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2008年4月10日 星期四

印度、中東當代藝術熱延燒杜拜

【文.攝影/陳沛岑】

這個月全球藝術新聞媒體關注的焦點是什麼?答案不外乎是現正舉辦的杜拜藝術博覽會(Art Dubai)。博覽會VIP之夜現場,大批的人潮湧入,來自世界各地收藏家、投資客、策展人、記者、特地前來觀望市場熱度與藝博會品質的畫廊業者塞滿博覽 會的舉辦地——一座看似阿拉伯古城、實為七星級豪華度假村的朱美拉(Madinate Jumeirah)運河酒店內外,親臨到場的阿拉伯聯合大公國皇室家族更是引爆現場的熱度,整個會場燃起莫名的興奮感,現場媒體也瘋狂陷入跟拍皇室參觀的 過程。

而今年的參展畫廊推出的是什麼作品?賣的最好的又是什麼?據本刊實際走訪策展人、現場畫廊業後得知英國收藏家沙奇(Charles Saatchi)雖然未到場,卻在開幕前就已買下「巴基斯坦國家館」(Pakistan Pavilion)中的巨大的箱裝駱駝裝置作品《阿拉伯之樂》(Arabian Delight),而至截稿日前整個國家館中的作品已賣掉60%;展覽會場中最受人關注的還是要屬印度與中東的當代藝術作品,如代理中東當代的The Third Line、展出印度當代的Walsh Gallery現場總是人潮滿滿,兩者均表示售出80%以上的作品,後者甚聲稱當中幾件作品要買的人太多,他們還在考慮到底要賣給誰!此外,許多畫廊業者 表示:從國際拍賣行開始開闢專拍後,大家對印度與中東當代藝術瞬間產生極大的興趣,而雖有為數趨增的海外藏家入場,但中東的金融業者、藏家、印度人、印裔 的海外工作者仍是展場中最大的買家;就連展場中唯一一件台灣藝術家陳奕竹的作品,買下它的也是在杜拜工作的印度新貴!



2008年3月19日 星期三

「藝」股熱談 (上) 

【文/喬.希爾(Joe Martin Hill);翻譯/宋偉航;圖/本刊資料室】

中國藝術市場於近年之發展,一如蔡國強完美的爆破藝術,轟動演出──完全無視於天候之惡劣、技術的難題,連小鼻子、小眼睛的藝評對著看得眼花瞭亂的觀眾苦口婆心、諄諄告誡,也動搖不了半分。岳敏君的無數分身,也隨中國當代藝術逐月屢創新高,笑得嘴愈咧愈寬。幾十名張曉剛大家族裡盤桓不去的無名氏,像花蝴蝶般到處飛,以特別來賓的身份逐宴而居。

中國當代:從香港走入紐約

這一塊市場擴張之快,以蘇富比在香港的中國當代藝術拍賣,和紐約的亞太(且也以中國為主)當代藝術品拍賣,表現得最為昭著。蘇富比2004年10月在香港首度舉行中國當代藝術拍賣,此後至一年後的第三度拍賣,成交總額躍增三倍,從295.0712萬美元上揚到901.9398萬美元,比前一年秋拍上漲了88%。蘇富比於香港的成交總額持續大幅上揚,2007年10月7日的最近一次秋拍,總額高達巨量之3,424.0517萬美元,為2005年同期的三倍。繼2006年4月的香港春拍之後,一年兩次的盛會再細分成兩場,一場以高價但跟風較小的現代藝術為主,另一場以當代藝術為主。為了和2005年作持平比較,當年現代藝術拍賣放在現在不覺得有多高的金額:831.4034萬美元,在這裡就要加進去才對。這時,中國當代藝術就從2004年10月尚處未開發時期的295萬美元,大幅成長,締造出迄今數十年藝術市場前所未見的蓬勃躍進,三年後,同類成交的總額,還成長為4,255.4551萬美元──增加了 14倍。

然而,香港的現況若證明這一塊公開市場已從嬰兒長成為大人,那麼,紐約的成交狀況,代表的就是新人的亮相派對。蘇富比先於2005年在紐約新設中國當代藝術部門,後於2006年3月31日舉行首度亞太當代藝術拍賣──等於是在西方藝術市場的重要據點,為引進亞洲藝術立下了里程碑。成交總額達1,322.8960萬美元,比香港前一年的秋拍要多,對於緊接著一禮拜後要在東方大港舉行的春拍,無疑是一大激勵。紐約拍賣的245件作品,賣出了89.1%,作品的平均成交價是6.0132萬美元。紐約的這一次首拍雖然耗了十年來推動,但遲至2006年才剛舉行;紐約這一次的拍賣,和香港一樣,都是未來發展的重要基準點。2007年9月30日,紐約的成交總額達3,844.6975萬美元,275件作品裡賣出 81.8%,平均成交價攀升到17.0875萬美元,較諸2006年3月,上升了184%。此次9月秋拍的成交總額,較諸2006年3月紐約的春拍,上漲了百分之191%。

由市場決定受矚目的作品

「充份揭露」在藝術市場,跟米開朗基羅的素描一樣,都是珍品,有其優點,只要不變成狗咬呂洞賓就好。或許就是這緣故,藝界身負多重角色的人一講起藝術市場,無不套用他們講起「全球化」或是「後現代」這一類概念的那同一套含糊、油滑的招數──現下的歷史變化無人不受影響,只是其間的動勢太複雜,沒辦法作簡單明瞭、定於一尊的說明。連瞧不起市場的藝術史教授,只偶爾為展覽目錄提筆撰文,也避不開市場動勢的影響,免不了要在這市場的動勢裡面扮演小之又小的角色。這絕對是想避也避不了的,尤其是在現在這樣的年頭,決定當代藝術何者值得矚目,是由市場本身在領軍的。人人都想在市場的蘋果派裡分到一塊,但又不想打翻往餅舖裡送的蘋果推車。只是,在討論到「市場」時,我老覺得這「市場」像是房間裡的寵物象,參與討論的每一個人和這一頭大象,都有見不得人的關係,最好藏著別讓人知道──除非講話的人的職業,明白就寫著是藝廊業者、拍賣業者,或是收藏家的代表。至於我自己跑的是什麼龍套呢?我的公司2005年開始,就為蘇富比的中國當代藝術部門做過一些顧問諮詢的案子。而眼見亞洲當代藝術在全球當代藝術市場裡面打下了更穩固的據點,對此自然是既快慰、又讚歎。

亞洲當代藝術市場的四大特性

我在2006年春天的蘇富比《Preview》雜誌上面,曾經撰文指出,亞洲當代藝術市場因有四大特性,以致有別於歐美的當代藝術市場;當時我寫道,「由此四者,可見此一市場的前景樂觀可期。」這四大特性,在我看來簡單明瞭,一如蘇富比於紐約舉行的首場亞太當代藝術拍賣,一定會衝破原先審慎、矜持的預估一般。這四大特性及其含意,略述如後:

(1)「少數幾位名人攘奪了絕大部分的鋒頭,尤以中國當代藝術為然……其他諸多重要藝術家……尚待藝術史或市場給予他們應得的表彰和垂青。……目前之功成名就,尚屬寥寥數人專屬,但於未來,可見將會由愈來愈多的藝術家分享。」

(2)「現今藝術史雖然已經開始糾正過往的偏見,比較能夠確實反映現代和當代藝術實作有其地域多樣性,唯拍賣市場還須努力,才能趕上腳步。」我還舉了幾名藝術家,指他們「有卓越的貢獻,不只在地區的藝術實作,也在更廣的藝術史面,」也說「這些藝術家的創作價值,理當獲得表彰,重作評價,但卻遲遲未見。」

(3)一放進更大的當代市場裡面檢視,「明確展現當代形式的藝術家,其風格與尚於傳統血脈之中挖寶但當代特性未減的藝術家,有所分歧」,就看得出來是導致其定值過低的一大盲點。我這說的便是當代的水墨畫,「對水墨畫有興趣的策展人和收藏家,迄至目前為止,都還集中在亞洲地區;不過,這樣的情況勢必即將有變。」

(4)「最後,」我寫道,「日、韓大師未獲持平鑑賞,當代水墨畫在這一區也未獲持平鑑賞,這樣的情況,就算套在那些在拍賣會上大放異彩的中國藝術家身上,一樣成立:這些中國藝術家以同一比較基準來看,比起歐美同儕,依然算是定值過低。這可能是新興的亞洲市場最重要的一大特點。」

不過,區區18個月後,修正顯然已經應運而生。我寫的第一點,已經證明為真;除了那幾位品牌已經很響的名家之外,另有許多藝術家在公開市場也已經打下了扎實的價格基礎。不過,這情況和承認二者等價的關係比較小,而和整體市場行情上漲的關係比較大。售價(這是公開的紀錄,因此是相當客觀的數據)和價值(這依我的理解,在有些人的看法是純屬主觀)的差距依然很大。北京的大收藏家管藝在最近一次的蘇富比拍賣前,在香港接受訪問時曾說,「不是好的藝術品就一定貴,也不是貴的藝術品就一定好。」我自己現在則對未來是否真有「愈來愈多的藝術家」可以分享「目前尚屬寥寥數人專屬的功成名就」,不敢盡信──因為,換算成金額來看,「成功」的基準點在過去18個月裡,已經往上翻了多達十倍。

至於我先前寫的第二點,我現在的感覺就比較複雜了。去年嶄露頭角的藝術家,如今「地位」和「價值」真的已經水漲船高,而且,現今還輕易就看得到許多藝術家紛紛冒出頭來──但這也要市場的增值和藝術史的認可真的有必然的關連。雖然我還是相信歷史評價的恆久價值,在於禁得起歷史記載長久的淬煉,但是,目前大面市場歡欣鼓舞的氣氛是要看作過眼雲煙,抑或是一場典範轉移──贏家市場正在寫它自己的藝術史,而且寫得愈來愈有說服力──則尚未完全明朗。這問題不在泡沫或崩盤,市場到後來一定會作修正。這問題,毋寧應該說是那些不算貴、但也因此算是「價值低估」的作品,一旦號令衝刺會發揮何等排山倒海的威力的問題。傳統類型的收藏家買得或許是「歷史」吧;但今天有眼光的市場投資客,抱著大筆流動現金買的則是品牌,還有品牌的形象──同時心中暗忖要以這品牌為商品,轉換獲利。這狀況在以前一直就是如此,而我看呢,目前尤甚。

至於第三點,我就覺得沒有必要作修訂了:我還是覺得水墨畫不論是在市場還是在策展圈子裡,都一定會掙得更多的認同。而別的傳統創作,只要還有創新的發展,這一點一樣可以引申沿用。不論市場和藝術史評價有沒有關連,有幾百年歷史的傳統若到今天依然生龍活虎,那就沒有理由會下沉到湮沒無聞而非上揚到更受重視。

