| 【富比世／Nicola Ruiz】
《Place Branding and Public Diplomacy》雜誌編輯兼《2008 City Brands Index》（2008年城市品牌指數）調查（上月公佈的排名就基於該調查）作者 Simon Anholt 表示：「倫敦的唯一不利因素就是它的安全性和消費水準。」Anholt 還與城市及國家政府就提高其國家聲譽的政策、投資和策略進行了諮詢。他說：「但是這兩個因素也幫助提升了其形象：如果太安全，人們就感覺不到刺激，如果消 費水準太低，它的受尊重度就會降低。」 名列前10的城市還包括澳洲雪梨、羅馬（義大利）、西班牙巴賽隆納、澳洲墨爾本、柏林（德國）、荷蘭鹿特丹、和西班牙馬德里。 數字背後 Anholt City Brands Index（Anholt 城市品牌指數）對18個國家的18,000人進行了調查。評判城市的標準包括生活方式、口碑、文化多元性、文化生活和吸引力。比如，受訪者會被要求根據氣 候和天氣、污染程度以及建築和公園的外表吸引力列出40佳城市。他們被問及他們所預期的每個城市人們的熱情度，以及每個城市在過去30年裏在科技、文化和 政治領域對世界的貢獻大小。 Anholt 說：「較精明的政府一直以來都將他們的城市看作是一個需要向外推廣的品牌。但全球化的後果之一就是城市之間對遊客、投資者、企業和重大盛事的競爭變得空前激烈，因此適當注重聲譽現在已經以一種以前所未有的方式加以強制。」 酷都 倫敦位居榜首，這部分歸功於全球近三分之一的人口（包括澳洲、印度和加拿大）與英聯邦有聯繫，並將倫敦視為世界金融、時尚和音樂之都。之前宣佈的2012年奧運會舉辦權又給這座城市貼上了一枚時尚的印章。 其孕育超凡魅力領導人的能力也沒有減弱。在1997年掌權之際，首相東尼‧布萊爾 (Tony Blair) 推出了「酷不列顛」(Cool Britannia) 計畫，旨在將倫敦定位為一個酷而時尚的新銳城市，展現在世人面前。這個推廣口號旨在嘗試為英國重塑一個進取、有遠見且多元化的形象，並同時推廣 Oasis、辣妹 (Spice Girls) 和 Blur 等英倫搖滾品牌。 這似乎起了作用。美國西北大學 (Northwestern University) 國際行銷學教授、40多本區域行銷著作作者 Philip Kotler 表示：「這裏有悠久的歷史和多元文化的人口。這裏是世界金融中心、藝術中心及文物中心，並有著生機勃勃的能量。」 關於巴黎排名第二，Anholt 表示，在贏得這一領先位置方面巴黎所做的努力少於其他城市。自20年前的 Arche de La Defense 至今，巴黎就沒有出現新的著名建築，最近也很少舉辦過受大眾喜愛的盛大活動。Anholt 說，與羅馬和米蘭一樣，巴黎是坐享其成。 他表示：「巴黎是最時尚的城市之一，這幾乎成了一種陳詞濫調。但它卻已發展成為一種全球性的流行文化。尤其是在發展中國家，人們都期望能在法國享受美食、時尚以及精緻的生活方式。多年後它可能會變成一座糟糕的城市，但它卻不會因此失去這種聲譽。」 不管怎樣，如果你希望置身於美景當中，那麼巴黎仍是不二選擇。當被問及哪座城市最美時，50%的受訪者表示巴黎最為迷人，而46%的人認為當屬羅馬，29%的人選擇紐約，只有5%的人認為是北京。 位居最時尚城市排行榜第15名的城市米蘭被選為對全球時裝作出最重要貢獻的城市，而華盛頓、馬德里和東京則分別在政治、文化和科技方面做出了最重要的貢獻。 當然，每座城市都有其自身獨特的榮譽需要保持。有些政府想打造一座安全乾淨的城市，而有些政府卻努力將自己的城市打造得更加酷勁十足。 