2008年3月4日 星期二
倫敦設計到了「重新設計」的時候了！
【text／Stanley Huang；photo／Stanley Huang（黃俊銘，倫敦政經學院社會學研究所）】
「設計」也有「身分認同」的困難？倫敦設計博物館一項新的設計大獎，打破傳統取向，其分類的新趨勢，足以說明，英國引以為傲的所謂「設計」，是到了「重新設計」（redesigning）的時候了。
「設計」也有「身分認同」的困難？倫敦設計博物館在保險業者的贊助之下，宣布啟動一項新的設計大獎「Brit Insurance Design Awards」。它將獎項分為建築、平面設計、時尚、產品、傢俱、互動新媒體、交通等七大類，打破傳統取向。英國媒體分析，該獎分類的新趨勢，足以說明，英國引以為傲的所謂「設計」，是到了「重新設計」（redesigning）的時候了。
此話怎說？倫敦設計博物館從 2003 年開始頒發「年度設計師大獎」，設計過 iPod、iPhone 的 Jonathan Ive 是 2003 年首屆得主，可謂實至名歸。不過 2005 年選了設計監獄、學校管理系統的 Hilary Cottam，就被認為有點「離譜」了，保守派博物館董事甚至不客氣地批評：「如果 Hilary Cottam 都可以稱為「設計師」，我也許可以提名出版社老闆角逐布克獎（The Man Booker Prize，英國最重要的小說文學獎）」。
設計，究竟指涉一種「功能」；一種「服務」；還是設計本身就是一項產品？今年館方不再頒給「設計師」，改以就作品論作品，並將七大分類清楚列出，彷彿為過去如系統服務、虛擬建築等非「設計」類別，展開「正名」的工程。
入圍的一百件作品，除了 Herzog & de Meuron 的北京「鳥巢」，SANAA 的「The New Museum」及 Thomas Heatherwick 的「East Beach Cafe」等主流大作，名氣實在凌駕該獎項。也有像 Martino Gamper 的「100 Chairs in 100 days」等創意之作，他以「天下沒有完美的椅子」為概念，一百天改裝一百張椅子，由於取材限破舊椅子，部分組裝之後反而流露古典氣息，在展場相當受注意。另外，巴黎去年七月在街頭推出的流動自行車系統（Velib Communal Bicycles），取代公車及地鐵；倫敦在尖峰時段推出的塞車稅（Extension of Congestion Charging），還有為開發中國家孩童設計的超迷你 laptop，也都在入圍名單。
作品此刻正在設計博物館展出至 4 月 27 日；3 月 18 日將揭曉得獎作品，獎金為 25000 英鎊。
「設計」也有「身分認同」的困難？倫敦設計博物館一項新的設計大獎，打破傳統取向，其分類的新趨勢，足以說明，英國引以為傲的所謂「設計」，是到了「重新設計」（redesigning）的時候了。
「設計」也有「身分認同」的困難？倫敦設計博物館在保險業者的贊助之下，宣布啟動一項新的設計大獎「Brit Insurance Design Awards」。它將獎項分為建築、平面設計、時尚、產品、傢俱、互動新媒體、交通等七大類，打破傳統取向。英國媒體分析，該獎分類的新趨勢，足以說明，英國引以為傲的所謂「設計」，是到了「重新設計」（redesigning）的時候了。
此話怎說？倫敦設計博物館從 2003 年開始頒發「年度設計師大獎」，設計過 iPod、iPhone 的 Jonathan Ive 是 2003 年首屆得主，可謂實至名歸。不過 2005 年選了設計監獄、學校管理系統的 Hilary Cottam，就被認為有點「離譜」了，保守派博物館董事甚至不客氣地批評：「如果 Hilary Cottam 都可以稱為「設計師」，我也許可以提名出版社老闆角逐布克獎（The Man Booker Prize，英國最重要的小說文學獎）」。
設計，究竟指涉一種「功能」；一種「服務」；還是設計本身就是一項產品？今年館方不再頒給「設計師」，改以就作品論作品，並將七大分類清楚列出，彷彿為過去如系統服務、虛擬建築等非「設計」類別，展開「正名」的工程。
入圍的一百件作品，除了 Herzog & de Meuron 的北京「鳥巢」，SANAA 的「The New Museum」及 Thomas Heatherwick 的「East Beach Cafe」等主流大作，名氣實在凌駕該獎項。也有像 Martino Gamper 的「100 Chairs in 100 days」等創意之作，他以「天下沒有完美的椅子」為概念，一百天改裝一百張椅子，由於取材限破舊椅子，部分組裝之後反而流露古典氣息，在展場相當受注意。另外，巴黎去年七月在街頭推出的流動自行車系統（Velib Communal Bicycles），取代公車及地鐵；倫敦在尖峰時段推出的塞車稅（Extension of Congestion Charging），還有為開發中國家孩童設計的超迷你 laptop，也都在入圍名單。
作品此刻正在設計博物館展出至 4 月 27 日；3 月 18 日將揭曉得獎作品，獎金為 25000 英鎊。
2008年3月3日 星期一
媒體．藝術．文化 兩岸四地媒體應如何合作
黃肇松 （作者為新聞工作者） (20080303)
在這場有關文化發展與文化立國的討論會中，媒體對文化究竟該作些什麼、該有何貢獻，受到與談人的關切。雲門舞集創辦人林懷民先生直指「媒體應更關注文化，問題才能被看見，才能被解決。」交大建築研究所教授劉育東則舉西班牙為例，它的國民並不在乎國民所得在未來要增加多少，反而在乎其文化指標，包括「報紙的藝文版面多寡」的問題。而文化工作者林谷芳教授也以韓國電視連續劇代表作「大長今」為例，它在韓國史書記載中只有三行文字，經過編劇絞盡腦汁，轉化為轟動亞洲的四十六集，在香港播出最後一集的收視率創了六十九％的紀錄，說明媒體與藝術、文化作有效能的連結之後，能夠產生多大的傳播力量和產業價值。
專家的發言，勾起了筆者記憶中的一段往事。北京有一個公益組織叫「阿拉善基金會」，糾結兩岸企業組織出錢出力，長年在中國大陸沙塵暴的發源地──內蒙阿拉善盟種樹抗沙。將近三年前，其理事會成員二十餘人來台開年會並參觀拜會，筆者參加接待。該團離台前夕，台灣的主人們假林谷芳教授主持的北宜公路邊上的雅緻茶坊為他們餞行。翌晨上班，收到兩頁傳真，是上海一家規模龐大的手機簡訊公司的年輕執行副總──史丹福大學畢業的王博士所發（因截稿時間匆促，來不及徵求渠同意，姑隱其名），他描述這是他在凌晨給同行的大陸團員所寫的「情書」。王博士在信函中指出，他的首度訪台對他產生極大的文化震驚，他發現，無論是在北部的台北市喧嘩熱鬧的西門町，在中部山區寧靜僻遠的南投縣集集鎮，或是在廣袤遼闊的南台灣農村，都洋溢著豐沛的中華文化，他說：「台灣確實是中華文化的中心」如此，還有什麼好擔心的呢？王博士疑惑的是，此一事實為何鮮見媒體的報導和論述？
華語世界的「大長今」何在？
類似的疑惑也出現在去年底此間「中國新聞學會」在台北亞大會館主辦的第十屆「海峽兩岸暨港澳新聞討論會」的會場上。來自兩岸四地的媒體人看到了一個數據，根據國際夏日語言學院（ＳＩＬ）的調查及統計，在全球六千八百種語言中，使用華語的人口為九億人，占全球十五％，當然高居世界首位，加上所謂的吳語（江浙話），合計是英語人口的兩倍，法語人口的七倍，日語人口的九倍，韓語人口（包括南北韓）的二十倍，那麼，為何華語地區的許多人卻是「大長今」和「白色巨塔」的消費者？我們自己的「白色巨塔」或「大長今」何在？華語媒體作了足夠的努力了嗎？又為何原為華文正統和中華文化重鎮的台灣，竟有媒體配合政治勢力動不動主張廢中文、廢古文、抵制華語？而在全球正興起學習華語及中文的熱潮中，為何大陸若干媒體仍經常在有意無意間把華語教學和中文教學，視作外交輔助工具，甚至是統戰工具？
整體來看，兩岸四地的媒體是一股龐大的力量，如能排除障礙，集結起來真誠為文化而努力，其所能產生的效能和締造的連結力道是難以想像的。難道，這只是一個夢？
在資訊流早已超過物質流的「資訊時代」，兩岸四地媒體力量究竟有多大？再來看一些統計數據，讓數字說話。由近及遠，台灣傳統媒體中每天定期發行之中，英文報約三十家，有效發行的雜誌五千種，廣播電台二十餘家（多數有聯播的分台），這些媒體近年來變化不大。改變也較大的是電視和網路。目前台灣有五家無線電台、一百個以上的有線電視頻道，提供五花八門的節目，可覆蓋百分之八十以上的家庭，比率之高為世界之冠。網路發展更快，台灣民眾網路的接觸率從二○○一年的六．六％一路飆升到二○○六年超過四十％，六年之間成長六倍多。這些新媒體和傳統媒體在幅員不大的台灣，構成極為豐沛的資訊流，但我們每天從其中吸收到多少文化資訊呢，民眾可能不察，媒體卻該自省，不然，林懷民先生也不會有「媒體應更關切文化」的感慨。
兩岸四地媒體大軍 規模驚人
十四億人口的中國，所有的統計數字都大得驚人，媒體亦然。目前，中國大陸報紙超過兩千一百家，各類刊物近九千種。報、刊合計全年的用紙量近五百萬噸。更可驚人的是「廣電大軍」──包括四五○家無線台、一三○○家有線電視、近百家衛星電視及數位頻道、廣播電台亦接近三百家，總共締造了一億五千萬收視及收聽用戶。相較之下，中國大陸網路新媒體發展勢頭更猛。全國網民早已超過一億五千萬戶的中國，已超越美國成為全球最大的「寬帶大國」，而近年來成為中國大陸互聯網發展指標性數據的博客（Blog台灣譯為「部落格」，香港稱之為「網上日誌」），已突破一千萬。總的來說，中國大陸資訊流的能量和其內容的未來取向，已經常成為國際社會關心的焦點話題。然而，相對於其他資訊的傳遞，中國大陸新舊媒體對文化資訊的關注，仍然相當貧瘠。
不要看香港、澳門總人口還不到千萬，媒體發展卻相對穩定。在香港，傳統的十二家中文報及兩家英文報，這幾年來「一個都沒少」，甚至還出現免費派送的大眾化報紙。香港電視市場應該最受台灣電視工作者欣羡，收費電視近年來競爭較激烈，免費電視長期來只有兩家，而香港網路的發展，年輕族群熱中，整體相對較為放緩。至於澳門，如果有人認為博彩業是它唯一的產業，那就錯了，至少媒體業相當發達。五十萬人口的澳門（約相當苗栗縣人口），卻擁有八家中文報、三家葡文報和一家英文報，還有分別以華語、葡語廣播的電台和電視台，媒體面貌相當國際化。
筆者之所以花了一些篇幅，將兩岸四地和類媒體的發展現況作了介紹，是想指出一個事實：散布在兩岸四地及五大洲的華文媒體之數量及規模，實在相當驚人。報紙數以千計、電視台及廣播台數以百計，雜誌期刊數以萬計，作為新興媒體的各類網站、各式網路服務，乃至於無所不在的博客，有如雨後春筍在各地冒竄成長，這些傳統媒體和新興媒體如能有效合作，影響力是無可限量的。尤其是如能合作傳遞文化資訊、推動文化產業，因不受政治的拘絆限制，效果會更大，但是我們還沒有看到這種影響力的滋生和壯大，因為共識尚未凝聚，合作尚未扎根，目標尚未確定，工具尚未運用，力量也就難以產生。
以兩岸為例，今年剛好是兩岸媒體接觸的二十周年。回顧過去二十年兩岸媒體交流，主要是新聞同業人員的交流、交往，而且來往不少，以筆者服務的中國時報為例，我個人二十年來先後接待過的大陸媒體訪問團就有兩百團以上，這還不包括其他同事主持接待者在內。
建立全球性華文文化網路平台
可以說，兩岸媒體從從業人員在推動新聞交流、交往方面，付出了不少心力，但檢討過去兩岸四地媒體的合作，真正落實到實質性的全面新聞訊息方面的合作及營運的合作並不多見，倒是香港與內地媒體合作初見成績──也僅僅在「初階段」。這主要受到政治、經濟與社會環境不同所形成的主客觀因素的制約。
展望未來，如此受主客觀制約的困境，在兩岸四地的媒體合作中仍會重覆出現。然而，既然二十年來兩岸四地人員互動方面已累積成果，四地媒體高階負責人及各階層新聞實務工作者交往頻繁，相互瞭解在增進之中，應已奠定在「適當時機」在「某些方面」全面合作的基礎。筆者認為「某些方面」包括觀光的推廣、文化資訊的傳播、文化產業的合作推動及校園交流與人才育成等。
去年二月間，大陸觀光客來台幾乎成為事實，筆者在北京參訪，聽中央電視台一位節目製作人說，他製作的一個有關台灣觀光的文化性節目（每周一次），首播反應熱烈，幾天之內由全國各地的來信就有一千多封，就是一個很好的例子。觀光，當然是文化的一環，由這個例子推向受到政治制約較小的文化及文化產業的兩岸四地媒體全面合作，我認為「適當時機」就是現在、當下。否則，兩岸四地及全球華文、華語媒體打造出來的巨碩的「資訊流」，仍會閒置空轉，無助中華文化的提升，也聽任華文、華語龐大文化產值的流失，只能繼續充當「大長今」和「白色巨塔」的忠實觀眾，
工欲善其事，必先利其器。兩岸四地媒體合作既能確定文化領域是最有可能的標的，以此共識共同扎根，則成千上萬舖天蓋地的眾多新舊媒體中，必需找到一個共同的工具來運用、來推動，否則各有立場、各有考量、各有盤算，勢難脫一盤散沙的窠臼。所幸，網路媒體革命時代的來臨，為兩岸四地媒體合作推動文化及文化產業提供一個更現實可行的操作空間，這個新的合作空間的出現，基本上要將他放在一個全球化的視野中來考量，而這也是網路時代的特性──全球化，而這個合作的方向，必然是朝向兩岸四地共同合作建立一個屬於全球華人社群的華文文化網路平台，而要成功建立一個這樣的平台── 即便是與政治關係較小的文化平台，兩岸四地的媒體人仍必須先達成操作的共識與原則，有了這樣共識與原則，兩岸四地媒體合作才有其可行性與前景。