最後一點,同時也是我18個月前指出之新興亞洲當代市場「最重要的一大特點」,就需要作最多的修正;這方面的數據點有那麼劇烈的變動,以致去年的分析,於今皆成老古董的歷史陳跡。我在我說的那些「比起歐美同儕依然算是定值過低的」諸多藝術家,加進了「就算在拍賣會上大放異彩的中國藝術家」。而這大放之異彩,於今更是壯觀,而且,也有幾則事例證明雙方的差距已然完全彌合。

2008年3月7日 星期五

鳳甲重啟》邱再興 樂當藝文推手

【經濟日報╱鄭秋霜】

2008.03.08 03:29 am

由資深科技人邱再興,以他父親為名,在1999年所創設的鳳甲美術館,一直是北投地區重要的社區型美術館,也是台灣當代藝術發聲的重鎮之一。經過一年閉館後,新館日前重啟,將持續扮演社區的藝文場域及當代藝術的推手。

邱再興是企業家投入藝術推廣的代表人物,他與台灣科技界人士淵源很深。宏碁創辦人施振榮1971年從交大研究所畢業後,就加入邱再興的環宇電子,兩人相交數十年。施振榮談起邱再興,常幽默地說:「他是我的老闆。如果我是科技業的老前輩,他是老老前輩。」

此外,光寶董事長宋恭源、台灣松下董事長洪敏弘等企業人士,也都是邱再興的多年好友,近年來常一起參與企業贊助藝文活動;日前施振榮發起「藝企平台」,也特地選在鳳甲美術館新館舉辦。

邱再興1985年前從事科技業,後來看盡商場起落,自1990年決定不再投資電子業,轉而收藏藝術品,做個快樂的藝術欣賞者。

鳳甲美術館成立後,推動台灣當代藝術更是不遺餘力。邱再興透露,鳳甲美術館收藏許多台灣當代油畫,在全台灣數一數二。

鳳甲美術館只展出、不買賣參展藝術家作品,因為邱再興認為,他的生活很簡單,不再需要去賺錢。談起當代藝術,他相信還大有可為,且希望不要被人為炒作,路才走得久遠。

為了新館重新開張,邱再興委請實踐大學設計學院院長安郁茜設計新館空間,經過近十個月的設計、規劃、討論與施工,終於在3月1日重啟。

鳳甲美術館的新館,保留樓層中最方整的空間作為「特展區」,開放讓藝術創作者及獨立策展人申請展覽,另約30坪規劃為櫥窗「常設展區」,展示館藏作品外,也設有捲軸影像互動區,與鳳甲美術館館藏電子書播映區。

此外,新館設有「社區圖書室」,位於入口處,還有「Cafe休憩區」,可讓參觀者簡單投幣,就可享受咖啡香。希望為社區民眾營造溫馨的美學場域,吸引更多年輕人走進美術館。

當代藝術紅火 兩岸「比畫」

【經濟日報╱鄭秋霜】

2008.03.08 03:29 am

華人當代藝術受到重視,要看最火紅的台灣當代藝術家新作,或大陸最年輕新世代的集體藝術創作,現在在台灣都看得到。

上周六下午,位在北投大業路的鳳甲美術館搬新家後重新開幕首展,藝文界領袖、畫廊老闆及許多好久不見的收藏家都現身。鳳甲美術館估計:「當天至少有800人來來往往,擠爆展覽室,連外面的走道也幾乎站滿人。」

鳳甲美術館大都市開幕首展,台灣三世代、九位名家受邀參展。

鳳甲美術館自2007年2月28日結束當年最後一檔展覽後,隨即閉館進行新館籌備工作。經過一年尋覓新館的地點,在原舊址附近找到可永續經營的基地。

鳳甲美術館重新開幕,首次展覽邀請知名策展人王嘉驥,策劃「浮動」展,邀請九位台灣當代藝術家包括郭振昌(1949-)、蘇旺伸(1956-)、高重黎(1958-)、郭維國(1960-)、黃致陽(1965-)、洪東祿(1968-)、廖堉安(1979-)、張耿華(1980-)與邱建仁(1981 -)共同參展。

主辦單位表示,對台灣當代藝術界而言,這九位藝術家含括的世代光譜,分屬二次世界大戰後出生的第一代到最年輕的第三代創作者,參展作品大多數是近期完成,其中有不少人為了此展而特別創作新作。由於其中不乏400號的大型畫作,已引來藏家詢問;甚至有的人作品還未進館,就已有藏家託人先電詢可否收藏。

觀賞過此展的藝文界人士指出,這次參展者幾乎都是台灣正火紅的當代藝術家,很多人的作品近來在拍賣會中創下好成績,例如郭維國的「台灣島」,以1,700 多萬元創下台灣當代藝術家最高拍賣紀錄;新生代的參展藝術家則不乏台北美術獎首獎得主,對於鳳甲美術館重新開館,頗能帶來「慶祝行情」的功能。

王嘉驥指出,台灣近年來在政經、社會與人心等各層面,普遍處於浮動的狀態,這同時也蘊含生命力及活力,藝術家如何回應大環境的各種現象,轉化成創作時的元素或能量,是促使他以「浮動」為策展主題的主因,希望藉此觀照台灣當代藝術與社會的互動關係。

王嘉驥表示,九位藝術家對於「浮動」的創作,大致分為兩大類型。第一種是針對當代社會的各種現象,提出個人的觀察、論述、批判或對話;第二種是以內心的反芻為立足點,反映個人面對當代社會的心理、精神或存在狀態,以及表達個人應對環境時的自處態度。

至於這次參展的藝術家,很多都在藝術市場上被看好,王嘉驥說,會邀請這九位,是因為他們的作品剛好符合「浮動」這個主題,「有些人在我提出邀展時,作品還沒有創下天價」。

中國新生代藝術家集體展出「東凍時代」,展現各式創作面貌。

相較於「浮動」橫跨台灣當代三個世代的藝術家作品,正在台北當代藝術館展出的「果凍時代」,則是1980年後出生的大陸新生代藝術家在台的集體展。

「果凍時代」展由上海美術館副館長暨上海雙年展辦公室主任張晴策展,先在上海美術館首展,今年巡迴到台北當代藝術館展出。張晴為策畫此展,曾考察大陸主要城市,觀察新興世代的創作能量、生活態度及美學語言等,發現大陸吃著果凍長大的「八○後」一代,是屬於透明的、輕盈的果凍新世代,鮮亮自在,但有時盲目勇敢。

此展分為「嬰兒化的青春」、「未來肖像學」、「紛雜的全球化景象」三個面向,不少創作者年齡為20歲出頭,作品反映了他們對流行文化、消費主義、動漫、網路世代、新媒材等的關注,展現中國當代都市青年各式創作面貌。

主辦單位指出,中國近20年的改革開放,催生了中國當代藝術第一個受國際矚目的黃金世代,1980年代出生的大陸新興藝術家也躍躍欲試。此展呈現中國當代新藝術族群多元的創作風貌,可在全球化浪潮下,用來比較觀察亞洲各地新生代藝術家創作的趨勢。

2008年3月2日 星期日

瑞銀 搶進藝術基金顧問業

【經濟日報╱記者黃啟菱/台北報導】

2008.03.02 03:47 am

藝術收藏風氣正盛,瑞士銀行台灣區董事總經理陳允懋昨(1)日表示,瑞銀今年將搶進藝術品顧問與諮詢服務,除了與畫廊業者合作、提供VIP客戶相關資訊之外,還會加強教育訓練,提高員工的美學素養,未來也不排除成立藝術基金。

由鄂爾多斯美術館館長胡永芬策展,印象畫廊與瑞士銀行共同舉辦的「抽象與材質的當代開拓」畫展,昨日下午開幕;共展出莊普、郭淑莉、顏頂生、楊智富、楊仁明、陳浚豪、吳東龍七位台灣當代藝術家,近40件作品。

陳允懋表示,瑞銀的客戶多是金字塔頂端人士,這群人所關注的,除了事業、財富、家庭之外,還包括生活品質;而藝術,正是生活中很重要的一塊。瑞銀在歐洲地區原本就有藝術銀行的機制,提供顧問、諮詢與藝術基金等服務。

陳允懋說,近來,瑞銀感受到台灣客戶藝術收藏與投資的需求動能非常強勁,切入相關服務,已是一定要走的路,因此選擇與印象畫廊合作、希望借助畫廊業者的專業。

針對本次展覽,瑞銀邀請了40名的VIP賞畫,印象畫廊並在展期中規劃「瑞銀VIP日」,屆時將有專人導覽。

當代藝術夯 畫廊搭順風車

【經濟日報╱記者黃啟菱/台北報導】

2008.03.02 03:47 am

這個周末,台北藝術味很濃。昨(1)日共有近十個畫廊推出新展覽,特別的是,當代藝術正火紅、在拍賣市場屢創高價,目前各展覽全都搭上這班順風車,聚焦華人當代藝術家。

由寒舍主人蔡辰洋所投資的寒舍空間,昨日展出「擦拭另一個空間的記憶:徐格麟個展」。寒舍董事長王定乾表示,台灣當代藝術家徐格麟的創作媒材,雖然是傳統的炭筆跟鉛筆,但徐格麟主張,黑白之間既能呈現光線、也能表現色彩,作品極具張力。

蔡辰洋的夫人賴英里,昨日也現身賞畫;賴英里說,她很欣賞徐格麟層次豐富、簡潔又細膩的畫風,此次經她「三顧茅廬」,徐格麟才願意讓寒舍舉辦他人生第一檔個展。

索卡藝術中心昨日推出「解放:溫普林80年代中國前衛藝術檔案」。索卡董事長蕭富元表示,中國當代藝術大約在1979 年改革開放後開始暖身,1985年以後,各地零星出現充滿儀式性的表演行為,後來,如溫普林、孫良、徐冰等行為藝術家陸續崛起。

行為藝術「秀完就沒了」,但相關的圖片或影像紀錄,仍具有同樣的藝術價值,此次索卡就展出了中國80年代重要行為藝術的紀錄。

由老牌拍賣行景薰樓轉投資的景薰樓藝文空間,昨日也推出「旅法畫家呂榮琛個展」。景薰樓董事長陳碧真說,台灣出生的呂榮琛旅法多年,受趙無極、朱德群兩位大師影響頗深,善於掌握光影的變化,蜷曲的線條與深鬱的色彩,很能應出藝術家本身的浪漫與懷舊;此次辦展,呂榮琛也特別回台參與開幕。

至於印象畫廊,昨日則推出「抽象與材質的當代開拓」,展出七位台灣當代藝術家作品。策展人胡永芬表示,此次挑選的藝術家,全都對藝術創作的材質有新想法,例如陳浚豪就選擇以圖釘作為創作媒材。特別的是,參展藝術家也都很年輕,其中陳浚豪才35歲、吳東龍更只有32歲。