Anholt 說：「荷蘭給人的印象是穩定、可靠、高效、富有和無趣。而阿姆斯特丹給人的感覺就時尚很多。這一切都是因為色情、毒品和搖滾。該城市政府希望能保持那樣鮮 明時尚的吸引力。」Anholt 稱位居最時尚城市排行榜第9名的阿姆斯特丹是少數幾座透過酷T恤測試 (cool T-shirt test) 的城市之一。「如果你將『I heart Amsterdam』印在一件白色T恤衫上，那麼它的售價比沒有這幾個單詞的白色T恤要高。」 雪梨同樣也透過了 Anholt 的酷T恤測試，該城市在最時尚城市排行榜上排在紐約、羅馬和巴賽隆納之前，位居第三位，這令除了那些在雪梨享受生活的人們之外的所有其他人都感到非常驚訝。 Anholt 稱：「每個人都熱愛澳洲。它代表了一種令人嚮往的品牌，這幾乎在《鱷魚先生》(Crocodile Dundee) 裏都有所體現。這部電影為澳洲城市的形象增添了奇跡般的光彩。該電影已風靡全球。如今澳洲被認為是一個完美的國家：熱情、富有、好客和文明。」
原文：Forbes.com The World's Most Stylish Cities
【2008-04-24 富比世】 | ||||||||||||||||||||||||||||||
2008年5月8日 星期四
時尚城市王 倫敦打敗巴黎
2008年4月30日 星期三
李暐 大陸行為藝術家第一人
大陸新聞中心／綜合報導
有大陸「行為藝術第一人」之稱的李暐，其作品之鮮活大膽，衝擊人們的視覺感官。有人甚至把他的作品，類比為一九六○年代法國最前衛及最神祕的藝術家克萊茵。
現年卅七歲的李暐接受《每日郵報》採訪時說，他的作品的最大特色即在於「獨特性和個人性」，他並以「用鮮活的藝術，衝擊我們的視覺」，為其作畫宗旨。
李暐說，他最喜愛的作品之一係《鏡子二○○○》，這是行為藝術《鏡子》實施一年多的紀錄圖片，以脖子套上鏡子為主題，表現與周圍環境對話的情境。
李暐另有一項作品《它不願這樣逝去》，最為引人側目。那是在一九九九年十月，他在北京東辛店四合院內，裸體躺在床上，狀似死亡，只有生殖器從被單中露出而堅挺。然後，把土埋上，只露出生殖器。該圖片表明「精神的不可散失與延續。」
一位藝術評論者說，第一次看到李暐的作品，就被這些鮮活的圖片所震撼著並吸引。他不像很多人質疑李暐作品的真假，而是帶著很多的不瞭解，去一幅幅仔細地欣賞，彷彿看到作者內心的敏感與平靜，又彷彿看到作者對生命的無奈。據報導，李暐的作品行情已達每幅八千美元，他的獨特風格，被類比為一九六○年代法國最前衛及最神秘的藝術家克萊茵。
2008年4月21日 星期一
歐亞鐵絲路 倫敦─孟加拉年底開通
|
在聯合國鼓勵下，一條從倫敦到孟加拉首都達卡，全長1萬1265公里的亞洲大鐵路（Trans-Asia Railroad）預定年底開通。火車旅行的熱愛者可花23天，完成行經土耳其伊斯坦堡、伊朗德黑蘭、巴基斯坦拉合爾、印度德里的這趟「鐵」絲路之旅。
星期泰晤士報報導，已有火車迷形容上述鐵路是「全球鐵路旅行之最」，它比從莫斯科到海參崴，全長9290公里，俄羅斯最長鐵路的西伯利亞大鐵路（Trans-Siberian Railway）旅程還要長得多。
根據聯合國的贊助計畫，未來數月，巴基斯坦、伊朗會將他們的鐵路與這條次大陸鐵路接軌，也首次與歐洲搭上線。
聯合國表示，亞洲大鐵路通車，將在亞洲開啟新貿易道路，同時讓前蘇聯在中亞的加盟共和國可透過鐵路，抵達伊朗在波斯灣的戰略海港阿巴斯港。
1965年印巴戰爭發生後，印度加爾各答到達卡的鐵路其後關閉逾40年，本月初重新通車後，亞洲大鐵路才得以順利延伸。