第一、增加四地新聞從業人員的共識：過去兩岸四地新聞媒體從業者最大的差異，應該在媒體經營理念上的不同，港、澳媒體重八卦、台灣媒體重政治、大陸媒體重社會，兩岸四地媒體從業人員如何以推動文化為任務取向建立一套共同認同而且可操作的作業方式，值得進一步深入探討。
第二、建立一個兩岸四地均可接受的華文文化平台：若一個華文文化平台無法獲得兩岸四地的同時認同，尤其是大陸相關部門的理解與支持，必將使這樣的平台缺乏最大華人市場的支持，也就很難成為真正的全球化的媒體平台。
第三、資金的整合必需是民間的，而非官方的，否則也就很難逃過政治的操作與影響。
第四、人員必須是集中兩岸四地的媒體從業人員，以各自的在地觀點來整合此一全球性華文文化平台。
總之，在網路媒體革命時代，建立一有理想、也有操作可能性的「華文文化網路平台」已出現契機，但是否能真正落實，一方面要各方人士深入探討，另一方面，也值得各方有心人士努力落實。接下來的問題是：如果此一平台能順利落實成立，除了強化日常的文化新聞的報導和論述，關切兩岸四地及全球各地華文、華語文化工作者現況之外，要如何結合所有媒體真誠的推動文化產業，筆者認為重點如下：
一、全球華文媒體合作的觸媒─中文產業
我們常看CNN、WNBC及BBC的新聞，除了吸收資訊瞭解世局之外，多少也帶著一點學英文的附加價值，英文是強勢語言，不得不學。但是，如前所述，有一陣子「韓流」襲擊大中華地區，確實令我們汗顏，南北韓人口不足七千萬，卻靠著各類傳媒成功推銷韓文、韓劇及韓國文化，全球使用中文的華人超過十四億，使用華語者也超過十億，我們卻還沒有把它產業化。當今，全球有超過四千萬的各國人士在學漢語；有一百多個國家三千多所大學在教授中文；漢語水平認證考試在四十多個國家設立近兩百個考點。全球中文教學的年產值，保守合計超過十億美元，這正是全球華文媒體──不管是傳統媒體或新興媒體的強項（我們是靠文字維生的），這也是兩岸四地華文媒體合作的最佳觸媒，如何推動，值得在構建全球華文化網路平台時深刻思考。最重要的是把中文當文化產業，千萬不要當成統戰工具。
開發文化創意產業 共創商機
二、兩岸四地媒體共同資產──文化創意產業
當前，兩岸四地民眾的生活型態愈來愈接近，但社會制度、經濟制度和政治制度差異仍在，尤其談論政治仍甚敏感，也成為兩岸四地媒體合作困難所在，那麼什麼是兩岸四地媒體合作的共通資產呢？我認為是文化創意產業，值得以如此龐大的華文媒體合作開發共創商機，更藉此充實中華文化內涵。
文化創意產業包羅甚廣，涵蓋了文學、視覺藝術、音樂與表演藝術、展演設施、工藝、電影、廣播電視、出版、廣告、設計、設計品牌時尚、建築及建築設計、數位休閒娛樂、創意生活、文化休閒觀光……等等。英國在二十年前，文化創意產業年產值不到十億美元，就業人口約兩萬人，而現在年產值已超過美金兩百億元，就業人口超過三十萬人，媒體的推動與宣揚扮演重要角色。放眼望去，與中華文化及華人生活相關文化創意產業，正等著兩岸四地媒體攜手合作推動，相信這也是兩岸四地未來最重要的產業，不容忽視。這正是華文文化網路平台可以大施拳腳之處。
三、文化網路平台的試金石─促成兩岸故宮聯展
因為現實政治制約，兩岸四個故宮──台北故宮、北京故宮、西安故宮、南京故宮，迄無法正常交流，當然是兩岸人民在文化上的一大缺憾，「全球華文文化網路平台」如能落實成立，似可將促成四個故宮舉辦聯展，作為推動兩岸文化交流與合作的試金石，這不只是全球華文化的盛事，更是全球文化界的大事，如能促成，意義非凡。
二十年來的新聞交流，誠然為兩岸四地（尤其是兩岸）未來的媒體深化合作立下基礎，以華文文化網路平台進行全面合作的可能性及擬議的構架已如上述，但仍需假以時日來進行探索與規畫，此其間，交流管道仍需暢通，基礎更要求其牢固。筆者認為，當務之急是兩岸媒體互設新聞採討辦事處，現在的駐點有點像「出差團」，所費不貲，累積有限，應該儘速變成設辦事處長期駐點，因為只有長期的累積才能讓報導更準確，更能關懷民眾，而對兩岸文化的報導也才能更深入，取得更大的空間，而為未來的文化大平台奠立更牢固的基礎。
在這場有關文化發展與文化立國的討論會中，媒體對文化究竟該作些什麼、該有何貢獻，受到與談人的關切。雲門舞集創辦人林懷民先生直指「媒體應更關注文化，問題才能被看見，才能被解決。」交大建築研究所教授劉育東則舉西班牙為例，它的國民並不在乎國民所得在未來要增加多少，反而在乎其文化指標，包括「報紙的藝文版面多寡」的問題。而文化工作者林谷芳教授也以韓國電視連續劇代表作「大長今」為例，它在韓國史書記載中只有三行文字，經過編劇絞盡腦汁，轉化為轟動亞洲的四十六集，在香港播出最後一集的收視率創了六十九％的紀錄，說明媒體與藝術、文化作有效能的連結之後，能夠產生多大的傳播力量和產業價值。
專家的發言，勾起了筆者記憶中的一段往事。北京有一個公益組織叫「阿拉善基金會」，糾結兩岸企業組織出錢出力，長年在中國大陸沙塵暴的發源地──內蒙阿拉善盟種樹抗沙。將近三年前，其理事會成員二十餘人來台開年會並參觀拜會，筆者參加接待。該團離台前夕，台灣的主人們假林谷芳教授主持的北宜公路邊上的雅緻茶坊為他們餞行。翌晨上班，收到兩頁傳真，是上海一家規模龐大的手機簡訊公司的年輕執行副總──史丹福大學畢業的王博士所發（因截稿時間匆促，來不及徵求渠同意，姑隱其名），他描述這是他在凌晨給同行的大陸團員所寫的「情書」。王博士在信函中指出，他的首度訪台對他產生極大的文化震驚，他發現，無論是在北部的台北市喧嘩熱鬧的西門町，在中部山區寧靜僻遠的南投縣集集鎮，或是在廣袤遼闊的南台灣農村，都洋溢著豐沛的中華文化，他說：「台灣確實是中華文化的中心」如此，還有什麼好擔心的呢？王博士疑惑的是，此一事實為何鮮見媒體的報導和論述？
華語世界的「大長今」何在？
類似的疑惑也出現在去年底此間「中國新聞學會」在台北亞大會館主辦的第十屆「海峽兩岸暨港澳新聞討論會」的會場上。來自兩岸四地的媒體人看到了一個數據，根據國際夏日語言學院（ＳＩＬ）的調查及統計，在全球六千八百種語言中，使用華語的人口為九億人，占全球十五％，當然高居世界首位，加上所謂的吳語（江浙話），合計是英語人口的兩倍，法語人口的七倍，日語人口的九倍，韓語人口（包括南北韓）的二十倍，那麼，為何華語地區的許多人卻是「大長今」和「白色巨塔」的消費者？我們自己的「白色巨塔」或「大長今」何在？華語媒體作了足夠的努力了嗎？又為何原為華文正統和中華文化重鎮的台灣，竟有媒體配合政治勢力動不動主張廢中文、廢古文、抵制華語？而在全球正興起學習華語及中文的熱潮中，為何大陸若干媒體仍經常在有意無意間把華語教學和中文教學，視作外交輔助工具，甚至是統戰工具？
整體來看，兩岸四地的媒體是一股龐大的力量，如能排除障礙，集結起來真誠為文化而努力，其所能產生的效能和締造的連結力道是難以想像的。難道，這只是一個夢？
在資訊流早已超過物質流的「資訊時代」，兩岸四地媒體力量究竟有多大？再來看一些統計數據，讓數字說話。由近及遠，台灣傳統媒體中每天定期發行之中，英文報約三十家，有效發行的雜誌五千種，廣播電台二十餘家（多數有聯播的分台），這些媒體近年來變化不大。改變也較大的是電視和網路。目前台灣有五家無線電台、一百個以上的有線電視頻道，提供五花八門的節目，可覆蓋百分之八十以上的家庭，比率之高為世界之冠。網路發展更快，台灣民眾網路的接觸率從二○○一年的六．六％一路飆升到二○○六年超過四十％，六年之間成長六倍多。這些新媒體和傳統媒體在幅員不大的台灣，構成極為豐沛的資訊流，但我們每天從其中吸收到多少文化資訊呢，民眾可能不察，媒體卻該自省，不然，林懷民先生也不會有「媒體應更關切文化」的感慨。
兩岸四地媒體大軍 規模驚人
十四億人口的中國，所有的統計數字都大得驚人，媒體亦然。目前，中國大陸報紙超過兩千一百家，各類刊物近九千種。報、刊合計全年的用紙量近五百萬噸。更可驚人的是「廣電大軍」──包括四五○家無線台、一三○○家有線電視、近百家衛星電視及數位頻道、廣播電台亦接近三百家，總共締造了一億五千萬收視及收聽用戶。相較之下，中國大陸網路新媒體發展勢頭更猛。全國網民早已超過一億五千萬戶的中國，已超越美國成為全球最大的「寬帶大國」，而近年來成為中國大陸互聯網發展指標性數據的博客（Blog台灣譯為「部落格」，香港稱之為「網上日誌」），已突破一千萬。總的來說，中國大陸資訊流的能量和其內容的未來取向，已經常成為國際社會關心的焦點話題。然而，相對於其他資訊的傳遞，中國大陸新舊媒體對文化資訊的關注，仍然相當貧瘠。
不要看香港、澳門總人口還不到千萬，媒體發展卻相對穩定。在香港，傳統的十二家中文報及兩家英文報，這幾年來「一個都沒少」，甚至還出現免費派送的大眾化報紙。香港電視市場應該最受台灣電視工作者欣羡，收費電視近年來競爭較激烈，免費電視長期來只有兩家，而香港網路的發展，年輕族群熱中，整體相對較為放緩。至於澳門，如果有人認為博彩業是它唯一的產業，那就錯了，至少媒體業相當發達。五十萬人口的澳門（約相當苗栗縣人口），卻擁有八家中文報、三家葡文報和一家英文報，還有分別以華語、葡語廣播的電台和電視台，媒體面貌相當國際化。
筆者之所以花了一些篇幅，將兩岸四地和類媒體的發展現況作了介紹，是想指出一個事實：散布在兩岸四地及五大洲的華文媒體之數量及規模，實在相當驚人。報紙數以千計、電視台及廣播台數以百計，雜誌期刊數以萬計，作為新興媒體的各類網站、各式網路服務，乃至於無所不在的博客，有如雨後春筍在各地冒竄成長，這些傳統媒體和新興媒體如能有效合作，影響力是無可限量的。尤其是如能合作傳遞文化資訊、推動文化產業，因不受政治的拘絆限制，效果會更大，但是我們還沒有看到這種影響力的滋生和壯大，因為共識尚未凝聚，合作尚未扎根，目標尚未確定，工具尚未運用，力量也就難以產生。
以兩岸為例，今年剛好是兩岸媒體接觸的二十周年。回顧過去二十年兩岸媒體交流，主要是新聞同業人員的交流、交往，而且來往不少，以筆者服務的中國時報為例，我個人二十年來先後接待過的大陸媒體訪問團就有兩百團以上，這還不包括其他同事主持接待者在內。
建立全球性華文文化網路平台
可以說，兩岸媒體從從業人員在推動新聞交流、交往方面，付出了不少心力，但檢討過去兩岸四地媒體的合作，真正落實到實質性的全面新聞訊息方面的合作及營運的合作並不多見，倒是香港與內地媒體合作初見成績──也僅僅在「初階段」。這主要受到政治、經濟與社會環境不同所形成的主客觀因素的制約。
展望未來，如此受主客觀制約的困境，在兩岸四地的媒體合作中仍會重覆出現。然而，既然二十年來兩岸四地人員互動方面已累積成果，四地媒體高階負責人及各階層新聞實務工作者交往頻繁，相互瞭解在增進之中，應已奠定在「適當時機」在「某些方面」全面合作的基礎。筆者認為「某些方面」包括觀光的推廣、文化資訊的傳播、文化產業的合作推動及校園交流與人才育成等。
去年二月間，大陸觀光客來台幾乎成為事實，筆者在北京參訪，聽中央電視台一位節目製作人說，他製作的一個有關台灣觀光的文化性節目（每周一次），首播反應熱烈，幾天之內由全國各地的來信就有一千多封，就是一個很好的例子。觀光，當然是文化的一環，由這個例子推向受到政治制約較小的文化及文化產業的兩岸四地媒體全面合作，我認為「適當時機」就是現在、當下。否則，兩岸四地及全球華文、華語媒體打造出來的巨碩的「資訊流」，仍會閒置空轉，無助中華文化的提升，也聽任華文、華語龐大文化產值的流失，只能繼續充當「大長今」和「白色巨塔」的忠實觀眾，
工欲善其事，必先利其器。兩岸四地媒體合作既能確定文化領域是最有可能的標的，以此共識共同扎根，則成千上萬舖天蓋地的眾多新舊媒體中，必需找到一個共同的工具來運用、來推動，否則各有立場、各有考量、各有盤算，勢難脫一盤散沙的窠臼。所幸，網路媒體革命時代的來臨，為兩岸四地媒體合作推動文化及文化產業提供一個更現實可行的操作空間，這個新的合作空間的出現，基本上要將他放在一個全球化的視野中來考量，而這也是網路時代的特性──全球化，而這個合作的方向，必然是朝向兩岸四地共同合作建立一個屬於全球華人社群的華文文化網路平台，而要成功建立一個這樣的平台── 即便是與政治關係較小的文化平台，兩岸四地的媒體人仍必須先達成操作的共識與原則，有了這樣共識與原則，兩岸四地媒體合作才有其可行性與前景。
第一、增加四地新聞從業人員的共識：過去兩岸四地新聞媒體從業者最大的差異，應該在媒體經營理念上的不同，港、澳媒體重八卦、台灣媒體重政治、大陸媒體重社會，兩岸四地媒體從業人員如何以推動文化為任務取向建立一套共同認同而且可操作的作業方式，值得進一步深入探討。
第二、建立一個兩岸四地均可接受的華文文化平台：若一個華文文化平台無法獲得兩岸四地的同時認同，尤其是大陸相關部門的理解與支持，必將使這樣的平台缺乏最大華人市場的支持，也就很難成為真正的全球化的媒體平台。