2008年2月29日 星期五

CHANEL Mobile Art 香奈兒工藝大展

自由時報╱自由時報 2008-02-29 06:03

時尚龍頭藝術新境

走進Chanel香港太子店對面、通往中環舊天星碼頭停車場的地下道,沿著高掛的「Mobile Art」海報指引,登上舊天星碼頭停車場天台,宛如星際太空降下的一「坨」白色大物「攤」在眼前。

記者方惠宗/香港報導

攝影/記者黃世澤

感覺就像慢慢地從車水馬龍的喧囂,走入一處令人瞠目結舌的景象。這座宛如「幽浮」的Chanel「Mobile Art」展場,設計者是04年獲建築界最高榮譽的普立茲克建築獎的薩哈.哈蒂(Zaha Hadid)。她是有史以來第一位女性、最年輕、完成最少作品的獲獎建築師。

時尚結合建築大師

又一樁

Zaha Hadid獲獎那年,台中古根漢美術館推動計畫,原本預定請她執掌設計大事,但可惜的是計畫後來胎死腹中。台灣當年無緣擁有前衛之作,Zaha Hadid現在為Chanel「Mobile Art」設計這座預製件組裝(Prefabricated)的建築物,猶如倫敦在1851年首屆世界工業博覽會所蓋的展場「水晶宮」(水晶宮是世上第一座預製件組裝建築物),讓它無論在技術上或概念上,都在建築史上留下非同小可的註腳。

「Mobile Art」展場為方便在不同城市間的大量搬運過程,由300片玻璃纖維及750組鋼樑、連串延伸式的弧度組件構成。每塊砌版最寬2.25公尺,可利於拆裝與組合。這座將在全球七個大城市(香港-東京-倫敦-紐約-洛杉磯-莫斯科-巴黎)巡迴兩年的「流動藝術品」,本週在香港開幕,也是Chanel 「Mobile Art」第一站。

展演場域

震撼感官

Chanel設計總監Karl Lagerfeld認為,當今唯一能打造如此創意建築的人,非Zaha Hadid莫屬。而Zaha Hadid也曾透露,希望能在生涯中,打造一棟「流動式」的作品。一拍即合之下,他們還延請法國知名藝術及文化月刊《Beaux Arts Magzine》的總編輯Fabrice Bouste作為此次藝術展策辦人,邀請各國共20位藝術家,以Chanel的菱格紋包包為主題,以不拘形式的創作,裝置在展覽館內。

對與該展,Chanel時尚活動執行長Bruno Pavlovsky表示,Chanel創造了時尚奢華的夢想世界,Karl Lagerfeld總都有全新方式演繹Chanel風格,為觀眾帶來感官震撼。例如他每次都會揀選奇偉堂皇或教人意想不到的表演場地作秀,巴黎大皇宮穹頂、蒙地卡羅歌劇院、紐約中央火車站,或是聖塔莫尼卡機場……都曾化身Chanel秀場。

現在,CHANEL決定以品牌的其中一項經典創作:菱格紋手袋,成為Mobile Art大型國際藝術展覽的主角。

聽覺導向的前衛表演

Mobile Art正式在Zaha Hadid充滿未來主意的展覽館內登場。策展人Fabrice Bouste說:「這是一個流動的展覽,儼如一齣立體電影。而Mobile Art的創作意念,可說是過去兩年來,藝術家們從事各種視藝實驗的成果。」

這次受邀展出的藝術家,例如台灣「花布妙手」林明弘、日本「情慾大師」荒木經維(Nobuyoshi Araki)、南韓未來主義女性藝術家Lee Bul,與 俄羅斯超現實主義派藝術家Blue Noses…,與這座建築一樣,用前衛意念傳達感官震撼。

進入Mobile Art的參觀者必須帶上MP3。耳機傳來精心編寫的音效與口白,有別於視覺導向的展覽。我認為這個展覽反而是個聽覺導向的表演。當對白引領的步伐,準確無誤數著階梯,或要我向左看、向右看…。視、聽強佔的過程,讓人忽視周圍與作品無關的一切(包括其他參觀者),只剩自己、跟耳機裡的「她」,一起在悠遊在這座幻想國度…。

藝術銀行X儲蓄藝術的無限價值

【文/曾芳玲;圖/加拿大國家藝術委員會藝術銀行】

加拿大國家藝術委員會藝術銀行的運作模式

想要為你的辦公環境創造別樹一格的藝術氣氛嗎?藝術銀行的專業諮詢師,可以給你最專業的建議及諮詢,為你的辦公空間量身打造,找到專屬及最合宜的藝術品,每年只要很少的租金費用……」

這段看起來很像某個私人畫廊或藝術經紀商的廣告詞,不要懷疑,它確實是出現在加拿大藝術銀行文宣資料上的說明;藝術銀行,全名為「加拿大國家藝術委員會藝術銀行」(Canada Council for the Arts),一個只有12位員工的國立機構,卻掌握了加拿大當代藝術最重要的購藏計畫,擁有加拿大當代藝術為數驚人的收藏,並藉此創造典藏藝術的無限商機,不但將藝術帶入許許多多的公部門及公共空間,同時在美術館外開闢了無數的展示場所,讓藝術走入生活,推廣藝術教育,為觀眾及藝術家創造雙贏的成果。

加拿大首府渥太華是坐落在河谷及森林間的美麗城市,靜謐如一首抒情小詩,重要的藝術機構包括國家畫廊、國立當代攝影館等,相較於這些藝術機構,藝術銀行的建物說它簡陋也不為過,從外觀看,好像鐵皮結構的大倉庫,進到裡面則像我們熟悉的庫房,有滑動的網架,當然還有更多奇形怪狀的當代裝置藝術,工作人員就在一堆作品中上班,不過他們笑嘻嘻的也不以為意。由於購藏的速度很快,分類及上架的速度實在趕不上,看起來就像個不斷進貨的大賣場,走道可用的空間四處置滿了作品木箱及藝術品,工作人員利用條碼,顯示作品的分區位置,同時由於作品往往很快的就租借出去展示,在電腦系統的掌控紀錄下,表現出快速有效率的節奏。

藝術專家幫你,讓辦公室變畫廊

既然名為銀行,其經營原則非常簡單:出租其所擁有的資產(藝術品)收取利息(租金),用以維護展品,以及購買更多的藝術作品。不過,正如同現今銀行經營管理的新趨勢,投資理財顧問是銀行裡新興的專業服務,藝術銀行也不例外,以藝術顧問為首的工作團隊,是藝術銀行提供服務的核心,其實這個所謂的團隊也挺迷你的,只有三位成員——一位藝術顧問、裝置技術人員和一位行政助理。可想而知,不像一般的美術館的典藏工作,藝術品成功的收購大約就完成了一大半的任務,也不像畫廊,作品賣了即可,由於藝術銀行並沒有任何展示空間,因此藝術品一旦進了藝術銀行,最重要的是要能活絡藝術品租借的通路,有更多的機構加入租借藝術品的網絡,才能維持此機構運作,並持續壯大購藏的資本。

為了讓租借藝術品發揮最大的成效,藝術顧問扮演最關鍵的角色,作品不是租出去就好,而是要在其展出的空間發揮最佳的視覺效果,藝術顧問通常會親自造訪租借藝術品的單位,了解未來作品置放的空間,如辦公室走道、會議室或公部門建築大廳等等,同時跟租借單位訪談以便了解他們的喜好,再同時考量建築空間的特質及辦公性質與預算,為顧客找到合宜的作品。這種感覺也好像是造型師的角色,只要付出不多的租金,造型師就會從衣櫃裡為顧客隨季節變換不同的服裝,顧客不用再擔心塞爆的衣櫥和自己不斷改變的身材和品味。

從另一個角度來看,藝術銀行也解決了許多公部門及公共空間放置公共藝術的問題,這些機構也樂於讓這種作品選件、裝設、包裝、運輸等工作交給藝術銀行的專業藝術行政人員,如此一來,不但每隔一段時間就能更新作品,也無須煩惱作品保存維護的問題,一件知名的當代藝術作品往往動輒好幾萬美元,對一般的政府機構或私人公司來說實在不可能,而租金一年只需約1200美元,這讓許多財務困窘的公部門辦公室,也可以輕鬆擁有價值不斐的藝術作品,藝術作品經常更新,讓工作人員及來訪洽公的民眾好像在美術館工作,時時都能有耳目一新之感。

加拿大最大當代藝術庫,欣賞藝術也是支持藝術

由於擁有為數最豐的當代藝術收藏,藝術銀行今天除了辦理藝術品租借的服務,藏品也免費提供給各國藝術機構或策展人策辦加拿大當代藝術展覽計畫,許多觀念及裝置藝術,在經紀畫廊的藝術市場上有通路的困難,此時藝術銀行自然負起支持當代藝術創作的重要任務,藝術家樂於讓藝術銀行收購作品,除了直接在經濟上有所助益,不論未來是否在某個辦公室看到作品,都能透過藝術銀行的電腦網絡系統,提供給世界各地藝術界人士瀏覽。

如何讓僅僅三位藝術顧問,掌握超過1萬8,000件作品的動向,提供顧客最快最有效率同時最佳的諮詢服務?主要就是靠著一套便利的管理軟體,除了掌控作品動向的基本功能,這套軟體還能提供概念式的查詢服務,例如總監維多利亞.亨利(Victoria Henry)為我們示範鍵入「Red Lips」(紅唇)後,凡是作品名稱、創作概念或作品形式與紅唇有關者,都可一一搜尋表列出來,實在是專業藝術顧問的好幫手,也是讓藝術銀行可以如此少的人手發揮最大服務及工作效益的關鍵。

藝術銀行能夠順利經營,社會整體的藝術愛好風氣也是很重要的支持因素。藝術作品離開美術館的層層保護與監控,走進與民眾每日生活攸戚相關的辦公空間,藝術銀行總監不諱言,在經營之初,她也很擔心若是作品的損壞機率過高,出險及修復費用過多,將會間接使租借費用攀升,還好幾年下來,作品在各地租借的情形,一直保持著良好的狀態,透過這樣的方式,也有越來越多的朋友走進藝術欣賞及收藏的行列,對當代藝術家的名字漸漸如數家珍,潛移默化間對推動當代藝術發揮了極大的影響力。藝術銀行的經營概念,讓21世紀的藝術典藏觀念走進另一種里程,「偉大的藝術品無價,但你的公司可租唷﹗」看到這樣令人莞爾的廣告,想到玩味藝術跟昂貴的藝術品為伍,可以這樣輕鬆快意,確實讓人欣羨。