消息人士說，亞洲大鐵路的唯一障礙為，從倫敦到中國大陸雲南省再銜接新加坡時，由於緬甸人權紀錄差，可能找不到外國資金，協助重建緬甸境內距離約350公里的鐵路。
英國鐵路迷史密斯已興奮地在自己的網站Seat61.com規畫行程，先搭歐洲高速鐵路「歐洲之星」（Eurostar）啟程前往布魯塞爾，在維也納用完 早餐後，再登上火車前往伊斯坦堡換搭渡輪穿越連接歐亞的博斯普魯斯海峽。渡輪未來將被地下隧道取代，但目前，乘客有機會欣賞到聖索非亞大教堂與托普卡比宮 殿的迷人景觀。
史密斯接著打算換搭土耳其的快車，前往伊拉克與伊朗邊界的凡湖，再換渡輪，接終點為德黑蘭，車廂極其現代化的快車。伊朗已將鐵路展延到巴斯斯坦邊界，旅客可換搭巴國火車前往奎達（Quetta），再到拉合爾、印度德里、加爾各答和孟加拉達卡。
走趟鐵絲路 北路要32500元
【記者吳學銘 編譯王麗娟／綜合報導】
亞洲大鐵路計畫又名「鐵絲路」（Iron Silk Road），橫越28國，東南起自印尼，穿越北亞、中亞、南亞，進入土耳其，再連結歐洲。2006年，鐵路確定分成北路、南路、東南亞、南北路四條路線， 四條路線總距離為81,000公里。未來數月將如火如荼進行的巴基斯坦與伊朗路段，為南路的一部分。
亞洲大鐵路北路與莫斯科到海參崴的西伯利亞大鐵路大部分重疊，台灣遊客若想坐火車到英國倫敦，可取道北路進行，先搭機到香港，再從九龍搭京 九鐵路到北京，轉西伯利亞大鐵路經莫斯科到倫敦。整個行程最快需九天，不計至香港的機票，單程鐵路票價約台幣三萬兩千五百元，比坐飛機還貴，但坐臥舖，可 省下住宿費。
至於南路，連接土耳其、伊朗、巴基斯坦、印度、孟加拉、緬甸、泰國，中國雲南、馬來西亞和新加坡，至今尚未完成的路段包括伊朗東部、印度與 緬甸之間、緬甸與泰國之間 、泰國至雲南之間。未來台灣遊客想搭南路到歐洲，碰到最大的難題還是簽證，以中亞為例，幾乎都要一國一國地簽，且作業時間很長，如果中間卡住一個國家不給 簽證，就無法成行。
早在2004年，世界旅遊組織在新疆烏魯木齊集會時，就呼籲絲路經過的沿線國家，包括中國、吉爾吉斯、土庫曼、哈薩克、巴基斯坦、伊朗、土耳其，共推「絲路旅遊護照」一證通各國，但因政經條件有別，中亞又經常有戰亂，到今天還無法付諸實施。
【2008/04/21 聯合報】
2008年4月10日 星期四
2008年4月2日 星期三
中國當代藝術被狂炒 某些"當代藝術"是惡搞
當下某些繪畫作品的畫面中充斥呆滯、媚俗、色情、變態、暴力或血腥，並且被冠以“中國當代藝術”的名義，被人狂炒。一些收藏者開始疑惑了，懷疑起自己的審美取向和藝術理解能力。在被忽悠了一段時期後，更多的人清醒：這是一場對藝術進行惡搞的遊戲。
“醜惡”和“媚俗”已成為某些中國當代繪畫的時尚和潮流
某些中國當代油畫作品中的醜態圖像表現為：形態醜陋或呆板、色彩媚艷或蒼白、趣味怪異或庸俗，以及運用圖式化的政治符號。這些作品採用醜化人物、反諷政治的方式來不適當地表現中國的社會與文化。這樣的作品根本不能真正反映中國的社會文化現實狀況，也沒有任何文化方面的反思意義，而只呈現出一種模式化、片面化、庸俗化的藝術形態，是一種文化無知和思想淺薄的表現。“醜惡”和“媚俗”已成為某些中國當代繪畫的時尚和潮流，並假扮成一種前衛的姿態，影響著中國當代繪畫的主流審美思潮，以所謂“當代”的名義對藝術進行著惡搞。
五分之四以上的“中國當代藝術”作品在海外藏家手中