第三、資金的整合必需是民間的，而非官方的，否則也就很難逃過政治的操作與影響。
第四、人員必須是集中兩岸四地的媒體從業人員，以各自的在地觀點來整合此一全球性華文文化平台。
總之，在網路媒體革命時代，建立一有理想、也有操作可能性的「華文文化網路平台」已出現契機，但是否能真正落實，一方面要各方人士深入探討，另一方面，也值得各方有心人士努力落實。接下來的問題是：如果此一平台能順利落實成立，除了強化日常的文化新聞的報導和論述，關切兩岸四地及全球各地華文、華語文化工作者現況之外，要如何結合所有媒體真誠的推動文化產業，筆者認為重點如下：
一、全球華文媒體合作的觸媒─中文產業
我們常看CNN、WNBC及BBC的新聞，除了吸收資訊瞭解世局之外，多少也帶著一點學英文的附加價值，英文是強勢語言，不得不學。但是，如前所述，有一陣子「韓流」襲擊大中華地區，確實令我們汗顏，南北韓人口不足七千萬，卻靠著各類傳媒成功推銷韓文、韓劇及韓國文化，全球使用中文的華人超過十四億，使用華語者也超過十億，我們卻還沒有把它產業化。當今，全球有超過四千萬的各國人士在學漢語；有一百多個國家三千多所大學在教授中文；漢語水平認證考試在四十多個國家設立近兩百個考點。全球中文教學的年產值，保守合計超過十億美元，這正是全球華文媒體──不管是傳統媒體或新興媒體的強項（我們是靠文字維生的），這也是兩岸四地華文媒體合作的最佳觸媒，如何推動，值得在構建全球華文化網路平台時深刻思考。最重要的是把中文當文化產業，千萬不要當成統戰工具。
開發文化創意產業 共創商機
二、兩岸四地媒體共同資產──文化創意產業
當前，兩岸四地民眾的生活型態愈來愈接近，但社會制度、經濟制度和政治制度差異仍在，尤其談論政治仍甚敏感，也成為兩岸四地媒體合作困難所在，那麼什麼是兩岸四地媒體合作的共通資產呢？我認為是文化創意產業，值得以如此龐大的華文媒體合作開發共創商機，更藉此充實中華文化內涵。
文化創意產業包羅甚廣，涵蓋了文學、視覺藝術、音樂與表演藝術、展演設施、工藝、電影、廣播電視、出版、廣告、設計、設計品牌時尚、建築及建築設計、數位休閒娛樂、創意生活、文化休閒觀光……等等。英國在二十年前，文化創意產業年產值不到十億美元，就業人口約兩萬人，而現在年產值已超過美金兩百億元，就業人口超過三十萬人，媒體的推動與宣揚扮演重要角色。放眼望去，與中華文化及華人生活相關文化創意產業，正等著兩岸四地媒體攜手合作推動，相信這也是兩岸四地未來最重要的產業，不容忽視。這正是華文文化網路平台可以大施拳腳之處。
三、文化網路平台的試金石─促成兩岸故宮聯展
因為現實政治制約，兩岸四個故宮──台北故宮、北京故宮、西安故宮、南京故宮，迄無法正常交流，當然是兩岸人民在文化上的一大缺憾，「全球華文文化網路平台」如能落實成立，似可將促成四個故宮舉辦聯展，作為推動兩岸文化交流與合作的試金石，這不只是全球華文化的盛事，更是全球文化界的大事，如能促成，意義非凡。
二十年來的新聞交流，誠然為兩岸四地（尤其是兩岸）未來的媒體深化合作立下基礎，以華文文化網路平台進行全面合作的可能性及擬議的構架已如上述，但仍需假以時日來進行探索與規畫，此其間，交流管道仍需暢通，基礎更要求其牢固。筆者認為，當務之急是兩岸媒體互設新聞採討辦事處，現在的駐點有點像「出差團」，所費不貲，累積有限，應該儘速變成設辦事處長期駐點，因為只有長期的累積才能讓報導更準確，更能關懷民眾，而對兩岸文化的報導也才能更深入，取得更大的空間，而為未來的文化大平台奠立更牢固的基礎。
2008年2月29日 星期五
文創拔地起，藝術去哪裡？ — 檢視文化政策論壇（序）
文／吳牧青
一切還是先從看不見文化政策、卻攸關這片土地未來藝文走向的兩場揭開2008權力遊戲（立委選舉、總統大選）說起。
姑且不提過去的中央民意代表群裡有多少自稱「文化立委」卻未致力藝文政策推動，放任中央與地方政府的文化官員在「產值」上玩弄數字遊戲的「文化創意產業」大行其道。新任期從小選區生死戰出線的立委，除了代表是兩大黨PK和地方勢力之霸的競逐外，再也沒有民代想靠「文化立委」往自個兒臉上貼金的假義氣。即將到來的總統大選，兩方人馬除了大開支票，提高不知是不是芭樂票的文化預算外。一邊高舉升格為「文化觀光部」，另一頭則搖起「文化體育部」的旗幟，這兩者的背後，除了為將來運作新的官僚系統權力劃分，我們實在看不見為整體藝文創作的施政計劃和展覽演出空間的因應政策。（前者在首都所在地預演了文化和觀光整併的進軍中央計畫，後者則南下佈樁為體委會南遷與文建會衛武營統整事宜磋商。）
然而，對於檯面上的兩方政團，「文化創意」和市場經濟下的「產值」遊戲實踐，從2008才要步步展開。
才剛剛結束的2008台北燈節，從媒體業找來的新任觀光局長，轉型為「觀光傳播局」退為輔助公關及傳播性質的機關後。由文化局正式推演的台北燈節，則成為文化局高燈下亮的新年大玩具。當局宣示公共藝術進入傳統節日的論述，說得可妙︰「『2008臺北燈節』將由文化局導入公共藝術『改造公共空間、關照在地特色』的概念，並企圖回應各界對於整體燈節應更為永續的訴求，期能給予參與『2008臺北燈節』的民眾，一個可以同時體驗元宵節溫馨熱鬧的氣氛、實踐綠色公民責任、以及現代工藝設計藝術的嶄新感受。」如果說將觀光事業公共藝術化，是整合了跨部門的資源前行，那倒無可厚非。問題在這嘉年華城市行銷的背後是由主掌這城市的展覽龍頭—台北市立美術館所責成執行，據悉，2009年的花卉博覽會，也將由北美館來負責。一個號稱台灣當代藝術頂尖展的台北雙年展，一屆不過 100萬美元的預算，卻被迫脫離專業，運作起觀光大業的業務，豈不荒謬？
華山從十年前一個中央地方均視為燙手山芋的廢墟，慢慢從一個「閒置空間再利用」升格為受各個藝文展演團隊注目而驚豔的多元使用空間，在各方藝文團隊幾近徒手幹起的華山藝文特區出現口碑後，再被文建會塑造成待價而沽的「華山創意文化園區」，隨著華山ROT案的招標開始到底定的這三年期間，華山的節目數量大幅退化不談，參差不齊的展覽和活動素質反倒更顯露當初「閒置空間」的無政府狀態。而接掌「華山文化創意園區ROT案」的台灣文創公司，除了在產值上和品項將亦步亦趨地跟隨政策宣示的「創意產業旗艦中心」，未來華山將由誰來監督它的方向性，也是令藝文界茫茫然而未知所以。
表演藝術的龍頭機構，兩廳院（國立中正文化中心）表面上看似度過了它所在板塊的政治風暴—「拆匾／更名風波」，更是風風光光地在2007年邀來超過10組國內外大師級的劇場／音樂／舞蹈節目，歡慶她20週年的演出，但是，在其背後的這一年，兩廳院宣示身為第一個法人化的文化機構，經歷了NSO總監難產、兩廳院藝術總監難產，好不容易遴選出執政當局信賴的學者出線，卻又在未到一年的當下退官求去。法人化之後未能下放權力給予專業的行政作風，更讓多方不具政界色彩的藝文團隊和藝術學院的學者憂心忡忡。
台中酒廠、嘉義酒廠、台南分局北門倉庫、花蓮酒廠和台北的華山定位為「五大創意文化園區」，藝術由場地的核心退居到為文化觀光／文化消費服務的企圖自毋需多言。首都的文化局在成立文化基金會轄下，主宰了北美館、當代館、紅樓、小巨蛋、牯嶺街小劇場、中山堂等等多個館所，在名義上可以整合文化事業資源，但在行政上卻可以閃躲過議會的監督。
在接下來的數周，《破》將邀集公部門轄屬的文化行政工作者、創作者、評論者、學者、策展人、民間文化機構等等，讓他們在現今斷代式的官派治理下的各種對文化工作者的衝突與矛盾，針對各方的親身經歷或熟悉的個案分析，以各個面項來彙整出對各執政當局對文化政策付之闕如的概念。
我們無意在這場文化政策的論壇裡，被現今的任一個政治集團利用、抹綠抹藍或抹紅，更無意去簡化商業藝術或設計創意的既有市場性，如果雲門舞集倉庫的一把火只是換來「好可憐VS活該」的鄉民口舌，我們更需要去理解這背後的文化官僚系統是所為何事，進而透過《破》的資訊平台，監督我們的文化環境。
一切還是先從看不見文化政策、卻攸關這片土地未來藝文走向的兩場揭開2008權力遊戲（立委選舉、總統大選）說起。
姑且不提過去的中央民意代表群裡有多少自稱「文化立委」卻未致力藝文政策推動，放任中央與地方政府的文化官員在「產值」上玩弄數字遊戲的「文化創意產業」大行其道。新任期從小選區生死戰出線的立委，除了代表是兩大黨PK和地方勢力之霸的競逐外，再也沒有民代想靠「文化立委」往自個兒臉上貼金的假義氣。即將到來的總統大選，兩方人馬除了大開支票，提高不知是不是芭樂票的文化預算外。一邊高舉升格為「文化觀光部」，另一頭則搖起「文化體育部」的旗幟，這兩者的背後，除了為將來運作新的官僚系統權力劃分，我們實在看不見為整體藝文創作的施政計劃和展覽演出空間的因應政策。（前者在首都所在地預演了文化和觀光整併的進軍中央計畫，後者則南下佈樁為體委會南遷與文建會衛武營統整事宜磋商。）
然而，對於檯面上的兩方政團，「文化創意」和市場經濟下的「產值」遊戲實踐，從2008才要步步展開。
才剛剛結束的2008台北燈節，從媒體業找來的新任觀光局長，轉型為「觀光傳播局」退為輔助公關及傳播性質的機關後。由文化局正式推演的台北燈節，則成為文化局高燈下亮的新年大玩具。當局宣示公共藝術進入傳統節日的論述，說得可妙︰「『2008臺北燈節』將由文化局導入公共藝術『改造公共空間、關照在地特色』的概念，並企圖回應各界對於整體燈節應更為永續的訴求，期能給予參與『2008臺北燈節』的民眾，一個可以同時體驗元宵節溫馨熱鬧的氣氛、實踐綠色公民責任、以及現代工藝設計藝術的嶄新感受。」如果說將觀光事業公共藝術化，是整合了跨部門的資源前行，那倒無可厚非。問題在這嘉年華城市行銷的背後是由主掌這城市的展覽龍頭—台北市立美術館所責成執行，據悉，2009年的花卉博覽會，也將由北美館來負責。一個號稱台灣當代藝術頂尖展的台北雙年展，一屆不過 100萬美元的預算，卻被迫脫離專業，運作起觀光大業的業務，豈不荒謬？
華山從十年前一個中央地方均視為燙手山芋的廢墟，慢慢從一個「閒置空間再利用」升格為受各個藝文展演團隊注目而驚豔的多元使用空間，在各方藝文團隊幾近徒手幹起的華山藝文特區出現口碑後，再被文建會塑造成待價而沽的「華山創意文化園區」，隨著華山ROT案的招標開始到底定的這三年期間，華山的節目數量大幅退化不談，參差不齊的展覽和活動素質反倒更顯露當初「閒置空間」的無政府狀態。而接掌「華山文化創意園區ROT案」的台灣文創公司，除了在產值上和品項將亦步亦趨地跟隨政策宣示的「創意產業旗艦中心」，未來華山將由誰來監督它的方向性，也是令藝文界茫茫然而未知所以。
表演藝術的龍頭機構，兩廳院（國立中正文化中心）表面上看似度過了它所在板塊的政治風暴—「拆匾／更名風波」，更是風風光光地在2007年邀來超過10組國內外大師級的劇場／音樂／舞蹈節目，歡慶她20週年的演出，但是，在其背後的這一年，兩廳院宣示身為第一個法人化的文化機構，經歷了NSO總監難產、兩廳院藝術總監難產，好不容易遴選出執政當局信賴的學者出線，卻又在未到一年的當下退官求去。法人化之後未能下放權力給予專業的行政作風，更讓多方不具政界色彩的藝文團隊和藝術學院的學者憂心忡忡。
台中酒廠、嘉義酒廠、台南分局北門倉庫、花蓮酒廠和台北的華山定位為「五大創意文化園區」，藝術由場地的核心退居到為文化觀光／文化消費服務的企圖自毋需多言。首都的文化局在成立文化基金會轄下，主宰了北美館、當代館、紅樓、小巨蛋、牯嶺街小劇場、中山堂等等多個館所，在名義上可以整合文化事業資源，但在行政上卻可以閃躲過議會的監督。
在接下來的數周，《破》將邀集公部門轄屬的文化行政工作者、創作者、評論者、學者、策展人、民間文化機構等等，讓他們在現今斷代式的官派治理下的各種對文化工作者的衝突與矛盾，針對各方的親身經歷或熟悉的個案分析，以各個面項來彙整出對各執政當局對文化政策付之闕如的概念。
我們無意在這場文化政策的論壇裡，被現今的任一個政治集團利用、抹綠抹藍或抹紅，更無意去簡化商業藝術或設計創意的既有市場性，如果雲門舞集倉庫的一把火只是換來「好可憐VS活該」的鄉民口舌，我們更需要去理解這背後的文化官僚系統是所為何事，進而透過《破》的資訊平台，監督我們的文化環境。
Guggenheim's master of the art of global branding steps down as museum director
Ed Pilkington in New York
Friday February 29, 2008
The Guardian
Thomas Krens, the man who helped turn the Guggenheim into a globally renowned art brand and expanded its reach through audacious projects around the world, is to step down from one of the top jobs in museum direction after almost 20 years.