美術手帖:策展人這一行

【文/岩切澪;圖/本刊資料室】

在活躍於全世界的策展人越來越多的情況下,「策展人」這一行已被討論許久,這看似了無新意的議題,《美術手帖》卻在12月號的專題裡凸顯了它的獨特性,其不僅描述「超級策展人」、「獨立策展人」等當今潮流現象,也詳細介紹這一行工作的脈絡、基本問題和限制,還有討論日本特有的策展人制度「學藝員」(即所謂「美術館策展人(house curator)」)的特色,並關注其策展方法與所重視的方向。在如此的關懷之下,《美術手帖》訪問了今年9月即將舉辦的「橫濱三年展」(Yokohama Triennale)總策展人水澤勉(Mizusawa Tsutomu),他曾宣布想將此次三年展策成「白箱子」(white cube)的展覽,並希望觀眾看完展覽之後能變為徹底孤獨的狀態,進而深刻思考作品的意義。他還形容此次展覽會像「一本書」,這聽來可能有一點古典,不過這樣的構想其實是他在神奈川縣立近代美術館研究及策展30年的經驗裡頭培養出來的結果,在此也可見他身為「學藝員」的自信和理想。「學藝員」這一門工作在日本其實一直都處於很尷尬的位置,常被學者們批評不夠學術,也不像西方系統那樣專業化:他們常常得處理許多瑣事,因此偶爾被稱為「zatsugei- in」(雜藝員)而非「gakugei-in」(學藝員)。

事實上,有些美術館已培養出不少研究者般的學藝員,神奈川縣立近代美術館為其中最有名並具歷史的美術館,水澤便是在其相當嚴格的師徒體系下所培養出的策展人;他除了持續鑽研自己的研究範圍(德國表現主義)之外,對日本現代藝術也相當的熟悉,而這也是他就職的美術館前輩們所營造出來的氣氛。他體會到如何在日本思考日本現代藝術:它不只是美術史的知識,更是每個小細節所串成的全面性體驗。這樣的他將如何策畫今年的橫濱三年展,頗令人好奇而期待。

本期還將去年秋天在東京引發話題的兩檔展覽:東京都現代美術館的「Space for your Future」展及森美術館的「六本木Crossing」展,當作案例分析並觀察策展的過程和實際的種種問題,東京都現代美術館館長谷川祐子(Hasegawa Yuko)的訪談內容尤其精彩。身為一位「超級策展人」,同時也是「美術館策展人」,她不僅關注世界上的美術潮流和當代性議題,也極力思考著如何與市民溝通交流,而且當她說:「我們得創造出有創造性的觀眾」時,語氣聽來是相當肯切的。

【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】

2008年2月22日 星期五

Exhibition》Dreams of a Winter Night

【text/葉穎;photos/we-make-money-not-art】

貴族 KITTY 冬夜惡夢

我只能說,我真愛這一個展覽,像是完成了我從小時候書法課以來,一直想要嘗試、如今終於爆發的夙願。

每個人小時候一定上過書法課。在我還是小學生的年代,書法課的前段,一定可以聽到整間教室裡面,沙沙沙的磨墨聲音。我的老師說來嚴厲,一方面毫不通融、不准自來水筆,二來,就連磨墨,都應該要讓墨條是完完整整,正正方方均勻地被磨短。他有一套說法,磨墨好比做人,方正不阿的人格就會直接反映在你手上墨條的模樣。

在這樣的標準之下,臨摹字體也必然要是工工整整、規規矩矩的楷書。一點一橫長,一撇到南洋的書法字訣聲中,我永遠記得懸起可以如同含著雞蛋在掌心的手腕。我沒有一次不想放肆的猛然將毛筆頭刺上紙頭,就算破了也在所不惜。寫書法的經驗,像是被要求坐定在貴族皇宮的下午茶桌前,硬是要被要求糖匙怎麼擺放、湯匙該攪拌幾下,才是發自內心的教養。

這樣的橋段,愛麗絲夢遊仙境中的小愛麗絲,即便她不解兔子的匆忙莽撞,勢必也受不了這些規範禮數才是。她會怎樣提出她的反駁?會是如我般有畫破宣紙的衝動嗎?

藝術家 Geraldine Pilgrim 在策展這個名為 Dreams of a Winter Night 的展覽時,想必也思考著這樣的問題。否則,好端端的古典英國茶室中,不會是恣意的將碗碟蔓延滿地滿室、理應綴滿蕾絲綺麗感的古典床組,也這麼樣讓一棵老樹椏盤據長出,像是要跟老天爭討什麼似的詭譎。

Dreams of a Winter Night,是北英格蘭 Northumberland 地區冬日藝術節中,在展場 Belsay Hall 展出的一個節目,也可以算是最具重要性的一個單元。

Belsay Hall 是一座典型的古堡建築,建築內部有著古建築不會少的壁飾與細節。展覽所在的茶室本是 Kitty Middleton 女士名下的不動產,1907 年出生的 Kitty Middleton 女士從小因為家產的雄厚,她坐擁的城堡中,不間斷的上演著一次又一次賓客雲集的盛況。一直到 1962 年這棟建築被訂為古蹟,才真正將古堡開放給一般大眾有機會在展覽時候一窺裡頭的一廳一室。

Geraldine Pilgrim 透過這富貴特徵的聯想,逆向的想像這樣背景長大的小女孩,是不是心裡面對於人人豔羨富豪,反到有著一段不為外人道的排拒感,以至於午夜夢迴心生恐懼和惡夢,就像是 4000 只花茶杯子蔓延著將茶室淹沒於無形的景象(贊助展覽的瓷器廠商 Wedgwood & Son 是高貴餐具的典型廠牌)、一夜之間枯槁著只剩下如老耄的驚聳樹椏,樹上還吊掛的新娘禮服,簡直就是妖魔山大王搶親的橋段…。

所有場景如果配上希區考克式的運鏡,想必又可以是另一部《鳥》的再版。只是,從虛榮嬌氣至心生恐懼,可能非得像 Kitty Middleton 那樣坐擁豪宅,甚至一輩子怎麼都花不光、用不完的人才有可能吧?!

http://www.corridorperformance.org/

【DFUN 設計風尚誌 2008. Feb. No.17】

當代藝術館特展「果凍世代」不想長大

當代藝術館特展「果凍世代」不想長大
【聯合報╱記者周美惠/台北報導】

2008.02.22 03:29 am

台灣有草莓族,大陸有果凍族。台灣人說起草莓族多少帶點貶抑;自創「果凍世代」一詞的大陸上海美術館副館長張晴則說,他正面看待大陸新世代,他們就像果凍看來柔軟,實則帶有硬度及韌性,自有其責任心及思考。

什麼是果凍世代?從台北當代藝術館明天起揭幕、由張晴策展的「果凍時代」特展可見一斑。

這些在八○年代前後出生的果凍族,最大特徵是不想長大、迷戀嬰兒化的青春,對虛擬與夢幻的世界比現實人生更感興趣。雷本本的「懸舞」將芭比娃娃置於懸崖跳舞;虞華的「城市」系列假想從昆蟲的視角仰望藍天、將城市化為遊樂園,自己則成了穿著兔寶寶服的嬰孩在城市冒險遊戲。趙華森的「告別青春期」索性以奶油蛋糕為床,進入甜蜜無比的夢境。

大陸八○年代新藝術家杜恂孜在台北當代藝術館《果凍時代》特展,以密密麻麻大頭貼組成的大型裝置作品展示未來肖像學。

可別小看果凍世代,他們自有對現實的批判。已在中央美院任教的李洋以細膩的筆觸創作的「人魚生死圖」,從電子雞獲靈感,虛構販售人魚的產品,以長達廿公尺的連環圖畫,模擬產品使用說明書的形式,批判消費主義、瘦身產業及情色文化。

果凍族也像草莓族一般迷戀網路及動漫。

張晴說,他在大陸各地遊歷一年半,發現果凍族驚人的創作動能,從四、五百位藝術家中選出四十一人來台參展,將在當代館展至四月十三日。


中國時報  2008.02.22

果凍時代QQ創作抗拒被塑型

吳垠慧/台北報導

 一九八五年,第一條果凍生產線正式引入中國,伴隨著一九八○年代後出生的年輕世代一起成長。如今,他們已是廿來歲的成人階段,並且形成了與上個世代截然不同的思考邏輯與文化態度。中國策展人張晴稱呼他們是透明、輕盈的「果凍一代」!

 張晴所策展的「果凍時代」,呈現的就是四十一位生於一九七○年代末至一九八五年之間,中國大陸年輕藝術家的六十件作品。這也是台灣首次有如此大規模的中國年輕世代的藝術展出。而四十四歲的張晴,是現任上海美術館副館長,更是是兩屆上海雙年展的總策展人,是深具分量的一位藝評與策展人。

 透明輕盈 光鮮亮麗 關注自己

 說到果凍,最大的特色便是那QQ、滑溜的質感與光鮮亮麗的色彩。張晴表示,大陸一九七○年代之前的藝術家,喜歡討論國家、政治、民族與文化的課題,「果凍一代」的年輕藝術家擁有豐富的想像力,不過他們多半關注的是自己切身的世界、喜歡抒發內心的感受。像是電玩、動漫、幻想、日常瑣事、城市生活或童年記憶等,都是他們喜歡的題材。

 一九八三年,中國開始實施一胎化,「果凍一代」多數是一胎化下誕生的孩子。張晴表示他們有「不想長大」的普遍心理。「家裡只一個孩子,父母呵護無微不至,不像我們那時候只要能吃飽就好。」

 一九六○年世代的張晴說,中國幾個大城市,在近廿年轉型成消費型社會,人們生存的環境較過去昌明、富裕又複雜。「這一代年輕人擁有完整的學校經驗,在學校封閉性的空間中,造成與社會接觸的延遲,青春期相對延長。」

 不願長大 卻不像豆腐易碎

 因此,張晴觀察到,「果凍一代」的年輕人即便已成年,也不願面對成年的壓力,「仍然延續獨生子女童年階段的心理狀態。」「像是果凍的外表鮮麗,但卻沒有固定的形態。果凍的輪廓取決於容器,就像是這一代人抗拒被塑型,反抗成為前人定義的形象,又不可避免受到時代和文化環境的塑造。」不過張晴也說:「果凍的外在雖然很脆弱,但其實還是有軟結構支撐,不像豆腐易破。」

 在策畫「果凍時代」之前,曾有朋友警告張晴,現在年輕人很難相處,「沒有倫理觀念、自我的不得了」。也有人嘲諷年輕人和果凍一樣「好看卻沒營養」。不過,張晴的感受是:「表面化的創作成了另一種深刻。」