有數據統計，目前五分之四以上的“中國當代藝術”作品是被海外少數收藏者所購買的，他們成為擁有大量“中國當代藝術品”的大莊家。海外投機者拉動這些作品的價格，使這些作品在短時期內升值巨大，並將他們的價值標準強加給國內的收藏者。國內的資本不得不被動跟隨成為跟風者，最後，真正獲益的是少數海外投機者。由于這一收藏鏈條中，缺少真正終端的專業藏家參與，所以，被惡搞了的“中國當代藝術”根本就沒有真形成國際藝術收藏的板塊。
前蘇聯也曾經出現過所謂的當代藝術熱現象
早在二十多年前國內“85美術新潮”時期，海外某些所謂的藝術品投資者(或叫投機者)已經在一些受西方文化影響較深的東南亞和港臺地區，設下了一個文化價值觀的圈套。那些被市場所吹捧的“當代藝術”，在相當程度上折射出西方的價值觀念，之後也在中國當代藝術界產生了一定的“戰略效應”。
現在中國“當代藝術”的這些所謂的現象，過去曾經在前蘇聯和東歐等地區出現過。上世紀80年代末90年代初，當時的前蘇聯也曾經涌現出一批所謂的“前衛藝術家”，並被西方媒體大肆炒作，他們的作品價格被某些西方炒家一手操縱，一路飆升。然而好景不長，如今，這些“前衛藝術”作品身價早已一落千丈，無人問津，那些原來被西方捧紅了的前蘇聯藝術家也沒人理了。
2008年3月27日 星期四
能否經得起時間考驗 "當代藝術"高價不勝寒
近兩年，當代藝術似乎一夜走紅，國內國外天價迭出，無論是拍賣交易金額和成交率都超過了傳統國畫和瓷器，至于單件當代藝術作品，更是受到各路藏家的青睞和追逐。
2006年北京保利推出的劉小東的《三峽新移民》巨幅油畫，上拍時各路藏家你爭我奪，互不相讓，最後被國內一買家以2200萬元收入囊中；同年，老畫家吳冠中的《長江萬裏圖》油畫在翰海以3795萬元成交；2007年在嘉德拍賣會上，陳逸飛的代表作《黃河頌》獲價4200萬元，再創國內油畫新高。在海外市場上，當代藝術更是火爆，一批名望在徐悲鴻和陳逸飛之下的異軍突起，傲視群雄。以 2007年為例，這一年張曉剛的《創世篇——一個共和國的誕生》在紐約蘇富比獲價2372.31萬元；岳敏君的《處決》在倫敦蘇富比以4398.7萬元拍出；曾凡志的《協和醫院三聯畫第2幅》在倫敦菲利浦斯以4116萬元成交；蔡國強的精心之作《景觀焰火表演十四幅草圖》在香港佳士得獲價7350.5萬元，此價創下了當代藝術的最高紀錄，並為其他當代藝術作品的價格上升打開了巨大空間。而被媒體稱為藝術界“四大金剛”、“F4”的張曉剛、方力鈞、王廣義、岳敏君在海外市場上大放異彩，他們的作品動輒數百萬乃至上千萬，成為了藝術市場“天價”藝術家。從市場表現看，新一代的價格遠超過老一輩，比如蔡國強的《焰火草圖》以7424萬元力壓徐悲鴻，對此蔡國強表現出清醒的頭腦，他說：“如果你注意到與這個市場熱度相比，世界上對中國當代藝術的研究很冷淡，你就不會因為高價而得意。在紐約現代藝術博物館的20世紀藝術回顧展上，中國的作品少得與它的市場價格完全不成比例……說明高價並不意味著藝術成就。”
那麼，當代藝術究竟能否經得起時間和歷史的考驗，這是廣大收藏者和投資者所關心的。面對當代藝術價格如此局面，有的媒體認為是炒作，有的專家認為是泡沫。總之不少人對當代藝術的前景表示擔憂。美國波普藝術領袖沃霍爾曾說過：“在今天創作和出售的繪畫和雕塑作品中，只有0.5%在未來30年中能夠保持市場價值。”這意味著絕大多數當代藝術品價值被高估，經不起時間和歷史考驗。有的若幹年後消失得無影無蹤。由此可以看出藝術市場是多麼的殘酷、風險是多麼的大。而對中國當代藝術價格問題，也有專家認為是合理的，比如被英國報紙稱為“藝術女王”的路易斯·布勞恩認為，價格沒有離譜，但問題在于要保證博物館有辦法得到這些作品，而中國藝術家也必須在博物館舉辦更多的展覽，為他們自己打下堅實的基礎。