His stepping aside brings to an end an era in the history of the Guggenheim and could have a big impact on both its future and that of art museum direction in general. He is seen as a pioneer of the model of global branding that has been echoed by other big institutions.
But Krens has also been a figure of controversy, with his reputation for an abrasive management style and for the priorities he brought to the Guggenheim.
A graduate of the Yale school of management, he was a representative of a new breed of museum directors whose expertise lies in business organisation rather than in traditional academic scholarship.
His term in office saw the Guggenheim expand, both in terms of its endowment, which increased six times to $118m (£52m), and in its global stretch. His flagship project was the Bilbao Guggenheim, the instantly recognisable titanium-clad building designed by Frank Gehry that has proven to be a huge success, attracting 1m visitors a year.
Under Krens' leadership, a new Guggenheim museum, again designed by Gehry, is to be completed in Abu Dhabi in 2012 which will embody his global ambitions by exhibiting art from all over the world.
But the worldwide empire-building also brought Krens criticism that he was failing to nurture the jewel in the Guggenheim crown - the Frank Lloyd Wright building in New York's upper east side.
Three years ago he was involved in a bruising struggle with the largest donor to the Solomon R Guggenheim foundation, Peter Lewis, who resigned after he accused Krens of losing sight of the main focus of the organisation - its New York flagship.
Many of Krens' most ambitious overseas projects failed to get off the ground, and though the model of branding and expansion has been mirrored by institutions such as the Tate in the UK and the Louvre in Paris, they have tended to be more modest in scale or have been achieved, as in the case of the Louvre, with government support.
Krens was also the subject of the mumblings of art critics who said his choice of shows on occasions fell short in terms of scholarship.
He staged a show of Armani suits sponsored by Armani itself, while The Art of the Motorcycle was in part paid for by BMW.
Under the terms of his change in job title, Krens will remain in charge of the Abu Dhabi project, which he said was "truly spectacular" in its scope and scale. "Our objective is to make something completely new, the best museum of modern and contemporary art in the world."
But his departure allows the Guggenheim to bring the New York flagship back under the same management umbrella as the foundation's other possessions: Bilbao, the Peggy Guggenheim Collection in Venice, the Deutsche Guggenheim in Berlin and the Guggenheim Hermitage in Las Vegas. It also opens the door to applications from top museum professionals who had been known to be hesitant to work beneath the dominant figure of Krens.
"We expect interest will be high and the candidates will be top tier," the foundation's chairman, William Mack, said.
Robin Cembalest, executive editor of ARTnews, said that by vacating the post, Krens had "opened the door to curators and directors from major institutions applying for the top job. Who the board picks will give a clear sign of where they want the Guggenheim to go."
Friday February 29, 2008
The Guardian
Thomas Krens, the man who helped turn the Guggenheim into a globally renowned art brand and expanded its reach through audacious projects around the world, is to step down from one of the top jobs in museum direction after almost 20 years.
His stepping aside brings to an end an era in the history of the Guggenheim and could have a big impact on both its future and that of art museum direction in general. He is seen as a pioneer of the model of global branding that has been echoed by other big institutions.
But Krens has also been a figure of controversy, with his reputation for an abrasive management style and for the priorities he brought to the Guggenheim.
A graduate of the Yale school of management, he was a representative of a new breed of museum directors whose expertise lies in business organisation rather than in traditional academic scholarship.
His term in office saw the Guggenheim expand, both in terms of its endowment, which increased six times to $118m (£52m), and in its global stretch. His flagship project was the Bilbao Guggenheim, the instantly recognisable titanium-clad building designed by Frank Gehry that has proven to be a huge success, attracting 1m visitors a year.
Under Krens' leadership, a new Guggenheim museum, again designed by Gehry, is to be completed in Abu Dhabi in 2012 which will embody his global ambitions by exhibiting art from all over the world.
But the worldwide empire-building also brought Krens criticism that he was failing to nurture the jewel in the Guggenheim crown - the Frank Lloyd Wright building in New York's upper east side.
Three years ago he was involved in a bruising struggle with the largest donor to the Solomon R Guggenheim foundation, Peter Lewis, who resigned after he accused Krens of losing sight of the main focus of the organisation - its New York flagship.
Many of Krens' most ambitious overseas projects failed to get off the ground, and though the model of branding and expansion has been mirrored by institutions such as the Tate in the UK and the Louvre in Paris, they have tended to be more modest in scale or have been achieved, as in the case of the Louvre, with government support.
Krens was also the subject of the mumblings of art critics who said his choice of shows on occasions fell short in terms of scholarship.
He staged a show of Armani suits sponsored by Armani itself, while The Art of the Motorcycle was in part paid for by BMW.
Under the terms of his change in job title, Krens will remain in charge of the Abu Dhabi project, which he said was "truly spectacular" in its scope and scale. "Our objective is to make something completely new, the best museum of modern and contemporary art in the world."
But his departure allows the Guggenheim to bring the New York flagship back under the same management umbrella as the foundation's other possessions: Bilbao, the Peggy Guggenheim Collection in Venice, the Deutsche Guggenheim in Berlin and the Guggenheim Hermitage in Las Vegas. It also opens the door to applications from top museum professionals who had been known to be hesitant to work beneath the dominant figure of Krens.
"We expect interest will be high and the candidates will be top tier," the foundation's chairman, William Mack, said.
Robin Cembalest, executive editor of ARTnews, said that by vacating the post, Krens had "opened the door to curators and directors from major institutions applying for the top job. Who the board picks will give a clear sign of where they want the Guggenheim to go."
美術手帖：策展人這一行
【文／岩切澪；圖／本刊資料室】
在活躍於全世界的策展人越來越多的情況下，「策展人」這一行已被討論許久，這看似了無新意的議題，《美術手帖》卻在12月號的專題裡凸顯了它的獨特性，其不僅描述「超級策展人」、「獨立策展人」等當今潮流現象，也詳細介紹這一行工作的脈絡、基本問題和限制，還有討論日本特有的策展人制度「學藝員」（即所謂「美術館策展人(house curator)」）的特色，並關注其策展方法與所重視的方向。在如此的關懷之下，《美術手帖》訪問了今年9月即將舉辦的「橫濱三年展」（Yokohama Triennale）總策展人水澤勉（Mizusawa Tsutomu），他曾宣布想將此次三年展策成「白箱子」（white cube）的展覽，並希望觀眾看完展覽之後能變為徹底孤獨的狀態，進而深刻思考作品的意義。他還形容此次展覽會像「一本書」，這聽來可能有一點古典，不過這樣的構想其實是他在神奈川縣立近代美術館研究及策展30年的經驗裡頭培養出來的結果，在此也可見他身為「學藝員」的自信和理想。「學藝員」這一門工作在日本其實一直都處於很尷尬的位置，常被學者們批評不夠學術，也不像西方系統那樣專業化：他們常常得處理許多瑣事，因此偶爾被稱為「zatsugei- in」（雜藝員）而非「gakugei-in」（學藝員）。
事實上，有些美術館已培養出不少研究者般的學藝員，神奈川縣立近代美術館為其中最有名並具歷史的美術館，水澤便是在其相當嚴格的師徒體系下所培養出的策展人；他除了持續鑽研自己的研究範圍（德國表現主義）之外，對日本現代藝術也相當的熟悉，而這也是他就職的美術館前輩們所營造出來的氣氛。他體會到如何在日本思考日本現代藝術：它不只是美術史的知識，更是每個小細節所串成的全面性體驗。這樣的他將如何策畫今年的橫濱三年展，頗令人好奇而期待。
本期還將去年秋天在東京引發話題的兩檔展覽：東京都現代美術館的「Space for your Future」展及森美術館的「六本木Crossing」展，當作案例分析並觀察策展的過程和實際的種種問題，東京都現代美術館館長谷川祐子（Hasegawa Yuko）的訪談內容尤其精彩。身為一位「超級策展人」，同時也是「美術館策展人」，她不僅關注世界上的美術潮流和當代性議題，也極力思考著如何與市民溝通交流，而且當她說：「我們得創造出有創造性的觀眾」時，語氣聽來是相當肯切的。
【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】
在活躍於全世界的策展人越來越多的情況下，「策展人」這一行已被討論許久，這看似了無新意的議題，《美術手帖》卻在12月號的專題裡凸顯了它的獨特性，其不僅描述「超級策展人」、「獨立策展人」等當今潮流現象，也詳細介紹這一行工作的脈絡、基本問題和限制，還有討論日本特有的策展人制度「學藝員」（即所謂「美術館策展人(house curator)」）的特色，並關注其策展方法與所重視的方向。在如此的關懷之下，《美術手帖》訪問了今年9月即將舉辦的「橫濱三年展」（Yokohama Triennale）總策展人水澤勉（Mizusawa Tsutomu），他曾宣布想將此次三年展策成「白箱子」（white cube）的展覽，並希望觀眾看完展覽之後能變為徹底孤獨的狀態，進而深刻思考作品的意義。他還形容此次展覽會像「一本書」，這聽來可能有一點古典，不過這樣的構想其實是他在神奈川縣立近代美術館研究及策展30年的經驗裡頭培養出來的結果，在此也可見他身為「學藝員」的自信和理想。「學藝員」這一門工作在日本其實一直都處於很尷尬的位置，常被學者們批評不夠學術，也不像西方系統那樣專業化：他們常常得處理許多瑣事，因此偶爾被稱為「zatsugei- in」（雜藝員）而非「gakugei-in」（學藝員）。
事實上，有些美術館已培養出不少研究者般的學藝員，神奈川縣立近代美術館為其中最有名並具歷史的美術館，水澤便是在其相當嚴格的師徒體系下所培養出的策展人；他除了持續鑽研自己的研究範圍（德國表現主義）之外，對日本現代藝術也相當的熟悉，而這也是他就職的美術館前輩們所營造出來的氣氛。他體會到如何在日本思考日本現代藝術：它不只是美術史的知識，更是每個小細節所串成的全面性體驗。這樣的他將如何策畫今年的橫濱三年展，頗令人好奇而期待。
本期還將去年秋天在東京引發話題的兩檔展覽：東京都現代美術館的「Space for your Future」展及森美術館的「六本木Crossing」展，當作案例分析並觀察策展的過程和實際的種種問題，東京都現代美術館館長谷川祐子（Hasegawa Yuko）的訪談內容尤其精彩。身為一位「超級策展人」，同時也是「美術館策展人」，她不僅關注世界上的美術潮流和當代性議題，也極力思考著如何與市民溝通交流，而且當她說：「我們得創造出有創造性的觀眾」時，語氣聽來是相當肯切的。
【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】
2008年2月27日 星期三
Sale of the century: UK gets art collection for 80% off
· Donation could fill floor and a half of Tate Modern
· Bequest ranks among those by Samuel Courtauld and Henry Tate
Mark Brown, arts correspondent
Wednesday February 27, 2008
guardian.co.uk
An act of artistic philanthropy on a par with Britain's greatest - including bequests by Samuel Courtauld and Henry Tate - was unveiled today in a move that will see 725 works of postwar and contemporary art donated to the nation.