台北上海廣東三美術館合作 藝術行銷城市

【中央社】記者 羅廣仁 2008年02月22日

  九月的亞洲很藝術! 從九月四日至十一日,先後有韓國光州、釜山,中國廣州、上海,和新加坡、台北等亞洲現代都會舉行美術館雙年展,吸引全球藝術家、藝評家和媒體,共享藝術饗宴。台北市立美術館和上海美術館、廣東美術館今天宣布合作,共同宣傳年度藝術盛會,行銷城市。        
  上海雙年展主辦單位上海美術館執行館長李磊、展覽策畫承辦項麗萍、上海市文化廣播影視管理局范玉嬿,以及廣州三年展主辦單位廣東美術館廣長王璜生及該館當代藝術策展人孫曉楓等人,應2008台北雙年展主辦單位台北市立美術館之邀,二月十八日抵台訪問六天,並針對本屆台北雙年展與上海雙年展、廣州三年展的正式合作事宜進行協商、凝聚共識。 

  北美館館長謝小韞今天和上海美術館執行館長李磊、廣東美術館廣長王璜生在北美館辦公區貴賓室舉行記者會,向媒體說明九月舉行的台北雙年展與上海雙年展、廣州三年展的合作方向。
                           
  謝小韞說明,三個美術館在九月的雙年展或三年展錯開了開幕時間,將在文宣上合作,同時介紹三個展的主題、特色,希望讓全球藝術家、藝評家和媒體,能藉行程之便,參觀三個城市美術館的展覽,並達到行銷城市的目標。                     
          
  上海美術館館長李磊說明,今年「上海雙年展」的主題是「快城快客」,藝術表現內涵主要在探討上海城市的變遷,具有歷史內涵和深度。                   

  廣東美術館廣長王璜生也宣布,九月舉行「廣州三年展」的主題是「與後殖民說再見」,主要探討廣州這個城市在國際化和現代化過程中的各種文化和民生問題所形成的衝擊,將文化現象以藝術體現,強調對人的關懷。                 
                               
  台北雙年展的主題近期會定案,謝小韞說,策展人在三月會在台北舉行一系列的記者說明會,並宣布台北雙年展主題。她並表示, 北美館與上海美術館、廣東美術館的合作,就從這次城市美術展開始,並會進行館務交流和人員的互訪,以及策畫典藏作品的交換展覽,從藝術、文化合作,促進兩岸的交流和緊密關係。     
                
      

2008年2月17日 星期日

第四屆日本東京Art@Agnes藝博會——東京當代畫廊的新春聚集 (下) 

【文.攝影/潘廣宜】

Art@Agnes的六大特色

1.限定與限量
日本限定、人數限量是Art@Agnes的特徵之一。這是個東京地方性的藝術博覽會,所展現的是東京地區的畫廊業者、藏家的品味以及藝術家的特色,也因此 Agnes藝博會的最大特色就是「日本限定」。主辦單位表示明年度如果報名人數過於踴躍,估計可能會採用畫廊推薦入場的方式,完全不對外開放以限制人數。這樣的限定與限量正是為了維持展會的精緻化。

2.日本當代藝術核心的縮影
這幾年來日本的當代藝術市場蓬勃發展,短短數年間東京地區的新畫廊如雨後春筍般出現,而Art@Agnes藝博會所遴選出來的畫廊可說是日本當代藝術的精髓,這裡也是許多藝術界核心人物的交流場所。在會場房間中穿梭的嘉賓都是熟面孔,晚宴上更有所有代表日本當代藝術界的重量級人物出現,這樣的藝博會可說是日本當代藝術核心的縮影。

3.粉領族也買得起的藝術小品
由於Agnes飯店場地精緻小巧,業者所挑選的作品以小品居多,藝術家也比較年輕,平面作品的平均價格大約在10萬至50萬日圓不等,屬於上班族也付得起的價格,故而吸引了許多對當代藝術有興趣的年輕收藏家蒞臨。但由於原本主要舉辦的目的是提供日本內需市場為主的小型藝博會,與招攬國際畫廊參展的「東京藝術博覽會」(Art Fair Tokyo)目標群不同,因此會場中鮮少看到明星級、高單價的日本當代藝術大師作品。不過年輕收藏家族群的增加卻是這幾年來明顯的趨勢,新一代畫廊業者 MISAKO & ROSEN表示,這幾年有許多日本的上班族女性前來購買作品,很多人都是第一次前往Art@Agnes藝博會,而在這之後慢慢成為收藏家的例子也越來越多。

4.低調而高雅的風格
在飯店內舉辦藝術博覽會的形式在歐美已行之有年,由於空間帶來的親和力,讓觀眾與作品的關係更接近。一方面,房間內的展示不但讓收藏家可以有個參考的陳設方式,每家畫廊業者也費心展現作品充滿玩心的趣味性擺設,深受觀眾喜愛,「巴塞爾邁阿密藝術博覽會」(Art Basel Miami Beach)以及「Scope藝術博覽會」(Scope Art Fair)都是成功的典型例子。但Art@Agnes與這些歐美的飯店藝博會不同的是,這裡的空間精緻素雅,展示的小品作也尤其適合日本住宅空間的陳列。不論是畫廊的選擇、藏家的邀請、限量限定客層的藝術博覽會,都在在符合了日本人獨特的感性與需求,低調中帶著高雅的風格。

Art@Agnes在32間客房裡呈現所有東京優秀畫廊推出的作品,而畫廊業者在飯店空間內各處費心陳列,當我們穿梭於各個房間,往往連某個小角落都能發現日本人獨特的細膩心思與有趣發想,令人驚豔,尤其是浴室空間裡的布置創意發揮得淋漓盡致,小冰箱上的空間陳列更可以看到各家獨特的日式幽默及趣味。

5.畫廊獨特的品味與特色
Art@Agnes藝博會場中,「老舖」和年輕一代畫廊各有千秋。其中相當令人注目的「毒」特畫廊有:成山畫廊(Gallery Naruyama)、山本現代畫廊(Yamamoto Gendai)、Rontgenwerke AG、Mizuma畫廊(Mizuma Art Gallery)等,他們所選擇的藝術家風格都相當強烈特出,充滿著一種「毒」特的風格與品味。最近前衛異端的創作相當受到歡迎,不但美術館爭相邀展,收藏家也呈倍數成長中。例如成山畫廊所代理的松井冬子(Matsui Fuyuko)的絹布畫是目前許多收藏家最想要納入典藏清單的作品之一;Mizuma畫廊所代理的會田誠(Aida Makoto)、鴻池朋子(Konoike Tomoko)也都是拍賣會場上耳熟能詳的藝術家,這次在Art@Agnes會場中展出了棚田康司(Koji Tanada)黑色詭譎的雕塑,令人過目難忘。山本現代畫廊所代理的西尾康之(Nishio Yasuyuki)的雕塑女巨人的姿勢與表情也都有著相當震懾視覺的力量。

除了個性派的畫廊以外,尚有許多經營多年的日本東京老畫廊例如:小柳畫廊、Taka Ishii畫廊(Taka Ishii Gallery)、SCAI the Bathhouse、東京畫廊(Tokyo Gallery)、小山登美夫畫廊、Mizuma畫廊等國際規格的畫廊。這些第一代的畫廊由於堅持原則,更因為經歷過泡沫時期的蕭條,也因此相當有危機意識,它們撐過了泡沫經濟時的困境,不但打開了國際視野,也擴張了在亞洲的版圖。這些畫廊代理的藝術家由於藝術語彙國際化,因此歐美的收藏家眾多,更時常參與國際藝術博覽會且與國外畫廊合作展出。

另外值得一提的是最近幾年新一代畫廊業者的興起,譬如負責人原本在小山登美夫畫廊工作達十年之久的MISAKO & ROSEN,以及Sora畫廊(gallery Sora)、ARATANIURANO等三間最近都相當受到美術館策展人及藝評家的注目。

MISAKO & ROSEN的藝術家群非常國際化,海爾登(Nathan Hylden)的素描以及奧村敏雄(Okumura Toahio)的作品相當受到日本藝評家的喜愛。Sora畫廊在Art@Agnes中相當突出,墨西哥籍的藝術家托瑞斯(Mario Garcia Torres)的裝置藝術作品《一封寫給音樂家的信+詩+音樂唱盤》,開幕當天就以300萬日圓售出,畫廊負責人羅森(Jeffery Rosen)有著在Taka Ishii畫廊工作多年的經驗,因為是洛杉磯出身,因此畫廊風格有著加州陽光般的清新活潑,讓人眼睛為之一亮。ARATANIURANO最近也因為代理藝術家加藤泉(Kato Izumi)參加威尼斯雙年展因此媒體曝光率大增,作品供不應求。第二代畫廊的興起似乎給日本的當代藝術界注入了更多新視野,相當令人期待!

6.亞洲藏家的湧進
Art@Agnes往年反應踴躍,今年更增加了許多國外收藏家的面孔。其中尤以亞洲收藏家(台灣最多,韓國其次,中國、美國也有收藏家前來)的加入讓主辦單位大感意外,台灣藝術界的大批湧入更讓日本當代藝術畫廊界倍感驚訝。

確實,台灣在今年吹起了一股日本當代藝術風潮,更在卡漫風大型展覽的推波助瀾下,收藏家以及畫廊業者對日本當代藝術作品趨之若鶩;當代藝術界的哈日風潮讓日本當代藝術的主要標籤「卡漫」成為本年度台灣最頻繁出現的關鍵字。

在日本當代藝術畫風細緻、藝術家的語彙豐富多層次、且價格相對合理的情況下,台灣收藏家對於日本當代藝術的喜愛自然不需贅言。不僅如此,日本當代藝術市場的興起也讓許多原本收藏古美術以及中國當代藝術的收藏家再度有了新的注目焦點。從這次來到Art@Agnes的外國收藏家陣容可以看到日本當代藝術的魅力確實已經成為國際的潮流。來到這裡可以看到日本國內核心畫廊的風格與新秀作品,也的確是個學習日本當代藝術很好的機會。然而,眾多的日本畫廊業者對於這樣的現象其實既期待又怕受傷害,對於亞洲收藏家的口袋深度大感讚嘆。一位日本當代藝術業界人士就感嘆地說,真希望日本國內收藏家的出手也可以跟其他亞洲收藏家一樣闊綽。不過也有一些日本畫廊業者對於海外藏家多於日本國內藏家、亞洲收藏家大量湧進的現象感到憂心,畢竟只依靠海外收藏家這種「外強中乾」的日本當代藝術市場現況,似乎並不是一個健全的生態。

【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】

第四屆日本東京Art@Agnes藝博會——東京當代畫廊的新春聚集 (上) 