所以，無論是認為當代藝術有泡沫，還是看多當代藝術投資者，最終要用時間和歷史來檢驗。不過，炒作名家油畫的現象已經有前車之鑒。記得十幾年前，日本經濟崛起，日本人在世界藝術品市場上出手闊綽，梵·高的《向日葵》、《鳶尾花》和《加歇醫生肖像》均被日本人買去。這個時候，很多收藏家以為印象派會有升值空間，于是，大量三四流印象派作品流入日本。上世紀90年代日本經濟的衰退，當初高價買來的畫以斬腰一半的價格都沒人要，但是梵·高的畫價格卻要堅挺得多。由此看來，精選作品並以合適的價格吃進才能立于不敗之地。
文/一俊
2008年3月25日 星期二
拍賣場上 百花齊放
【撰文／SONIA KOLESNIKOV-JESSOP】
當時林壁興才三十八歲，在貿易公司上班。那天他陪着公司總經理前往新加坡手工藝中心，來到陳文希的畫廊，準備買幾幅畫裝飾新辦公室。早在三十年前，陳文希就是夙負盛名的傳統水墨畫大師，以高超手法融合了西方繪畫觀念與中國水墨技巧。
林壁興的上司選了幾幅傳統風格的水墨畫，林壁興自己挑了一幀較具現代感的小幅作品，主題是水墨蓑羽鶴，以立體主義風格呈現。
「這幅畫在陳文希的作品中還算便宜，所以選了它。」林壁興回憶往事，呵呵笑道：「不過還是花了我五百元新加坡幣(約美金三百三十元)，在當時可是相當大的數目。」雖然林壁興只因「喜歡」而買畫，但這筆投資相當值得──最近的一場拍賣會上，陳文希一幅水墨畫的成交價高達一萬二千五百美元。
林壁興也萬萬料想不到，過去三年來，亞洲藝術家的作品竟然炙手可熱。蘇富比公司在二○○六年拍賣的亞洲藝術家作品，總金額高達七千零三十萬美元，比起二 ○○五年增加將近四倍，且為二○○四年熱潮興起前的二十五倍。中國大陸藝術家的作品尤其水漲船高，讓其他地區望塵莫及；他們過去只能為宣傳服務，談不上什麼報酬，如今的行情卻在亞洲市場名列前茅，在全球當代藝術市場也令人刮目相看。
著名中國藝術家徐冰說：「我這一代原本對藝術品市場沒什麼認識。我們從小就深信，藝術只是宣傳工具。」徐冰現年五十二歲，長居紐約。當年他初出茅廬，畫的是毛澤東肖像版畫。
一直到一九九○年代末期，像徐冰這樣的版畫家，同一件作品通常都只印兩幅，一幅參加畫展，一幅自己保留。他們創作完全是為了展出，並不在意展覽結束後作品的去處。
這位觀念藝術家要歷經十年光陰才體認到他的創作身價。徐冰第一場大型個展「天書」於一九八八年登場。他花了一年時間，用梨木雕刻四千多個自創的方塊字，印在幾百冊大書和古代經卷式卷軸上。一位美國收藏家買了一卷四冊，只花了一百三十美元。但在二○○五年的一場拍賣會上，其中一冊《天書》以十四萬八千二百美元拍出。
裝置藝術家林天苗說：「實在想不到中國藝術品發生這麼快速的變化，這麼地欣欣向榮。」幾年前，她根本想不到自己的作品可以賣到今天的價格。
這股風潮從一九八○年代開始興起。當時正逢理想主義風行全中國，文化大革命黑暗年代已逝，新生代藝術家期待為復興中華文化盡一分心力。
上海香格納畫廊創辦人何浦林憶述：「那時候的藝術家滿懷熱忱，勇於實驗創新，這些特質在『中國現代藝術大展』表現得淋漓盡致。」
一九八九年，「中國現代藝術大展」於北京中國美術館舉行，是第一場以中國當代藝術為主題的大型展覽，展出流派風格各異。其中有幾項表演藝術甚至被人視為離經叛道(例如用槍射擊一具裝置藝術作品)，導致展覽屢次被公安局強迫關閉。
就在同一年，天安門事件爆發。中國新世代藝術家的精神也銷聲匿跡。
天安門事件落幕後，藝壇蕭瑟。藝術家以北京為中心，倚賴外交官、企業家夫人、新聞記者支持贊助。何浦林說：「不少藝術家遷居海外，在紐約與巴黎落腳。」