The London dealer Anthony d'Offay is giving over almost his entire collection - now conservatively valued at £125m - for the price he paid originally. The collection contains some of the finest works by the most important artists of the last 50 years, including Joseph Beuys, Gilbert and George, Jeff Koons and Damien Hirst. It will be called Artist Rooms and it will be jointly owned and managed for the nation by the National Galleries of Scotland and Tate.
The scale of the donation is remarkable: enough art to easily fill a floor and a half of London's Tate Modern. Artist Rooms will take the form of 50 rooms of contemporary art by 25 artists, with the intention that they will be seen across the UK and not just in London and Edinburgh. The first partners will include galleries as far apart as Inverness, Bexhill and Cardiff.
D'Offay is offering the art at the original price paid rather than its current value. That amounts to almost £28m with £10m each being paid by the British government and the Scottish government. The remaining £8m will come from the Art Fund (£1m) and National Heritage Memorial Fund (£7m).
"He is making a loss," said the Tate's director Nicholas Serota. "It is one of the most generous gifts that has ever been made to museums in this country. Anthony's concept has always been to try and show artists in depth. That's how he has collected and that's how he would like this gift to be seen. A gift of this magnitude will completely transform the opportunity to experience contemporary art in the UK."
D'Offay told the Guardian the idea of Artist Rooms had been seven years in the planning. "It's really to do with education for young people. Outside London and Edinburgh it is very difficult to see great contemporary art. I was born in Sheffield and brought up in Leicester and I was very conscious that what I could see in museums was 18th-century portraits, Egyptian mummies and stuffed animals.
"Art is important because it stimulates young people's creativity. If you see great art it makes you ask questions and if you ask questions it makes you seek answers. It's always been in my mind that this is something I wanted to do."
D'Offay was originally in talks with Scotland's galleries and the Tate became involved because of the sheer scale.
Much of the art will plug significant gaps in Britain's national collections. Three rooms will comprise 69 black-and-white photographs by the pioneering Diane Arbus who, despite her reputation as one of the greatest American photographers, is not represented at either Tate or the National Galleries of Scotland.
It is a similar story for other artists. Tate holds just one work by Jeff Koons and the NGS none. Now D'Offay is giving over 17 Koons works including Winter Bears, 1988. Robert Mapplethorpe, the boundary-pushing American photographer is not represented at all, but now three rooms will be filled with 64 photographs, probably the best collection in the world after the Guggenheim's.
D'Offay is also donating a breathtaking collection of 136 works by Joseph Beuys, including 20 sculptures; nine works by Gilbert and George including one of their earliest together, George the Cunt and Gilbert the Shit from 1970; five Damien Hirsts including his largest early spot painting and a sheep in formaldehyde; six important works filling three rooms by German artist Anselm Kiefer; 14 works which at a stroke vastly improve the collection of Gerhard Richter; and 22 works by American Ed Ruscha. The list goes on.
Both the galleries and d'Offay hope it will set a precedent and act as an example for others with the wherewithal to follow.
John Leighton, director of the National Galleries of Scotland, said: "Our postwar and contemporary art collections are weak - at a stroke it becomes one of international significance."
The touring nature of the scheme is central and 11 regional galleries - Aberdeen, Bexhill, Colchester, Glasgow, Inverness, Middlesbrough, Cardiff, Walsall, Orkney, Belfast, Wolverhampton - have already signed up to host rooms. Nor is it a finished project. "This isn't something that is locked, finished, complete," said Serota. "We would hope to buy one or two more rooms a year."
Serota said the donation was up there with the great bequests which led to the establishment of the Tate, by Henry Tate at the end of the 19th century, and the Courtauld Institute of Art, by Samuel Courtauld in the 1930s and 1940s.
"It is an extraordinary act of philanthropy and I don't know the equivalent of it anywhere else in the world. It will be a legacy for future generations," he added.
It is hoped the public will get to see the first rooms in spring 2009.
Andy Warhol, Skulls (1976)
Winter Bears (1988) by Jeff Koons
Gilbert & George, Existers (1984)
Ron Mueck, Spooning Couple (2005)
Wall Drawing #1136 (2004) by Sol Le Witt
Self-Portrait (1983) by Robert Mapplethorpe
Bruce Nauman, La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972)
Damien Hirst, Away from the Flock (1995)
Richard Hamilton, Four Self-portraits (1990)
Gerhard Richter, Abstraktes Blid (1994)
· Bequest ranks among those by Samuel Courtauld and Henry Tate
Mark Brown, arts correspondent
Wednesday February 27, 2008
guardian.co.uk
An act of artistic philanthropy on a par with Britain's greatest - including bequests by Samuel Courtauld and Henry Tate - was unveiled today in a move that will see 725 works of postwar and contemporary art donated to the nation.
The London dealer Anthony d'Offay is giving over almost his entire collection - now conservatively valued at £125m - for the price he paid originally. The collection contains some of the finest works by the most important artists of the last 50 years, including Joseph Beuys, Gilbert and George, Jeff Koons and Damien Hirst. It will be called Artist Rooms and it will be jointly owned and managed for the nation by the National Galleries of Scotland and Tate.
The scale of the donation is remarkable: enough art to easily fill a floor and a half of London's Tate Modern. Artist Rooms will take the form of 50 rooms of contemporary art by 25 artists, with the intention that they will be seen across the UK and not just in London and Edinburgh. The first partners will include galleries as far apart as Inverness, Bexhill and Cardiff.
D'Offay is offering the art at the original price paid rather than its current value. That amounts to almost £28m with £10m each being paid by the British government and the Scottish government. The remaining £8m will come from the Art Fund (£1m) and National Heritage Memorial Fund (£7m).
"He is making a loss," said the Tate's director Nicholas Serota. "It is one of the most generous gifts that has ever been made to museums in this country. Anthony's concept has always been to try and show artists in depth. That's how he has collected and that's how he would like this gift to be seen. A gift of this magnitude will completely transform the opportunity to experience contemporary art in the UK."
D'Offay told the Guardian the idea of Artist Rooms had been seven years in the planning. "It's really to do with education for young people. Outside London and Edinburgh it is very difficult to see great contemporary art. I was born in Sheffield and brought up in Leicester and I was very conscious that what I could see in museums was 18th-century portraits, Egyptian mummies and stuffed animals.
"Art is important because it stimulates young people's creativity. If you see great art it makes you ask questions and if you ask questions it makes you seek answers. It's always been in my mind that this is something I wanted to do."