【文.攝影/潘廣宜】

Art@Agnes.新春開市大吉

日本的新年春節長假剛結束,日本國民還在努力克服「長假後遺症」,雖然大多數的人寧願窩在家裡看電視也不想出門,但是寒流仍擋不住日本當代藝術的空前熱氣與絡繹不絕的人潮。1月11日在神樂坂Agnes飯店(The Agnes Hotel and Apartments Tokyo)所舉辦的「Art@Agnes藝術博覽會」,不算是國際級的藝術博覽會,卻是日本當代藝術界每年必參加的活動之一。根據大會的統計,兩天內來訪的藏家與觀眾雖只有2,500人(去年有4,500人),但是今年每家畫廊平均都售出了超過80%的作品,販售比例高出往年水準,反映出今年日本當代藝術市場的好景氣,更鼓舞了日本畫廊業者和整體市場士氣。

日本當代藝術界的新年聚會
由於Agnes飯店是精美雅緻的五星級旅館,可容納的觀眾流量有限,因此Art@Agnes開幕邀請的大多是日本當代藝術界的圈內人,往來的人群處處可見熟面孔,不但可以遇到經營日本當代藝術的畫廊業者及藝術市場相關人士,更可看到影響日本當代藝術脈動的策展人、藝評、媒體、藝術家、館長、收藏家等,由於適逢新年假期過後的第一個禮拜,因此會場中人們互道新春快樂,就像是個自家人的新年聚會般熱鬧而溫馨。畫廊業者忙著到處串門子,小山登美夫畫廊(Tomio Koyama Gallery)負責人則一派輕鬆地說:「與其說是參加藝博會,我更覺得這是畫廊業者間聯絡感情、交換心得與消息的新年聚會。」日本當代藝術市場目前的好景氣也反映在藝術市場業者的燦爛笑容上,晚宴由備受畫廊界推崇的小柳敦子女士(Koyanagi Atsuko,小柳畫廊(Gallery Koyanagi)社長)起頭致詞,畫廊業者們舉杯慶祝開幕成功,期望今年的日本當代藝術又是一個美麗的新世界!

Art@Agnes的成立背景與架構

為期三天的Art@Agnes藝博會,從2005年開辦至今已經是第四屆,其緣起是由Agnes飯店業者千賀徹(Senga Toru)與小柳畫廊開始。千賀一開始想與兒時同學小柳敦子租借畫作在飯店中展示,然而小柳則有更嶄新的發想,她建議在Agnes飯店舉辦藝博會。因此 Agnes飯店就於2005年第一次開始嘗試舉辦Art@Agnes藝博會(Agnes是千賀的日文Senga的倒讀音)。由於參展畫廊以及作品的素質優良,深獲許多收藏家及當代藝術業界的好評,也因此參展畫廊從第一屆的七間,逐年增加到今年的32間滿額。

Art@Agnes的參展畫廊是由數位資深畫廊業者所組成的委員會嚴格評選,從11日到13日展覽期間,將飯店內的32個房間提供給遴選出的參展畫廊使用。不管是老字號還是新一代,這些畫廊都是來自日本關東地區最優秀的當代藝術畫廊,在藝博會規模看來雖屬小型,但是素質相當高。

根據去年參加過Art@Agnes藝博會的藝術界人士觀察,由於去年Art@Agnes人潮蜂擁而至,蒞臨的觀眾超過4,500人,導致在冷風颼颼的門口排隊將近三小時的收藏家與觀眾們抱怨連連,所以今年主辦單位特別記取了教訓,將參觀人潮以時段分散:第一階段First Choice在下午三點舉行,邀請的是日本頂級藏家;第二階段自下午五點開始,邀請各家畫廊推薦的收藏家入場;而最後在晚間七點的開幕晚宴,則邀請眾多日本當代藝術界人士參加,這樣不但可以讓觀眾在限定的時間內參觀、選購作品,更可以讓畫廊業者在有限的時間內接觸到更多的客層與觀眾。每年由Agnes飯店提供全數的客房,各家畫廊負擔展品的運輸、保險以及布置,廣告宣傳及人事費用則是唯一的開銷,不過,由於Art@Agnes基本上是針對特定的客層,因此宣傳上也相對低調,傳播媒體方面只與J-WAVE廣播電台合作。除了開幕前一個月的宣傳期外,開幕第二日起則由J-WAVE電台的DJ整班人馬移駕到飯店入口處,每天都會輪番邀請不同的畫廊業者接受現場直播訪問。由於訪談內容生動、話題新穎,吸引了一般普羅大眾的注目,可以說是相當經濟而有效的經費運用方式。統籌企畫、聯絡、營運整個Art@Agnes藝博會的人員只有一位,即市川靖子(Ichikawa Yasuko)。雖然算不上是大型藝博會,但是32間畫廊的聯絡、場地的配置、藏家的導覽加上媒體以及晚宴活動的安排也相當費心費力。據市川表示,所有的畫廊業者像一家人般同心協力地支持Art@Agnes,加上逐年增加的知名度以及市場業界的景氣,連續多年下來建立的好口碑讓她感到相當欣慰。

預測!日本當代藝術未來趨勢

2008年日本當代藝術會有什麼樣的趨勢及變化?綜合藝術媒體、策展人以及畫廊界人士的消息,日本在未來將會有以下的趨勢:

我有一位在這個世紀華人藝術作品收藏領域很有成就的藏家朋友,他曾自我解嘲地安慰我:「不要著急,不要著急,就讓他們忽略吧。等到他們發現了這些藝術的美好,已經來不及,畫都在咱們家裡了。」話雖說得幽默,其實我們都明白彼此心中的感嘆。

1. 拍賣會如雨後春筍般開張
現在日本的M型社會加劇,高消費族群一面倒向奢華精品與藝術投資的情況下,拍賣公司的人潮更多出了金融界的加入。日本的拍賣會目前有八家之多,其中老字號拍賣會Est Quest與National Discovery Auction house於去年合併,目前是日本資金最龐大、最國際化的拍賣公司。藝術市場業界人士表示今年將會有更多家新的拍賣公司成立,競爭會愈演越烈。

2.旅館+畫廊的新型空間設立
日本的觀光產業不斷擴張,相對的大型五星級飯店的建設也不斷增加,其中汐留等地(日本電通以及富士電視台附近)更有多間飯店正在籌建中。飯店業者在競爭激烈的觀光事業當中也必須找到更特別的USP(Unique Sales Point,獨特賣點)以增加其特色。其中也有飯店計畫與當代藝術結合,在飯店中除了陳列藝術品,更可以進行作品的買賣,一舉兩得。

3.小型年輕畫廊不斷設立
從第一代畫廊中獨立出來的新一代畫廊業者表現不凡,第一代的畫廊業者也對年輕一代畫廊的表現非常支持,不論是在人脈上或是技術層面上都提供相當多的資源,讓人感到日本人對於「文化傳承」的重視。或許可以這麼說,第一代老舖的堅持與第二代年輕畫廊的活力,是讓日本當代藝術再度起飛的最重要因素。

4.藏家的普遍化年輕化
從去年東京藝博會會場就可以見到日本年輕收藏族群的增加。此外,現在日本女性經濟獨立,不論是女性社長或者粉領族都加入了新興收藏家行列。整個日本當代藝術市場呈現收藏家年輕化、女性藏家增加的趨勢。

結語:浮游特質的時代精神
今年 Art@Agnes藝博會的成績相當可觀,即使作品的選擇以及規模還是針對國內市場。分析其原因是由於四月的東京藝博會即將開始,因此畫廊業者傾向將壓軸大型作品留到國際規模的藝博會展出是原因之一。目前日本當代市場一片喧騰,除了市場以外是否有其他的活動更值得注意?本刊專訪日本當代藝術雜誌《ARTiT》社長兼總編輯小琦哲哉(Ozaki Tetsuya),他針對目前日本當代藝術的現況表示:「亞洲經濟的興起、日圓走低、投資家的興起都是讓去年東京藝博會以及本屆Art@Agnes成功的主要原因,另外,日本年輕當代藝術家素質的提高對整個藝術環境蓬勃發展不無貢獻。《ARTiT》17期(2007.01.17出刊)的專輯中提到日本當代藝術家的獨特語彙有下列幾項:跨領域、交叉、異種交配等多重要素,這也是時常於國外駐村或者遊走於不同媒材的藝術家例如:大伸嗣(Ohmaki Shinji)、鬼頭健吾(Kito Kengo)、金氏徹平(Kaneuji Teppei)、青木綾子(Aoki Ayako)、中川Torao(Nakagawa Torao)、田尾創樹(Tao Soju)、三宅砂織(Saori Miyake)、田中功起(Tanaka Koki)、照屋勇賢(Teruya Yuken)、小金澤+久納鏡子(Kokanezawa + Kunoh Kyoko)等備受矚目的原因。」

年輕世代的藝術家跨越國界、領域,不斷嘗試在這個不確定的時代找到自己的定位,也因為這樣充滿彈性而具浮游特質的時代精神,不只讓日本的藝術家,包括亞洲當代藝術家都以更國際化的視野、更寬廣的度量衡來看待世界。

【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】

找對藝術顧問 少花點冤枉錢

【經濟日報╱記者雷盈/台北報導】

2008.02.18 02:55 am

藝術投資火熱,但投身藝術投資領域前,得先有個稱職的藝術顧問。畫廊協會顧問陸潔民說,在台灣,畫廊業者就是藝術顧問,藏家要找資歷深、人脈廣、通路多的畫廊老闆,作為自己的藝術顧問。

藝術品何其多,但要在其中挑選到兼具欣賞與增值潛能的並不容易,因此,通曉門路的「藝術顧問」就十分重要,陸傑民說,藝術顧問要能判斷畫作真偽、估算藝術品的合理價格,同時也要能預測藝術市場未來的走向。

陸潔民說,藝術顧問在台灣尚未成熟發展,藏家只能依賴畫廊,多跟畫廊老闆請教,而資歷深的畫廊,表示在這塊領域經營許久沒被市場淘汰,必定擁有一定的水準,包括豐富的人脈與通路。

陸潔民說,一家開50年的畫廊,絕對比剛成立幾年的畫廊來有的有經驗,而藏家在找顧問時,可以此作為判斷,陸潔民也建議藏家多逛畫廊,多跟老闆聊天,請教他們為什麼賣這幾個畫家的畫,審美觀為何,久了以後,投緣的人自然變成顧問。

相較於國外的藝術市場,台灣起步較晚。陸潔民說,在歐美的拍賣公司,例如蘇富比、佳士得都有200年的歷史,畫廊也有150年了,但是台灣的畫廊產業才30年,另外,台灣的成立最久的拍賣公司也只有10年。

由此可見,台灣藝術市場十分資淺,藝術顧問的人才與制度也在發展中,但是陸潔民提醒,只要眼光獨到、有公關能力,具備一定的美學知識,人人都可以是藝術顧問。

陸潔民說,藝術顧問並非是一個高級資金管理工作,許多有美感,喜歡藝術的媽媽、太太、阿姨都有成為藝術顧問的潛力,只要勤作功課,練眼力,有人脈,多跑拍賣會、畫廊,就能知道這個圈子在玩什麼。