二○○六年，曾梵志的《面具1999 No. 3》在一場拍賣會中創下八十一萬六千四百美元的天價。他年輕時也曾上北京闖蕩，結果連展出作品都有困難。
曾梵志追憶當時情形：「展覽還沒開始，就有人上門說是有問題，不准辦展覽。他們不明講哪一幅畫出事，只拿消防安全法規之類的理由當幌子，而且往往開展前一個小時才通知。」曾梵志早期畫作經常描繪醫院與肉品市場的血腥場景，那是他家附近常見的景象；但官員質疑這些血淋淋的畫面是影射政治。他回想當時心情：「我嚇壞了。」
當年藝術家的日子確實很不好過，林天苗也難以忘懷：「展覽只能在自己住處舉行，時間不過幾個小時。當天開幕，當天閉幕，偷偷摸摸。」
天安門事件陰影籠罩一九九○年代，藝術家惴惴不安，而且找不到買家，只有香港幾家畫廊還舉辦大型展覽。何浦林說：「對於大部分國家而言，尤其美國，一九八九年後的中國是化外之地；中國當代藝術也乏人問津。」
突然間，情勢丕變。由於經濟突飛猛進，國民所得節節高升，中國成為全球傳播媒體焦點，形象轉為正面，世人對中國的人事物無不好奇，中國藝術品市場從此一飛沖天。
二○○四年，蘇富比在香港舉辦第一場當代中國藝術品拍賣會，買家反應非常踴躍。
蘇富比亞洲及澳洲地區副主席司徒河偉說：「情況之熱烈出乎我們意料，顯然這是一個潛力無窮的市場。不只香港，許多地方的買家都躍躍欲試。」蔡國強的《為龍年所作的計劃No. 3》運用古代中國人發明的火藥創造出一幅「畫作」，以十一萬五千六百八十六美元成交；岳敏君的《向日葵》以他最具代表性的笑臉圖像為主題，也賣出七萬七千一百二十四美元的好價錢。
二○○七年四月，蘇富比復於香港舉行亞洲當代藝術拍賣會，司徒河偉親自主鎚。當天會場人滿為患，主辦單位臨時加了好幾張座椅。那天的成交總值是五千二百八十萬美元，創下新高。眾所矚目的徐悲鴻油畫《放下你的鞭子》以九百二十萬美元拍出， 更打破中國繪畫以往的紀錄。
中國藝術家作品數量與價格步步高升，買家背景也不同以往。蘇富比中國當代藝術部主管林家如說：「二○○四年我們在香港舉行第一次拍賣會，只提供五十件作品；買家有七成來自歐美國家，亞洲買家只占了三成。第二年，歐美和亞洲的買家平分秋色。到了二○○七年，亞洲買家占了四分之三。」
買家背景的轉變，反映了中國與亞洲其他地區經濟的快速發展；年輕一代的企業家快速累積財富，有閒錢大手筆購買名車、房地產、藝術品。司徒河偉說：「這類收藏家往往選購與他們同一個年代且能產生共鳴的作品，而非緬懷過去。」
歐美買家偏愛政治意味濃厚、普普藝術風格的作品，但中國買家青睞新寫實主義，陳丹青(以描繪西藏的鄉村、山水與牧民而知名)與王沂東、陳逸飛都是這個流派的佼佼者。
林家如說：「這一代中國買家在文革中成長，因此特別喜愛新寫實主義藝術家。他們的作品容易理解，主題環繞中國風情，例如鄉野美景或傳統的內地生活。」
買家爭相收購亞洲作品蔚然成風，藝術家與經紀人多樂見其成。但也有人擔心炒作風氣太盛，未來恐怕引發危機。林天苗說：「買家有兩種：一是投資型，收購之後很快就脫手；另一種則是真正的藝術愛好者。很不幸，許多買家收購藝術品憑的是人云亦云，而不是眼光獨到。」
此外，今天的市場雖是欣欣向榮，為中國藝術家帶來可觀財富，許多藝壇人士卻另有所見。曾梵志說：「我很擔心，因為大家關注的是拍賣價格，而不是藝術家或作品本身。有些藝術家為了金錢而創作，這一點我不敢苟同；我的許多同行也是這個看法。藝術家不能以賺錢為終極目標，應該努力創造有靈性、有理念的作品。創作時如果只想到金錢，作品一定有問題。」