D'Offay was originally in talks with Scotland's galleries and the Tate became involved because of the sheer scale.
Much of the art will plug significant gaps in Britain's national collections. Three rooms will comprise 69 black-and-white photographs by the pioneering Diane Arbus who, despite her reputation as one of the greatest American photographers, is not represented at either Tate or the National Galleries of Scotland.
It is a similar story for other artists. Tate holds just one work by Jeff Koons and the NGS none. Now D'Offay is giving over 17 Koons works including Winter Bears, 1988. Robert Mapplethorpe, the boundary-pushing American photographer is not represented at all, but now three rooms will be filled with 64 photographs, probably the best collection in the world after the Guggenheim's.
D'Offay is also donating a breathtaking collection of 136 works by Joseph Beuys, including 20 sculptures; nine works by Gilbert and George including one of their earliest together, George the Cunt and Gilbert the Shit from 1970; five Damien Hirsts including his largest early spot painting and a sheep in formaldehyde; six important works filling three rooms by German artist Anselm Kiefer; 14 works which at a stroke vastly improve the collection of Gerhard Richter; and 22 works by American Ed Ruscha. The list goes on.
Both the galleries and d'Offay hope it will set a precedent and act as an example for others with the wherewithal to follow.
John Leighton, director of the National Galleries of Scotland, said: "Our postwar and contemporary art collections are weak - at a stroke it becomes one of international significance."
The touring nature of the scheme is central and 11 regional galleries - Aberdeen, Bexhill, Colchester, Glasgow, Inverness, Middlesbrough, Cardiff, Walsall, Orkney, Belfast, Wolverhampton - have already signed up to host rooms. Nor is it a finished project. "This isn't something that is locked, finished, complete," said Serota. "We would hope to buy one or two more rooms a year."
Serota said the donation was up there with the great bequests which led to the establishment of the Tate, by Henry Tate at the end of the 19th century, and the Courtauld Institute of Art, by Samuel Courtauld in the 1930s and 1940s.
"It is an extraordinary act of philanthropy and I don't know the equivalent of it anywhere else in the world. It will be a legacy for future generations," he added.
It is hoped the public will get to see the first rooms in spring 2009.
Andy Warhol, Skulls (1976)
Winter Bears (1988) by Jeff Koons
Gilbert & George, Existers (1984)
Ron Mueck, Spooning Couple (2005)
Wall Drawing #1136 (2004) by Sol Le Witt
Self-Portrait (1983) by Robert Mapplethorpe
Bruce Nauman, La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972)
Damien Hirst, Away from the Flock (1995)
Richard Hamilton, Four Self-portraits (1990)
Gerhard Richter, Abstraktes Blid (1994)
2008年2月26日 星期二
克服政治障礙 維也納推出台灣故宮展
（中央社記者林育立維也納二十六日專電）「物華天寶：台灣國立故宮博物院精品展」，今天起在奧地利首都維也納的藝術史博物館正式登場。藝術史博物館館長賽裴爾表示，奧方在克服重重政治障礙後，才得以推出這次展覽，不過他相信文化遲早會超越政治的藩籬。
包括首次出國的清院本「清明上河圖」和馬遠「山徑春行」等重要文物在內，「物華天寶」這次一共展出一百一十六件器物、書畫和圖書等珍品。這也是近年來繼美國的紐約、芝加哥、舊金山、華盛頓、法國的巴黎、和德國的柏林和波昂後，故宮國寶再度代表台灣遠渡重洋，拓展文化外交。
賽裴爾今天對來自全歐的一百多位記者表示，中國歷代帝王和維也納的哈布斯堡王朝一樣，都是狂熱的藝術收藏家，故宮和藝術史博物館的收藏同時反應君王的品味，有許多相呼應的地方，這正是兩大博物館舉辦這次交換展的主要目的，他對台灣故宮慷慨出借藏品尤其感激。
對於在場記者紛紛問道中國是否有干涉這次展覽，賽裴爾表示，中國政府對台灣故宮來維也納展出的確不大高興，他曾與中國官員見面，確認一切名稱符合奧地利官方的「一個中國」政策，不過他強調中國沒有施壓或干涉。
他還說，原本希望北京故宮也能一起展出，可惜最後沒有成功，不過他相信只要有耐性，（兩岸）共同的文化遲早會超越政治的藩籬。
故宮院長林曼麗也指出，台灣故宮的藏品是全人類共同的資產，因緣際會來到台灣，台灣政府和人民善盡保護、收藏、展出和研究的責任，這是全人類的福氣，藝術應該超越政治。
奧地利國會是在二零零四年通過免扣押法令，保證展品安然返台，使台灣故宮這次能順利展出。
林曼麗告訴中央社說，繼美、法、德、奧等國後，比利時政府目前非常積極，很可能成為展出故宮國寶的下一個國家，她此行也將前往比利時洽談。
在故宮舉行的「物華天寶」交換展「華麗巴洛克：偉大的哈布斯堡收藏家－來自維也納藝術史博物館之鉅作特展」，自去年十月二十日至本月二十四日閉幕為止，吸引了二十五萬的參觀人次。
賽裴爾告訴中央社說，維也納藝術史博物館的特展在台灣造成熱烈迴響，讓他感到驕傲，他相信歐洲與亞洲的文化交流將愈來愈熱絡，未來會有更多歐洲的博物館到台灣展出。
包括首次出國的清院本「清明上河圖」和馬遠「山徑春行」等重要文物在內，「物華天寶」這次一共展出一百一十六件器物、書畫和圖書等珍品。這也是近年來繼美國的紐約、芝加哥、舊金山、華盛頓、法國的巴黎、和德國的柏林和波昂後，故宮國寶再度代表台灣遠渡重洋，拓展文化外交。
賽裴爾今天對來自全歐的一百多位記者表示，中國歷代帝王和維也納的哈布斯堡王朝一樣，都是狂熱的藝術收藏家，故宮和藝術史博物館的收藏同時反應君王的品味，有許多相呼應的地方，這正是兩大博物館舉辦這次交換展的主要目的，他對台灣故宮慷慨出借藏品尤其感激。
對於在場記者紛紛問道中國是否有干涉這次展覽，賽裴爾表示，中國政府對台灣故宮來維也納展出的確不大高興，他曾與中國官員見面，確認一切名稱符合奧地利官方的「一個中國」政策，不過他強調中國沒有施壓或干涉。
他還說，原本希望北京故宮也能一起展出，可惜最後沒有成功，不過他相信只要有耐性，（兩岸）共同的文化遲早會超越政治的藩籬。
故宮院長林曼麗也指出，台灣故宮的藏品是全人類共同的資產，因緣際會來到台灣，台灣政府和人民善盡保護、收藏、展出和研究的責任，這是全人類的福氣，藝術應該超越政治。
奧地利國會是在二零零四年通過免扣押法令，保證展品安然返台，使台灣故宮這次能順利展出。
林曼麗告訴中央社說，繼美、法、德、奧等國後，比利時政府目前非常積極，很可能成為展出故宮國寶的下一個國家，她此行也將前往比利時洽談。
在故宮舉行的「物華天寶」交換展「華麗巴洛克：偉大的哈布斯堡收藏家－來自維也納藝術史博物館之鉅作特展」，自去年十月二十日至本月二十四日閉幕為止，吸引了二十五萬的參觀人次。
賽裴爾告訴中央社說，維也納藝術史博物館的特展在台灣造成熱烈迴響，讓他感到驕傲，他相信歐洲與亞洲的文化交流將愈來愈熱絡，未來會有更多歐洲的博物館到台灣展出。
2008年2月25日 星期一
英國博物館專家:從設計的角度去選擇藏品
2008年2月25日7:22
來源:第一財經日報 選稿:方翔
維多利亞阿伯特博物館亞洲部部長馬克樂（Beth Mckillop）是位“中國通”，她烏黑的頭髮和發音聲調標準的普通話，甚至給人錯覺，她會不會有中國血統。這位曾經因熱衷於左翼政治而對中文和中國感興趣的中國藝術品專家，在康橋研學中文時期，於1971年作為交換生在北京外國語學院和北京大學進修中文和中國文化。30多年來，她和中國有著密切的聯繫，始終對中國問題有著濃厚的興趣和極大的熱情。
《第一財經日報》：在V&A，究竟有多少中國藝術品？
馬克樂：這要看如何來匡算，因為有的時候一件藝術品由很多件單品組成，這就很難算了。我們目前對外公開的數位是，來自中國的各時期藝術品共25000件。
《第一財經日報》：哪一件作品最久遠？哪一件作品最珍貴？大概價值多少？
馬克樂：最久遠的藏品是新石器時代的玉琮，就是那種長形的雕刻有花紋的很早期的玉雕作品；最珍貴的是宋代汝窯的茶盅，其有著非常特殊的色彩——米色，非常稀有和珍貴。但是我無法告知其價值究竟幾何，因為我們不會出售這些寶物，所以我們很少去進行價值判斷。
《第一財經日報》：比起大英博物館，V&A的中國藏品有沒有特別之處？
馬克樂：大英博物館更多是展示人類文化，而且更多是以考古學的角度去收取藏品，他們更注重年代的久遠程度，對古代人類文明更感興趣。而V&A是藝術博物館，我們更多是從設計的角度去選擇藏品，去探究不同國家、不同民族、不同傳統背景下，藝術設計的多元狀態。如果說，比較大英博物館我們的特殊之處在哪的話，我會說，在我們的藏品中有非常精美的傢具，包括中國古典傢具，這是大英博物館沒有的；還有紡織品和服飾，雖然他們有很小部分的藏品，但他們還是以關注古代文化為主。
《第一財經日報》：在採訪大英博物館時發現，那裏展出的藏品是博物館藏品中的很小部分，這裡的情況如何？
馬克樂：這裡的情況也是一樣，一般來說，以瓷器為例，我們大概有67000件藏品展出，也就是佔總藏品的三分之一。然而，因為目前瓷器館正在整修，不對外開放，所以總的展出量大大減少，大概只有5％。其實，每一個博物館都是一樣的，我們選擇最珍貴的藏品展示給普通觀眾，其他的則對專業研究人員、教授、學者、收藏家，甚至學生和有特殊要求的人士開放，只是需要預約參觀時間。如果我們展示所有的藏品，效果將會適得其反，一方面從陳列的角度講，會很擁擠；另一方面，從博物館來說，也不可能有如此大的空間。我們希望博物館給人們提供藝術享受，同時也寓教於樂。
《第一財經日報》：你剛才提到瓷器館目前暫時關閉著，這是不是與2004年10月有兩件中國玉器被盜有關？
馬克樂：瓷器館暫時關閉是因為正在整修。當然，前些年是有一些偷盜事件發生。V&A是一個巨大的博物館，我們需要更多的資金來改善這裡的設施，使其更加現代化，在保安等方面都需要有很多的更新和改進。現在瓷器館中的陳列架都已經有百年曆史，2009年10月重新開放時，將全部煥然一新，安全措施也會更加萬無一失。對於世界上所有博物館來說，安全問題總是非常棘手。
來源:第一財經日報 選稿:方翔
維多利亞阿伯特博物館亞洲部部長馬克樂（Beth Mckillop）是位“中國通”，她烏黑的頭髮和發音聲調標準的普通話，甚至給人錯覺，她會不會有中國血統。這位曾經因熱衷於左翼政治而對中文和中國感興趣的中國藝術品專家，在康橋研學中文時期，於1971年作為交換生在北京外國語學院和北京大學進修中文和中國文化。30多年來，她和中國有著密切的聯繫，始終對中國問題有著濃厚的興趣和極大的熱情。
《第一財經日報》：在V&A，究竟有多少中國藝術品？
馬克樂：這要看如何來匡算，因為有的時候一件藝術品由很多件單品組成，這就很難算了。我們目前對外公開的數位是，來自中國的各時期藝術品共25000件。
《第一財經日報》：哪一件作品最久遠？哪一件作品最珍貴？大概價值多少？
馬克樂：最久遠的藏品是新石器時代的玉琮，就是那種長形的雕刻有花紋的很早期的玉雕作品；最珍貴的是宋代汝窯的茶盅，其有著非常特殊的色彩——米色，非常稀有和珍貴。但是我無法告知其價值究竟幾何，因為我們不會出售這些寶物，所以我們很少去進行價值判斷。
《第一財經日報》：比起大英博物館，V&A的中國藏品有沒有特別之處？
馬克樂：大英博物館更多是展示人類文化，而且更多是以考古學的角度去收取藏品，他們更注重年代的久遠程度，對古代人類文明更感興趣。而V&A是藝術博物館，我們更多是從設計的角度去選擇藏品，去探究不同國家、不同民族、不同傳統背景下，藝術設計的多元狀態。如果說，比較大英博物館我們的特殊之處在哪的話，我會說，在我們的藏品中有非常精美的傢具，包括中國古典傢具，這是大英博物館沒有的；還有紡織品和服飾，雖然他們有很小部分的藏品，但他們還是以關注古代文化為主。
《第一財經日報》：在採訪大英博物館時發現，那裏展出的藏品是博物館藏品中的很小部分，這裡的情況如何？
馬克樂：這裡的情況也是一樣，一般來說，以瓷器為例，我們大概有67000件藏品展出，也就是佔總藏品的三分之一。然而，因為目前瓷器館正在整修，不對外開放，所以總的展出量大大減少，大概只有5％。其實，每一個博物館都是一樣的，我們選擇最珍貴的藏品展示給普通觀眾，其他的則對專業研究人員、教授、學者、收藏家，甚至學生和有特殊要求的人士開放，只是需要預約參觀時間。如果我們展示所有的藏品，效果將會適得其反，一方面從陳列的角度講，會很擁擠；另一方面，從博物館來說，也不可能有如此大的空間。我們希望博物館給人們提供藝術享受，同時也寓教於樂。
《第一財經日報》：你剛才提到瓷器館目前暫時關閉著，這是不是與2004年10月有兩件中國玉器被盜有關？
馬克樂：瓷器館暫時關閉是因為正在整修。當然，前些年是有一些偷盜事件發生。V&A是一個巨大的博物館，我們需要更多的資金來改善這裡的設施，使其更加現代化，在保安等方面都需要有很多的更新和改進。現在瓷器館中的陳列架都已經有百年曆史，2009年10月重新開放時，將全部煥然一新，安全措施也會更加萬無一失。對於世界上所有博物館來說，安全問題總是非常棘手。
2008年2月22日 星期五
DCity》義大利第一座設計博物館落成；時尚名人「排排站」出書
【text／Augusto Ling；photo／Augusto Ling】
永不嫌遲，義大利第一座設計博物館落成！！
你一定會懷疑，這真的是設計王國的第一座設計博物館嗎？沒錯，強調慢工出細活的義大利設計，請來國寶級設計大師 Michele De Lucchi 操刀，從 2004 年開始規劃，甫於 2007 年底完工。坐落於米蘭三年展中心（Triennale di Milano）之內寬敞的半弧形空間。這個設計博物館由 Italo Rota、Silvana Annicchiarico、Andrea Branzi 領軍，集結了幾乎所有義大利重要的工業設計相關機構，陣容堅強像是義大利足球國家代表隊一般。