陸潔民以前在美國參加藝術博覽會時,有個叫Linda的婦女就表明自己是藝術顧問,要幫他賣畫,每賣一幅1萬美金以上的畫,抽5%,而1萬美金以下的畫,抽10%,Linda跟每個攤位合作,而光陸潔民的攤位,兩天就成交兩幅。

陸潔民說,在美國有不少像Linda這類的「藝術顧問」,他們勤跑博覽會,一邊蒐集資料,一邊建立人脈,幫企業找畫,也幫企業規劃內部藝術環境, Linda不需要實體辦公室,但就能當個自由工作者,陸潔民鼓勵藝術愛好者從自身做起,多做功課、多培養眼力,大家都能是藝術顧問。

藝術經紀策展 異軍突起

【經濟日報╱記者黃啟菱/台北報導】

2008.02.18 04:13 am

藝術市場火熱,新畫廊如雨後春筍般不斷設立,新型態的藝術經紀與策展公司也隨之崛起。由南韓策展人韓之演創辦的韓之演當代空間,就跳脫傳統畫廊的角色,朝「專業經紀、國際策展」的方向發展。

韓之演當代空間上周末來台,在信義誠品舉辦中國當代藝術家鄭德龍在台首檔個展。去年以來,韓之演已陸續與索卡藝術中心、Gallery J. Chen等畫廊合作、為其策劃展覽,頗具知名度;本次鄭德龍個展是韓之演當代空間首次在台獨立辦展,格外受市場關注。

韓之演表示,以前藝術家想要進入市場,必須選擇與特定畫廊簽訂合約,尋求經濟支持與展出機會;這麼做雖然藝術家會很有「安全感」,但同時也受限於合約,局限自己的展出地點。

近來當代藝術火紅,有愈來愈多人開畫廊,卻不見得有足夠的人脈、對各區域藝術發展未必能全盤掌握,需要有專業機構來為其策展。韓之演觀察到這兩點,決定首開先例,切入藝術經紀與專業策展領域。

韓之演說,現在採取的營運模式是與藝術家簽訂經紀約、再與畫廊合作,由畫廊提供空間、她策劃展覽,藝術家就不必受到畫廊長期合約的限制,只要專心創作;經紀人負責尋找寬廣的舞台,推廣旗下藝術家。

市場人士認為,藝術市場逐漸成熟,國界的概念已愈來越愈糊,亞洲當代藝術正在整合。一間好畫廊要能提供豐富、多元的展覽,藝術家則需要跨國界的曝光機會。韓之演就掌握這個趨勢,才能異軍突起、迅速茁壯。

韓之演旗下共有15個藝術家,包括中國大陸的鄭德龍、台灣的洪東祿、南韓的金昌謙等。每個月韓之演會在不同的畫廊推出二至三檔展覽。

韓之演在南韓國出生、成長,大學主修東方美術,以後赴北京中央美院讀研究所,畢業後曾任北京索卡藝術中心藝術總監。

2008年2月5日 星期二

未來的軌跡:台灣當代藝術展 (下)

【文/陳沛岑】

關於土地、傳說、宗教與精神性的思考

在展覽中許多藝術家的作品反映了台灣在地的氣息與特有的傳說,例如劉高興的《酷熱》、李明則的《四海一家》,透過畫筆,他們描繪了對於台灣特有的氣候、地理環境的理解;張和民的《海浦猴精》則以陶土,混合他對兒時聽過的民間故事的記憶與自我想像,捏製出一系列充滿趣味性的「猴精」作品,例如在當中可見猴精爬到屋頂上,以釣魚線絲勾拉偷取人們餐桌上的食物,面對這樣的作品,有位當地觀者說:拿坡里也有與此相似的傳說,只是在此猴精被「小精靈」取代,精靈同樣會藏取家中的物品、捉弄人們,在此意外地獲得共鳴。

應邀參展的李俊陽則選擇至現場就地作畫,在兩天的時間內,於一半開放的小空間裡,畫出一散布在四面牆上的巨型《七彩迷魂陣》,基本上這是一個人物/人偶的造型,人形的身體裡有許多他隨興致所畫的填充塗鴉,李俊陽所用的色彩與繁複的手繪圖案,讓人不禁聯想到台灣廟宇裡那些有著傳統工法的雕飾與壁龕上的畫,帶著一點水墨的筆法,當中表達了他對生活、對人的理解、宗教的看法與些許玩世的嘲諷,李俊陽說:「整件作品其實只是在講有著各種表情、不同面貌的人,而不是特別在講人的什麼事情。」當走進這個空間,在漫步、低頭、抬頭的觀看之中,也走進李俊陽的遊樂場。

而對於宗教、精神性的思考凝聚展現於洪東祿與林書民的作品之上,洪東祿展出從2002至2004年創作的3D光柵片「涅槃」系列影像作品,當中涅槃而坐的神佛被洪東祿以一科技複製再造的「小紅」取代;而林書民的《內功》為與台灣工業技術研究院合作研發的互動影像裝置,在一泛藍光的半密閉式空間中,有一個由投影生成的水池,水池的兩岸各有一張具科技感的座椅,林書民的助手邀請觀者分別對坐在椅子上頭,並替他們帶上一「腦電偵測器」,此用以讀取參與者腦中的α波,並根據α波的強度來讓池中的蓮花開花,或讓遊魚入網,當參與者的心念越平靜、越集中,池中的蓮花就會開得越大、入網的鯉魚就會越多,而蓮花有兩種不同的顏色,代表分坐在對岸兩者不同的心念,也因此讓兩方有比較、對照的依據;如曾芳玲所說:「這件作品讓觀者經驗一個互動的過程,找回我們自身或許已遺忘的神祕能量」,而這個能量是與自己的心靈對話的能力,作品營造了一個沉澱的空間,現場許多民眾對此多感到十分新奇,並躍躍欲試,在場圍觀的人也相當多。

對於人與現代社會的觀察

在展覽中,另一件帶有直接互動性的裝置作品是蕭聖健的《你可以再打我一巴掌》,在螢幕的中心,所見的是一個帶著眼鏡的大人頭,臉上的表情十分老實甚至有些靦腆,在臉頰的一邊,有個手掌型的符號,觀者可透過身體的移動操作作品中手掌的位置,比如,給作品中的人一巴掌或是一拳,掌聲落下時,投影中的人會呈現被打後的反應,例如誇張地飛出去、整張臉向左偏,但隨即其馬上會似帶著一絲苦笑回到原來的位置,等待下一個拳頭的到來,投影上頭並會出現兩行英文與義文字句,如「ok,我還不夠好」、「這都是我的錯」、「這並不痛」等,蕭聖健指出聖經上所說「若有人打你左臉,你必須把右臉也讓他打」,這種看似只有聖人才做得到的行為,他認為是現代人人必備、並經常在練習的「生活技能」,例如在工作中若被上司欺壓,可能不僅要逆來順受還得要陪笑認錯;當中諷諭與阿Q精神不言而喻,同是使用互動媒體,他呈現的是與林書民迥異的思考路線,關注在生活中人與人的互動關係。

呂沐芢的作品《有完沒完》延續這個「人」的主題,進一步對現代生活中人的狀態、身體意識、內在的自我意識提出思考,他在一長條形暗室空間中的兩面牆上作呈現L狀的三個序列投影,影片裡的人物是同一個裸身的男子,在第一個影片裡他一動也不動,臉上的表情呆滯僵直地站在中心、看著前方面對觀者,而有許多他的分身,不斷走進又走出他的身體,在此身體像個軀殼;第二個影片中有許多從左、右作橫向走動,偶有停頓的人,像是處在作選擇但又無法抉擇的狀態;第三則是裡頭的人物開始激烈地互毆,展現對立與衝突,空間中三個影像配合著像是從身體裡發出的急促低喃、吼叫、低頻聲響,將觀者拉入一個不安的狀態裡;呂沐芢自言:「在作品裡我談的是一個自我認同的問題,以及人們對於當代生活的焦慮」;此作品除了被選作為展覽圖錄的封面、展覽海報外,也受到不少當地觀者的肯定,認為除了反映當代的焦躁衝突,作品也十分具有強度與渲染力。而其他參展的還有曾於2005年獲得「高雄美術獎」的黃勝彥,其作品《心相》以寫實的手法描繪無數雙交疊在一起的手,有些指頭是變形、年老的、稚幼的、健康的,在寂靜中透露衝突的力量;許哲瑜則帶來創作於2005年的「所在」系列作品。

一個不重北輕南的「台灣當代」

台灣雖然不大,但長時間以來,有不少人指出台灣的藝術圈有重北輕南的現象,相較於北部地區藝術家的活躍,南部或許由於地緣關係,藝術家在展覽的曝光或活動的參與上顯得較為沉潛,但觀看這次至拿坡里展出的藝術家名單,隨即能讀出與過往對於「台灣當代」不盡相同的詮釋;例如參展的藝術家除了幾位是在國際上已具知名度、或活躍於北部外,當中有半數以上是出身、長期活動於中南部,特別是高雄一地的藝術家,這無非與高雄市立美術館同為此展的主辦單位有絕對的關係,然而藉著這樣的南北組合,多元相異、不同的創作型態與思考在此發聲,帶來「台灣當代藝術」更多的可能性,亦豐富了其中的內涵。

註1:德芮根娜薇克(Julia Draganovic)於受訪時指出:義大利的當代藝術家在如何面對義大利的傳統、處理自己的過去時,表現出些許困難,選擇忽略或是保守的承接是兩種顯著的態度;並且,當地的民眾歸因於義大利有悠久的藝術文化歷史,在面對當代藝術作品時,在態度上也是相對保守的,因此她企圖藉著策畫這個展覽,展現台灣藝術家如何與過去共 生、把傳統文化孕生的能量養分轉化為當代的藝術語言,來為當地的藝術家、民眾帶來一些啟發。
註2:本文所引用關於策展人與藝術家的論述,若無特別註記,皆出自筆者於 11月與策展人及藝術家的訪談。

【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】

未來的軌跡:台灣當代藝術展 (上)

【文/陳沛岑】

2007年11月中至今年2月25日,在義大利的拿坡里當代美術館(Pan | Palazzo delle Arti Napoli)有個別開生面的「台灣當代藝術展」,展覽囊括12位台灣藝術家作品;這對於台灣或義大利都是個相當難得的經驗,以台灣藝術現況為例,除了藝術家個別受國際策展人之邀至異地參展、至國外藝術村駐村發表,以及參與「威尼斯雙年展」(La Biennale di Venezia)台灣館展出、北中南三地美術館與巴黎台灣文化中心、紐約台北文化中心的合作展外,藝術家在國際平台上曝光的機會是偏少的,特別是以群展的模式;而對拿坡里當地的人們來說,可較完整地接觸、認識台灣當代的創作亦是頭一遭;然而,在這樣一個展覽裡頭,策展人所欲帶給觀者的是什麼樣的「台灣當代」?作品透露的又是什麼訊息?