其實，米蘭三年展中心，早從五零年代開始就已經是領導工業設計潮流的機構，之後演變成為米蘭市裡最為知名的設計展覽中心。大大小小數不清的設計相關活動，延續著米蘭執著的當代設計精神。而成立這個設計博物館的任務，則是針對上個世紀著名的工業設計產品，做一個有系統的收藏與整理。畢竟工業設計在近代逐漸成為一門顯學，除了創新突破之外，需要一個往後方紀錄與收藏的專門單位。簡言之，就是讓每個參訪者能夠對近代工業設計鑑古知今。
http://www.triennaledesignmuseum.it
時尚名人「排排站」出書
時尚名人出書撰寫與記錄個人過往的輝煌繽紛經歷，儼然變成紐約時尚界最流行的「IT TREND」。時裝設計師出書可預期，大明星出書不意外，但像 TIM GUNN 與 NINA GACIA 因為主持節目成功，秉其各異的時尚專業領域(前者以其豐厚學術專業為基底，曾為PARSONS 時裝設計系所系主任；後者則專擅時尚潮流的評論、編輯，為美國 ELLE 雜誌時尚版主編)轉而彷若晉身為時尚教父與教母，令人欽羨與尊崇之。
今年秋季，在世界各地集矚目、好評於一身的設計師競賽節目，「決戰時裝伸展台」(PROJECT RUNWAY) 已堂堂邁入第四季！兩人乘勝追擊先後出版了時尚造型專書。不論是NINNA別具亮麗繽紛插圖註解的《THE BLACK BOOK of STYLE》，或者滿是 TIM 權威觀點的《A GUIDE TO QUALITY STYLE & TASTE》，都循循善誘時尚迷們正確掌握最新時尚潮流，洞悉個人身材優劣所在，專注「對的」投資，以打造獨一無二經典的時尚風采。其餘如頗富爭議性的資深明星造型師，RACHEL ZOE 出版了多年來的精彩心血造型合輯，《STYLE A to Z》；及從倫敦到好萊塢、永遠話題不斷的性感女星 VICTORIA BECKHAM，也不落人後趁著辣妹合唱團久違重聚舉行全球巡迴演唱之際，趕緊推出自己同名專書，教導迷哥迷姐打點維多利亞式的流行裝扮。
【DFUN 設計風尚誌 2008. Feb. No.17】
永不嫌遲，義大利第一座設計博物館落成！！
你一定會懷疑，這真的是設計王國的第一座設計博物館嗎？沒錯，強調慢工出細活的義大利設計，請來國寶級設計大師 Michele De Lucchi 操刀，從 2004 年開始規劃，甫於 2007 年底完工。坐落於米蘭三年展中心（Triennale di Milano）之內寬敞的半弧形空間。這個設計博物館由 Italo Rota、Silvana Annicchiarico、Andrea Branzi 領軍，集結了幾乎所有義大利重要的工業設計相關機構，陣容堅強像是義大利足球國家代表隊一般。
其實，米蘭三年展中心，早從五零年代開始就已經是領導工業設計潮流的機構，之後演變成為米蘭市裡最為知名的設計展覽中心。大大小小數不清的設計相關活動，延續著米蘭執著的當代設計精神。而成立這個設計博物館的任務，則是針對上個世紀著名的工業設計產品，做一個有系統的收藏與整理。畢竟工業設計在近代逐漸成為一門顯學，除了創新突破之外，需要一個往後方紀錄與收藏的專門單位。簡言之，就是讓每個參訪者能夠對近代工業設計鑑古知今。
http://www.triennaledesignmuseum.it
時尚名人「排排站」出書
時尚名人出書撰寫與記錄個人過往的輝煌繽紛經歷，儼然變成紐約時尚界最流行的「IT TREND」。時裝設計師出書可預期，大明星出書不意外，但像 TIM GUNN 與 NINA GACIA 因為主持節目成功，秉其各異的時尚專業領域(前者以其豐厚學術專業為基底，曾為PARSONS 時裝設計系所系主任；後者則專擅時尚潮流的評論、編輯，為美國 ELLE 雜誌時尚版主編)轉而彷若晉身為時尚教父與教母，令人欽羨與尊崇之。
今年秋季，在世界各地集矚目、好評於一身的設計師競賽節目，「決戰時裝伸展台」(PROJECT RUNWAY) 已堂堂邁入第四季！兩人乘勝追擊先後出版了時尚造型專書。不論是NINNA別具亮麗繽紛插圖註解的《THE BLACK BOOK of STYLE》，或者滿是 TIM 權威觀點的《A GUIDE TO QUALITY STYLE & TASTE》，都循循善誘時尚迷們正確掌握最新時尚潮流，洞悉個人身材優劣所在，專注「對的」投資，以打造獨一無二經典的時尚風采。其餘如頗富爭議性的資深明星造型師，RACHEL ZOE 出版了多年來的精彩心血造型合輯，《STYLE A to Z》；及從倫敦到好萊塢、永遠話題不斷的性感女星 VICTORIA BECKHAM，也不落人後趁著辣妹合唱團久違重聚舉行全球巡迴演唱之際，趕緊推出自己同名專書，教導迷哥迷姐打點維多利亞式的流行裝扮。
【DFUN 設計風尚誌 2008. Feb. No.17】
美國爆破藝術家蔡國強 古根漢首辦個展
公視 (2008-02-22 22:03)
以爆破藝術聞名全球的華人藝術家蔡國強，21號起在美國紐約古根漢美術館舉辦個人回顧展，共有80多件作品參與展出。不過這一次沒有爆破的場面，卻多了一份對人類社會各種矛盾現象的省思和關懷；而且這也是紐約古根漢首次舉辦華人藝術家的展出。
九部橫七八豎從六樓高的天花板倒吊而下的汽車，不時冒出火花般的霓虹光束，在美感中透露出不安的訊息，這是華人爆破藝術家蔡國強在紐約古根漢美術館回顧展的代表作；另一項作品，九隻老虎被萬箭穿心，同樣叫人怵目驚心。蔡國強透過這項作品，對人類殘害動物發出深沉的怒吼。上海戲劇學院舞台美術系畢業的蔡國強，每一件創作都充滿戲劇張力。他也從火焰裝置和火藥繪畫中，找到了藝術表達的泉源。蔡國強曾數度來台，跟台中美術館炸出921地震的震撼，一手策劃了金門碉堡藝術的爆破演出，後來也與林懷民的舞蹈,擦出火花，在他眼中，火藥是一個自發的，不可預測和無法控制的媒介。
他可以將劇烈的爆炸，轉換成充滿詩意的創作。對他而言，火藥蘊含著宇宙未知的能量，就是這種充滿哲學意味和跨越東西藩籬的思考，讓他的創作震撼全球藝壇，成為第一位受邀到古根漢舉辦個展的華人藝術家。他也應邀在北京奧運開閉幕時，進行爆破藝術的演出。
以爆破藝術聞名全球的華人藝術家蔡國強，21號起在美國紐約古根漢美術館舉辦個人回顧展，共有80多件作品參與展出。不過這一次沒有爆破的場面，卻多了一份對人類社會各種矛盾現象的省思和關懷；而且這也是紐約古根漢首次舉辦華人藝術家的展出。
九部橫七八豎從六樓高的天花板倒吊而下的汽車，不時冒出火花般的霓虹光束，在美感中透露出不安的訊息，這是華人爆破藝術家蔡國強在紐約古根漢美術館回顧展的代表作；另一項作品，九隻老虎被萬箭穿心，同樣叫人怵目驚心。蔡國強透過這項作品，對人類殘害動物發出深沉的怒吼。上海戲劇學院舞台美術系畢業的蔡國強，每一件創作都充滿戲劇張力。他也從火焰裝置和火藥繪畫中，找到了藝術表達的泉源。蔡國強曾數度來台，跟台中美術館炸出921地震的震撼，一手策劃了金門碉堡藝術的爆破演出，後來也與林懷民的舞蹈,擦出火花，在他眼中，火藥是一個自發的，不可預測和無法控制的媒介。
他可以將劇烈的爆炸，轉換成充滿詩意的創作。對他而言，火藥蘊含著宇宙未知的能量，就是這種充滿哲學意味和跨越東西藩籬的思考，讓他的創作震撼全球藝壇，成為第一位受邀到古根漢舉辦個展的華人藝術家。他也應邀在北京奧運開閉幕時，進行爆破藝術的演出。
當代藝術館特展「果凍世代」不想長大
當代藝術館特展「果凍世代」不想長大
【聯合報╱記者周美惠／台北報導】
2008.02.22 03:29 am
台灣有草莓族，大陸有果凍族。台灣人說起草莓族多少帶點貶抑；自創「果凍世代」一詞的大陸上海美術館副館長張晴則說，他正面看待大陸新世代，他們就像果凍看來柔軟，實則帶有硬度及韌性，自有其責任心及思考。
什麼是果凍世代？從台北當代藝術館明天起揭幕、由張晴策展的「果凍時代」特展可見一斑。
這些在八○年代前後出生的果凍族，最大特徵是不想長大、迷戀嬰兒化的青春，對虛擬與夢幻的世界比現實人生更感興趣。雷本本的「懸舞」將芭比娃娃置於懸崖跳舞；虞華的「城市」系列假想從昆蟲的視角仰望藍天、將城市化為遊樂園，自己則成了穿著兔寶寶服的嬰孩在城市冒險遊戲。趙華森的「告別青春期」索性以奶油蛋糕為床，進入甜蜜無比的夢境。
大陸八○年代新藝術家杜恂孜在台北當代藝術館《果凍時代》特展，以密密麻麻大頭貼組成的大型裝置作品展示未來肖像學。
可別小看果凍世代，他們自有對現實的批判。已在中央美院任教的李洋以細膩的筆觸創作的「人魚生死圖」，從電子雞獲靈感，虛構販售人魚的產品，以長達廿公尺的連環圖畫，模擬產品使用說明書的形式，批判消費主義、瘦身產業及情色文化。
果凍族也像草莓族一般迷戀網路及動漫。
張晴說，他在大陸各地遊歷一年半，發現果凍族驚人的創作動能，從四、五百位藝術家中選出四十一人來台參展，將在當代館展至四月十三日。
中國時報 2008.02.22
果凍時代QQ創作抗拒被塑型
吳垠慧／台北報導
一九八五年，第一條果凍生產線正式引入中國，伴隨著一九八○年代後出生的年輕世代一起成長。如今，他們已是廿來歲的成人階段，並且形成了與上個世代截然不同的思考邏輯與文化態度。中國策展人張晴稱呼他們是透明、輕盈的「果凍一代」！
張晴所策展的「果凍時代」，呈現的就是四十一位生於一九七○年代末至一九八五年之間，中國大陸年輕藝術家的六十件作品。這也是台灣首次有如此大規模的中國年輕世代的藝術展出。而四十四歲的張晴，是現任上海美術館副館長，更是是兩屆上海雙年展的總策展人，是深具分量的一位藝評與策展人。
透明輕盈 光鮮亮麗 關注自己
說到果凍，最大的特色便是那ＱＱ、滑溜的質感與光鮮亮麗的色彩。張晴表示，大陸一九七○年代之前的藝術家，喜歡討論國家、政治、民族與文化的課題，「果凍一代」的年輕藝術家擁有豐富的想像力，不過他們多半關注的是自己切身的世界、喜歡抒發內心的感受。像是電玩、動漫、幻想、日常瑣事、城市生活或童年記憶等，都是他們喜歡的題材。
一九八三年，中國開始實施一胎化，「果凍一代」多數是一胎化下誕生的孩子。張晴表示他們有「不想長大」的普遍心理。「家裡只一個孩子，父母呵護無微不至，不像我們那時候只要能吃飽就好。」
一九六○年世代的張晴說，中國幾個大城市，在近廿年轉型成消費型社會，人們生存的環境較過去昌明、富裕又複雜。「這一代年輕人擁有完整的學校經驗，在學校封閉性的空間中，造成與社會接觸的延遲，青春期相對延長。」
不願長大 卻不像豆腐易碎
因此，張晴觀察到，「果凍一代」的年輕人即便已成年，也不願面對成年的壓力，「仍然延續獨生子女童年階段的心理狀態。」「像是果凍的外表鮮麗，但卻沒有固定的形態。果凍的輪廓取決於容器，就像是這一代人抗拒被塑型，反抗成為前人定義的形象，又不可避免受到時代和文化環境的塑造。」不過張晴也說：「果凍的外在雖然很脆弱，但其實還是有軟結構支撐，不像豆腐易破。」
在策畫「果凍時代」之前，曾有朋友警告張晴，現在年輕人很難相處，「沒有倫理觀念、自我的不得了」。也有人嘲諷年輕人和果凍一樣「好看卻沒營養」。不過，張晴的感受是：「表面化的創作成了另一種深刻。」
【聯合報╱記者周美惠／台北報導】
2008.02.22 03:29 am
台灣有草莓族，大陸有果凍族。台灣人說起草莓族多少帶點貶抑；自創「果凍世代」一詞的大陸上海美術館副館長張晴則說，他正面看待大陸新世代，他們就像果凍看來柔軟，實則帶有硬度及韌性，自有其責任心及思考。
什麼是果凍世代？從台北當代藝術館明天起揭幕、由張晴策展的「果凍時代」特展可見一斑。
這些在八○年代前後出生的果凍族，最大特徵是不想長大、迷戀嬰兒化的青春，對虛擬與夢幻的世界比現實人生更感興趣。雷本本的「懸舞」將芭比娃娃置於懸崖跳舞；虞華的「城市」系列假想從昆蟲的視角仰望藍天、將城市化為遊樂園，自己則成了穿著兔寶寶服的嬰孩在城市冒險遊戲。趙華森的「告別青春期」索性以奶油蛋糕為床，進入甜蜜無比的夢境。
大陸八○年代新藝術家杜恂孜在台北當代藝術館《果凍時代》特展，以密密麻麻大頭貼組成的大型裝置作品展示未來肖像學。
可別小看果凍世代，他們自有對現實的批判。已在中央美院任教的李洋以細膩的筆觸創作的「人魚生死圖」，從電子雞獲靈感，虛構販售人魚的產品，以長達廿公尺的連環圖畫，模擬產品使用說明書的形式，批判消費主義、瘦身產業及情色文化。
果凍族也像草莓族一般迷戀網路及動漫。
張晴說，他在大陸各地遊歷一年半，發現果凍族驚人的創作動能，從四、五百位藝術家中選出四十一人來台參展，將在當代館展至四月十三日。
中國時報 2008.02.22
果凍時代QQ創作抗拒被塑型
吳垠慧／台北報導
一九八五年，第一條果凍生產線正式引入中國，伴隨著一九八○年代後出生的年輕世代一起成長。如今，他們已是廿來歲的成人階段，並且形成了與上個世代截然不同的思考邏輯與文化態度。中國策展人張晴稱呼他們是透明、輕盈的「果凍一代」！
張晴所策展的「果凍時代」，呈現的就是四十一位生於一九七○年代末至一九八五年之間，中國大陸年輕藝術家的六十件作品。這也是台灣首次有如此大規模的中國年輕世代的藝術展出。而四十四歲的張晴，是現任上海美術館副館長，更是是兩屆上海雙年展的總策展人，是深具分量的一位藝評與策展人。
透明輕盈 光鮮亮麗 關注自己
說到果凍，最大的特色便是那ＱＱ、滑溜的質感與光鮮亮麗的色彩。張晴表示，大陸一九七○年代之前的藝術家，喜歡討論國家、政治、民族與文化的課題，「果凍一代」的年輕藝術家擁有豐富的想像力，不過他們多半關注的是自己切身的世界、喜歡抒發內心的感受。像是電玩、動漫、幻想、日常瑣事、城市生活或童年記憶等，都是他們喜歡的題材。
一九八三年，中國開始實施一胎化，「果凍一代」多數是一胎化下誕生的孩子。張晴表示他們有「不想長大」的普遍心理。「家裡只一個孩子，父母呵護無微不至，不像我們那時候只要能吃飽就好。」
一九六○年世代的張晴說，中國幾個大城市，在近廿年轉型成消費型社會，人們生存的環境較過去昌明、富裕又複雜。「這一代年輕人擁有完整的學校經驗，在學校封閉性的空間中，造成與社會接觸的延遲，青春期相對延長。」
不願長大 卻不像豆腐易碎
因此，張晴觀察到，「果凍一代」的年輕人即便已成年，也不願面對成年的壓力，「仍然延續獨生子女童年階段的心理狀態。」「像是果凍的外表鮮麗，但卻沒有固定的形態。果凍的輪廓取決於容器，就像是這一代人抗拒被塑型，反抗成為前人定義的形象，又不可避免受到時代和文化環境的塑造。」不過張晴也說：「果凍的外在雖然很脆弱，但其實還是有軟結構支撐，不像豆腐易破。」
在策畫「果凍時代」之前，曾有朋友警告張晴，現在年輕人很難相處，「沒有倫理觀念、自我的不得了」。也有人嘲諷年輕人和果凍一樣「好看卻沒營養」。不過，張晴的感受是：「表面化的創作成了另一種深刻。」
2008年2月19日 星期二
我們需要一個整合性的博物館
http://www.kmdn.gov.tw/show_edit.asp?edit_id=2008_2_19_23_6_25
金門日報社
我們需要一個整合性的博物館
過年期間，發現國內許多春節活動都會在各地所屬的社教機構辦理，其中最多的還是博物館，如台中的自然科學博物館、高雄之科學工藝博物館、台北的故宮博物院歷史博物館、屏東及澎湖的海洋生物博物館、台東的史前文物博物館…等，若沒有博物館的地方，也以社教機構所屬之文化中心、社教館、科學教育館、天文館、文物館為主。而金門地區則以幾個試驗所及文化中心辦理之活動為主，內容非常豐富，也給返鄉鄉親有一好去處，以及很好的知性之旅，然而我們還是希望有一個整合性的生態博物館，除了提供鄉親參訪學習外，還能成為全國或世界各地來金旅遊之好去處，並吸引更多的觀光客。
其實國內的博物館也不勝枚舉，除前所述之外，尚有奇美博物館、海洋博物館、鐵路博物館、木雕博物館、茶葉博物館、九族文化博物館、軍艦博物館、國父紀念館、自由民主紀念館(前中正紀念館)…等，這些都是休閒旅遊之好去處。過年期間，本報新聞也報導鄉親洪天回│美麗人生釉塊展，驚豔鶯歌陶博館，也是金門第一位進入鶯歌陶博館之藝術家，這也勾勒出我們金門陶瓷博物館之雛形。我們有許多鄉親具有很好的藝術天份，為金門陶瓷奉獻心力，更有全國各書畫家的各項陶瓷作品，也結合中國德化陶瓷展售，且陶瓷廠也用心整理設立展示館，如果我們能再加強規劃與整理，收集各方陶瓷文化與金門居民生活演進之歷史代表作品，進而結合整個中華陶瓷文化之歷史藝術，設立一個整合性的博物館，也是深具意義的事。或是將我們現有的林務所、畜試所、農試所、水試所、防疫所，結合金門國家公園設立一個金門生態博物館，讓來金門觀光的旅客，能短時間內了解金門整個生態概況，也成為吸引觀光客來金的動機。甚至在金門戰爭色彩逐漸淡化的情況下，由金門縣政府、金門國家公園、金防部規劃戰爭史蹟博物館，追溯收集金門各大戰役史蹟及現場設施在適當地點規劃設置戰爭史蹟博物館，更能吸引國內外訪客來金參觀。
其實以上所述，所有之資料都已俱全，但若能再予整合，讓訪客有一個整體的概念及向心力，尤其處此資訊化之知識爆發時代的人們，整合性的知識是非常迫切需要的。雖然有些人認為博物館是虧本的設施，但畢竟是人類生活文化資產之保留，它本身是一種無形巨大的影響力，也是一種千百年人類生活精神寄託之所在。
綜觀世界各國有名之旅遊景點，大部分都有博物館的設置，襯托出其特色及吸引力，例如法國巴黎的羅浮宮博物館，是顯現世界規模最大皇宮建築之國家博物館，自18世紀成立以來吸引無數的民眾參觀。義大利烏菲茲美術館，典藏文藝復興時期之珍貴藝術品。其他諸如荷蘭阿姆斯特丹國家博物館、維也納藝術史美術館、梵諦岡博物館、大英博物館、美國自然史博物館…等，都是世界聞名的大型博物館，也都是民眾嚮往學習的地方。
日昨，呂副總統帶領多位台灣建築業的龍頭，參觀地區閩南建築和BOT投資案的構思，如果能利用這個機會配合各方資源與經費，規劃一個整合性的閩南文化博物館，結合世界各地僑鄉，整合閩南各地之文化精華，及人力資源，不但可以完整保留閩南文化的精髓，而且成為世界各地研究或欣賞閩南文化的根據地。
總之，以上所述實無法明確地讓人了解博物館的存在意義，僅拋磚引玉的讓大家思索參考。雖然我們金門目前是往生態旅遊及觀光的方向發展，但如能像廈門鼓浪嶼設置一些吸引訪客的博物館，我們的旅遊事業將會更好。也有人認為建設是會破壞生態的，但如果有一完整的規劃與設計，在建設之餘，均能考量到生態的保育機制，那將是地區發展進步之展現，我們期望金門未來能更好，一切建設構思都能為金門將來成為國際矚目的觀光島嶼而努力。
金門日報社
我們需要一個整合性的博物館
過年期間，發現國內許多春節活動都會在各地所屬的社教機構辦理，其中最多的還是博物館，如台中的自然科學博物館、高雄之科學工藝博物館、台北的故宮博物院歷史博物館、屏東及澎湖的海洋生物博物館、台東的史前文物博物館…等，若沒有博物館的地方，也以社教機構所屬之文化中心、社教館、科學教育館、天文館、文物館為主。而金門地區則以幾個試驗所及文化中心辦理之活動為主，內容非常豐富，也給返鄉鄉親有一好去處，以及很好的知性之旅，然而我們還是希望有一個整合性的生態博物館，除了提供鄉親參訪學習外，還能成為全國或世界各地來金旅遊之好去處，並吸引更多的觀光客。
其實國內的博物館也不勝枚舉，除前所述之外，尚有奇美博物館、海洋博物館、鐵路博物館、木雕博物館、茶葉博物館、九族文化博物館、軍艦博物館、國父紀念館、自由民主紀念館(前中正紀念館)…等，這些都是休閒旅遊之好去處。過年期間，本報新聞也報導鄉親洪天回│美麗人生釉塊展，驚豔鶯歌陶博館，也是金門第一位進入鶯歌陶博館之藝術家，這也勾勒出我們金門陶瓷博物館之雛形。我們有許多鄉親具有很好的藝術天份，為金門陶瓷奉獻心力，更有全國各書畫家的各項陶瓷作品，也結合中國德化陶瓷展售，且陶瓷廠也用心整理設立展示館，如果我們能再加強規劃與整理，收集各方陶瓷文化與金門居民生活演進之歷史代表作品，進而結合整個中華陶瓷文化之歷史藝術，設立一個整合性的博物館，也是深具意義的事。或是將我們現有的林務所、畜試所、農試所、水試所、防疫所，結合金門國家公園設立一個金門生態博物館，讓來金門觀光的旅客，能短時間內了解金門整個生態概況，也成為吸引觀光客來金的動機。甚至在金門戰爭色彩逐漸淡化的情況下，由金門縣政府、金門國家公園、金防部規劃戰爭史蹟博物館，追溯收集金門各大戰役史蹟及現場設施在適當地點規劃設置戰爭史蹟博物館，更能吸引國內外訪客來金參觀。
其實以上所述，所有之資料都已俱全，但若能再予整合，讓訪客有一個整體的概念及向心力，尤其處此資訊化之知識爆發時代的人們，整合性的知識是非常迫切需要的。雖然有些人認為博物館是虧本的設施，但畢竟是人類生活文化資產之保留，它本身是一種無形巨大的影響力，也是一種千百年人類生活精神寄託之所在。
綜觀世界各國有名之旅遊景點，大部分都有博物館的設置，襯托出其特色及吸引力，例如法國巴黎的羅浮宮博物館，是顯現世界規模最大皇宮建築之國家博物館，自18世紀成立以來吸引無數的民眾參觀。義大利烏菲茲美術館，典藏文藝復興時期之珍貴藝術品。其他諸如荷蘭阿姆斯特丹國家博物館、維也納藝術史美術館、梵諦岡博物館、大英博物館、美國自然史博物館…等，都是世界聞名的大型博物館，也都是民眾嚮往學習的地方。
日昨，呂副總統帶領多位台灣建築業的龍頭，參觀地區閩南建築和BOT投資案的構思，如果能利用這個機會配合各方資源與經費，規劃一個整合性的閩南文化博物館，結合世界各地僑鄉，整合閩南各地之文化精華，及人力資源，不但可以完整保留閩南文化的精髓，而且成為世界各地研究或欣賞閩南文化的根據地。
總之，以上所述實無法明確地讓人了解博物館的存在意義，僅拋磚引玉的讓大家思索參考。雖然我們金門目前是往生態旅遊及觀光的方向發展，但如能像廈門鼓浪嶼設置一些吸引訪客的博物館，我們的旅遊事業將會更好。也有人認為建設是會破壞生態的，但如果有一完整的規劃與設計，在建設之餘，均能考量到生態的保育機制，那將是地區發展進步之展現，我們期望金門未來能更好，一切建設構思都能為金門將來成為國際矚目的觀光島嶼而努力。
奇美博物館展品更新 畢卡索創作受矚目
記者吳俊鋒／仁德報導
為迎接新春，位於台南縣的奇美博物館首度展出許多珍貴藝術品，包含彩繪、雕塑等，奇美表示，這次更換展品的規格不小，有六十餘件新的藝術品首度亮相，其中又以畢卡索的盤畫、陶板等創作最受矚目，不少民眾指名參觀，展品中亦包含國際知名的法國畫家卡米爾．喬瑟夫的創作〈秋天的海潮〉。
奇美新展出的畢卡索盤畫，一組四件，圖案有鳥、小馬、山羊與鬥牛等。館方指出，此系列的線條曼妙，看似簡單，卻能呈現豐富的藝術內涵，接近表現和原始主義的形式，不禁令人聯想到農夫或兒童的素人作風，也反映西班牙的故國傳統，趣味之中，還看得見綿延的鄉愁，寓意深遠。另一件畢卡索的展品則是陶板藝術，名為〈戴花圈的女子頭像〉，也是現場焦點之一。
畢卡索出生於西班牙，是20世紀前半最具影響力的藝術家，在創作的歷程中，經常運用不同的媒材，尋找各種形式的可能性，藉此塑造意象，也反映當代社會。奇美博物館表示，所展出的盤畫、板刻等，屬於畢卡索晚年的「陶瓷器時期」創作，一般較為少見。
為迎接新春，位於台南縣的奇美博物館首度展出許多珍貴藝術品，包含彩繪、雕塑等，奇美表示，這次更換展品的規格不小，有六十餘件新的藝術品首度亮相，其中又以畢卡索的盤畫、陶板等創作最受矚目，不少民眾指名參觀，展品中亦包含國際知名的法國畫家卡米爾．喬瑟夫的創作〈秋天的海潮〉。
奇美新展出的畢卡索盤畫，一組四件，圖案有鳥、小馬、山羊與鬥牛等。館方指出，此系列的線條曼妙，看似簡單，卻能呈現豐富的藝術內涵，接近表現和原始主義的形式，不禁令人聯想到農夫或兒童的素人作風，也反映西班牙的故國傳統，趣味之中，還看得見綿延的鄉愁，寓意深遠。另一件畢卡索的展品則是陶板藝術，名為〈戴花圈的女子頭像〉，也是現場焦點之一。
畢卡索出生於西班牙，是20世紀前半最具影響力的藝術家，在創作的歷程中，經常運用不同的媒材，尋找各種形式的可能性，藉此塑造意象，也反映當代社會。奇美博物館表示，所展出的盤畫、板刻等，屬於畢卡索晚年的「陶瓷器時期」創作，一般較為少見。
2008年2月14日 星期四
Taiwan's National Palace Museum - Treasure island
Feb 14th 2008 | TAIPEI
From The Economist print edition
Beauty is truth, truth beauty. But make sure the law is watertight
IT IS the finest collection of imperial Chinese art anywhere. But Taipei's National Palace Museum rarely sends its treasures overseas. Indeed the exhibition that opens in Vienna's Kunsthistorisches Museum on February 26th will be only the fourth big foreign loan it has made since it opened in 1965. Like everything else in Taiwan, the art collection is coloured by the tense relationship with China. The exhibition is possible only because Austria, like America, France and Germany, the three earlier destinations, passed legislation granting exhibits immunity from judicial seizure, to stop China staking a legal claim to them.
Of the Palace Museum's 650,000 items, 230,000 come from China's imperial collection, started in the Song dynasty in the 10th century. Partly as a badge of political legitimacy, and partly to protect the artworks from the advancing Communists, Chiang Kai-shek's Kuomintang shifted them from China to Taiwan in 1948 and 1949 before retreating there after losing the civil war.
For nearly 30 years the museum served as a fortress guarding these political symbols from Beijing's Forbidden City. As democracy took root in Taiwan, however, the museum became a diplomatic tool to help counter Taiwan's acute isolation. The president's wife, Wu Shu-chen, made an unusual trip to accompany exhibits to Germany in 2003.
According to Lin Mun-lee, the museum's director, Japan has lobbied for some 20 years to have a collection appear there, but its parliament has not passed the regulations needed. A loan to Taiwan's only diplomatic partner in Europe, the Vatican, has likewise not been possible because Italy would not offer artworks immunity from seizure.
An official from China's State Administration of Cultural Heritage suggests that Beijing has never considered reclaiming the objects from Taiwan because “Taiwan is part of China.” The island's independence-minded Democratic Progressive Party administration has realised that returning the treasures to China is not on, and has tried to use them to its own advantage. But Ms Lin says that, should Taiwan one day be forced to make a choice between its destiny and the treasures, it should be a democratic decision by Taiwan's people. China, of course, will do all it can to deny them the choice.
From The Economist print edition
Beauty is truth, truth beauty. But make sure the law is watertight
IT IS the finest collection of imperial Chinese art anywhere. But Taipei's National Palace Museum rarely sends its treasures overseas. Indeed the exhibition that opens in Vienna's Kunsthistorisches Museum on February 26th will be only the fourth big foreign loan it has made since it opened in 1965. Like everything else in Taiwan, the art collection is coloured by the tense relationship with China. The exhibition is possible only because Austria, like America, France and Germany, the three earlier destinations, passed legislation granting exhibits immunity from judicial seizure, to stop China staking a legal claim to them.
Of the Palace Museum's 650,000 items, 230,000 come from China's imperial collection, started in the Song dynasty in the 10th century. Partly as a badge of political legitimacy, and partly to protect the artworks from the advancing Communists, Chiang Kai-shek's Kuomintang shifted them from China to Taiwan in 1948 and 1949 before retreating there after losing the civil war.
For nearly 30 years the museum served as a fortress guarding these political symbols from Beijing's Forbidden City. As democracy took root in Taiwan, however, the museum became a diplomatic tool to help counter Taiwan's acute isolation. The president's wife, Wu Shu-chen, made an unusual trip to accompany exhibits to Germany in 2003.
According to Lin Mun-lee, the museum's director, Japan has lobbied for some 20 years to have a collection appear there, but its parliament has not passed the regulations needed. A loan to Taiwan's only diplomatic partner in Europe, the Vatican, has likewise not been possible because Italy would not offer artworks immunity from seizure.
An official from China's State Administration of Cultural Heritage suggests that Beijing has never considered reclaiming the objects from Taiwan because “Taiwan is part of China.” The island's independence-minded Democratic Progressive Party administration has realised that returning the treasures to China is not on, and has tried to use them to its own advantage. But Ms Lin says that, should Taiwan one day be forced to make a choice between its destiny and the treasures, it should be a democratic decision by Taiwan's people. China, of course, will do all it can to deny them the choice.
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