面對過去.創造未來的新路徑

此展的主策展人為去年剛上任拿坡里當代美術館館長的德芮根娜薇克(Julia Draganovic),她在2005年12月時,曾以紐約雀兒喜美術館(Chelsea Art Museum)館長的身分拜訪台灣,在短暫的停留期間,她每天大量且快速地自北至南看了許多台灣藝術家的作品;其於受訪時表示:在當時,中國當代藝術在紐約已經很「流行」了,她對那並不陌生,然而在一趟她稱之為「探索的冒險旅程」中,台灣當代的藝術作品深深撼動了她,她覺得台灣的藝術創作與中國藝術家的作品有很大的不同,前者高度的完整性、高品質是讓她驚訝的,其中,最觸動她心底的是——台灣雖然是個非常現代化的地方,許多創作呈現出當代的氛圍,就技術面而言作品亦十分成熟,但以一個外來的旁觀者身分來看,其覺察到一個重要的特質,也就是:即便許多作品有濃厚的創造性,但藝術家們並沒有忘卻他們的出身、中國的傳統、歷史文化(如佛、道家思想、宗教信仰等),這些元素既模糊又清晰地縈繞在許多作品上頭,甚至成為創作的養分,在當中她看到了一種除了拋棄、忽視傳統之外,「如何面對過去、與過去共生」的新路徑(註1);此外,她認為藝術家們不約而同地探討某種精神性的議題,而作品與創作者自身的關係是較為密切的,在創作中討論自我的生命狀態、對「人」的關注相當多;而上述這兩條她所覺察並感興趣的支線,在日後成為其形塑、策展的主軸。

因此,當她回國後,便積極地企圖籌畫一個關於台灣當代藝術的展覽,在她與此展的協同策展人曾芳玲(高雄市立美術館展覽組組長)歷經長時間的討論、努力之下,一名為「未來的軌跡」(Footprints into the Future)的台灣當代藝術展於焉成形,並藉著作品為兩地的人們展開對話的序曲。

歷史的回望

開幕展當天,近百位的觀展人潮湧進美術館內,當地的藝文媒體記者也來了近十位,在觀展後,訪問了幾位媒體朋友與現場觀展的民眾,發現最受大家肯定、並表示帶來最大震撼的作品集中在幾位固定的藝術家上頭,在此我想先談的是陳界仁的作品。其展出的是作於2003年的《加工廠》,近30分鐘的錄像,道出為加工產業奉獻一生青春的女工們的故事,影片由一荒廢的工廠中,兩個白髮蒼蒼的女工以若拉國旗的方式展示一件藍色外套拉開序幕,陳界仁跳脫線性的敘事時間,在作品中加入些許黑白的廣告,透過影像的剪輯、穿插帶觀者回頭凝視一個被遺忘已久的歷史,一個1960至1990年代台灣勞力加工需求量由劇增到沒落的時光,他以極緩慢的鏡頭推移速度逼著觀者感受他想傳達的意念,他拍攝這些女工規律、一致性的工作內容:踩踏縫紉機、午休、工作、下班,近距離凝視她們年老時踩踏著縫紉機踏板的浮腫腳板、瞇著眼睛屢次費力穿針線而穿不過的表情……到最後整個加工廠被拆除改造成股票證券交易所,整段影片沒有一句對白,但在靜默中透露一股令人毛骨悚然的巨大張力;在觀看作品的同時我偷瞧著坐在身旁的觀者,他們的神情多相當凝重,並且大家幾乎都等作品播完一輪才起身,而這也是普遍被認為最撼動他們的作品。

涂維政的《出世神蹟——神祕的卜湳文明遺蹟特展》,對於歷史採取與前者不同的態度與介入方式,在二樓的主展場空間中,其延續舊有的卜湳文明系列作品脈落,刻意營造一「假造的考古遺址特展」,涂維政參考馬雅、印度、中國等古文明遺物重新轉化、發展出屬於他的私人神話與神蹟,現場一件件的「古物」旁,煞有介事地被標上號碼、材質、出土年代,並被置放在透明壓克力保護箱中,只是這些人造古物中,訴說的是他對於現代科技、網路時代下生活的詮釋,例如在一仿造的千佛龕的石碑上,洞穴裡居住的不是神佛,而是一個個拿著電腦,自慰中的木頭人,在石碑的中心處有一個受大家朝聖的電腦「主機神」;涂維政說:「網路、電腦已成為現代人的必備物,每個人躲在自己的小房間裡上網,透過網路聯繫他人,也企圖藉此消除自己的孤寂,但上網這件事像極了精神自慰。」(註 2)而在狀似埃及羅賽塔石(Rosetta Stone)上刻畫的文字也被涂維政以電腦亂碼取代,或刻畫以滑鼠、隨身碟的USB線纏繞出狀似中國的卷草紋樣;而其最新力作《混沌之門》也首度曝光於此,他表示其想跳脫古物的「擬仿」,創造自己的「卜湳型置」,許多觀者對他如何對傳統做出新的詮釋、融合現代的思考感到十分有趣。

【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】

2008年1月31日 星期四

Rosenthal quits Royal Academy after 31 years of blockbusters

· Flamboyant exhibition head to be special adviser
· His shows popularised the ancient, obscure and new

# Martin Hodgson
# The Guardian,
# Thursday January 31 2008

Sir Norman Rosenthal, the flamboyant and sometimes controversial head of exhibitions at the Royal Academy in London, is to step down after 31 years. During his time at the academy, he helped transform it into one of the world's greatest exhibition spaces with blockbuster exhibitions, including the first show to introduce Britart to a wider audience, the Monet exhibition in 1999 and the current exhibition of 19th and 20th century masterpieces from Russian collections.

He will continue planning new exhibitions as a special adviser to the RA, but will also work as a freelance curator in the UK and abroad.

"It's quite a difficult decision. I've taken it after deep consideration and there's a certain sentimental sadness attached to it," he told the Evening Standard. "The Royal Academy is being very accommodating. I'm going to be special adviser on exhibitions and, hopefully, curate some without going to the endlessly boring meetings. At the risk of sounding vain, people have begun to identify me with this place. It may be objectively, subjectively, unhealthy."

The search for a replacement will start next month. But after so many years at one of the capital's most influential institutions, Rosenthal will prove difficult to replace, said Sandy Nairn, director of the National Portrait Gallery. "I doubt whether one person could possibly fill Norman's shoes. His contribution was really exceptional, both in terms of the important work he did, but also the range of work. It's extremely unusual to find an exhibition curator who has done fantastic cutting-edge contemporary art but also arranged brilliant historical shows of both European and non-western art," he said.

Although Rosenthal has no formal qualifications in art or art history, he is credited with mounting a series of landmark shows which popularised the ancient, the obscure and the new. Admired as he is for his curatorial talent, he also gained notoriety for his abrasive personality: he once spat at a critic at an opening.

Rumours that he would leave first emerged in 2004 after Lawton Fitt became the first woman to be appointed as the RA's secretary. She resigned after a year of crises, including a bitter feud with Rosenthal. More recently, there were reports of tensions with the current chief executive, Charles Saumarez Smith, although both insist they remain on good terms .

Rosenthal, 63, played a key role in organising the RA's current blockbuster, From Russia, spending three years negotiating with Russian authorities to borrow works from their collections.

2008年1月27日 星期日

2008台北雙年展策展人公布,明年9月與七城市同台較勁

【文/吳嘉瑄;】

北美館日前公布了2008「台北雙年展」的雙策展人名單,將由甫於去年獲頒紐約巴爾德策展人學院(Mesuem of the Center for Curatorial Studies at Bard College)的「卓越策展獎」的瓦希夫.寇東(Vasif Kortun),以及曾擔任2000年台北雙年展的徐文瑞共同策畫。此次是寇東與徐文瑞的首度合作,關於雙年展的細節,將等到12月初兩人到台北會面討論後,於12月中正式對外公布。

現任土耳其「平台當代藝術中心」館長的寇東,策展經驗豐富,曾擔任多項知名雙年展與藝術機構的策展人,如1992與2005年「伊斯坦堡雙年展」(Istanbul Biennial)策展人、1998年策畫「威尼斯雙年展」(La Biennale di Venezia)土耳其館;以及許多大展與藝術機構的評審與顧問。堅持突破自身「土耳其框架」的寇東,也致力於讓土耳其走出自身國家框架,他的這番理念若帶進台北雙年展,或許將提供台北另一種展現自我的方式。

而關於再度邀請徐文瑞一事,針對外界對於策展人重複的疑慮,北美館展覽組組長張芳薇表示,明年「新加坡雙年展」(Singapore Biennial)同樣又邀請了去年的南條史生策展,策展人是否需要重複可以再討論,但策展人之間攜手合作出精彩的展覽才是更重要的。

另一項重大消息則是原本於11月舉辦的台北雙年展,明年決定將提前至9月舉行。北美館館長謝小韞說,亞洲目前的雙年展潮方興未艾,此舉已成為重要的城市行銷與競爭的項目;明年9月亞洲共有七個城市同時舉辦雙年展,包括:韓國光州、釜山、日本橫濱、上海、新加坡、雪梨、廣州等,而已舉辦五屆的台北雙年展自當不能缺席。同時,她也特別就今年6月公布的「藝術羅盤計畫」(Art Compass 2008)獨缺台北一事作解釋,她表示,許多人會質疑台北是否已被邊緣化,其實並無,而是由於時間上無法串連、其他城市原以為台北仍於11月舉行所致。

對此,張芳薇則進一步補充說明,2008年亞洲雙年展將呈現「綺麗景象」,各城市之間可形成良性競爭,台北雙年展提前舉辦,將會離雙年展國際論壇核心較近,有助於台北的成長;且同時與其他城市較勁並不一定會被「犧牲」,因為每個城市與雙年展都有自己的特色與方向,不致重疊。

此外,謝小韞也表示,明年的台北雙年展將會擬定國際聯盟策略,與其他城市合作,並且也會串連、整合台北同時間重要的藝術活動,如畫廊協會的「台北國際藝術博覽會」等,擴大台北能見度,為此,北美館目前編列送審的預算就從上屆的1,000萬大幅成長至3,400萬元,預計經費將投入於更多的展覽與宣傳行銷上。同時,台北雙年展也將嘗試走出戶外,欲以更多元的方式行銷台北;而展點目前仍在尋找中,可能的方案之一是選擇文化局所屬的展點。

【典藏今藝術2007年12月號。】