目前不僅中國藝術家作品價格屢創新高，其他亞洲國家，如印度、日本、韓國的藝術市場也交易熱絡。司徒河偉說：「我個人覺得，在技巧上，有些韓國、日本的藝術家比中國藝術家更有意思，讓人眼睛一亮，只不過他們沒有『中國』這個因素推波助瀾。」
頂尖藝術家的行情持續發燒，但許多後起之秀的作品價格平易近人，說不定就是明日的徐冰或曾梵志。林壁興身為藝術愛好者的經驗之談是：「長江後浪推前浪，永遠會有精彩絕倫的新一代藝術家出現，而且作品價格不會太昂貴。收藏家不必迷信藝術家的名氣，要買，就買真正能夠感動你的作品。」
他強調：「作品價格不貴並不代表價值不高；說不定這位藝術家不鳴則已，一鳴驚人。」
【讀者文摘2008年3月號】
2008年3月19日 星期三
「藝」股熱談 (下)
另一市場的「中國現象」
在作進一步申論之前，幾個落在中國當代藝術之外的參考點，尚須一提。首先，另一市場裡也有「中國現象」。「埃雪富時新華25基金」（iShares: FTSE/Xinhua 25），這一支追踪中國股指數的基金（紐約證券交易所股票代號：FXT），2006年3月31日的收盤價為74.28美元，而蘇富比在紐約首度舉行亞太當代藝術拍賣，就在這同一天。至於2007年10月5日，最近一次香港秋拍前一天的禮拜五，FXI收盤在191. 61美元。因此，這一支中國指數同樣在這18個月內上漲了約158%──未若蘇富比紐約亞太當代藝術拍賣的總額可觀，但以股票指數言，怎麼看都是很顯著的漲幅。不止FXI股票以蘇富比拍賣平均價的一小部分就可以買到，而且流動性極強；雖然成交量（交易的股份數量）每天有別，但是，2006年3月31日的成交量是267,100，2007年10月5日則是5,824,300──增加了20倍。這裡的重點，不在於把中國當代藝術當投資，拿來和股票指數基金比較，二者各有其利益，也有其風險。這裡要說的是，同一期的這18個月內，股市指數飆漲加上畫作成交量暴增，顯示在這期間熱門的不僅只是中國當代藝術而已。凡是和中國沾得上邊的──尤其是和中國大陸沾得上邊的，只要不是最近屢登頭條的瑕疵消費品就好──幾乎全都很「火」。
驚人的增值幅度
現在再回頭談「藝術」。2004年11月9日晚上，我就正在蘇富比的夜拍現場，那時羅斯科（Mark Rothko）1954年的漂亮大畫《No.6（Yellow, White, Blue over Yellow on Gray）》，以1,736.8萬美元賣出（內含蘇富比佣金），遠遠超過預估的900至1,200萬美元。這樣的金額，看來應該是要咋舌才對；賣主當然很是高興（賣主是慕欽(Robert Mnuchin)，由高盛(Goldman Sachs)高層退下來轉任藝術經理人）。這一幅作品上一次在蘇富比公開拍賣，是1987年5月，售價是92.4萬美元，由此可知這17年的年報酬率是眾所豔羨的18.2%──若真要把這樣一件空靈脫俗的畫作用粗俗的金錢價值來玷污的話。那一晚的拍賣成交總額，達9,350萬美元，創下15年來的新高。先前的拍賣紀錄，是1989年11月創下的──時間正好在藝術市場出現世人難忘的倒栽蔥，直墜而下久久無法翻身的前夕。
當然，2004年11月羅斯科的買主一樣可以好好高興一下：由於買得起的人愈來愈多，羅斯科的重要作品一幅現在就算賣1,740萬美元，還根本像是撿到了便宜！大衛和佩姬．洛克斐勒（David and Peggy Rockefeller）夫婦收藏的羅斯科1950年略小一點的《白色中心（在紅色上的黃色、粉紅和紫色）》（White Center(Yellow, Pink and Lavender on Rose)），在2007年5月的蘇富比拍賣，以7,284萬美元落槌。這一幅畫是洛克斐勒家族於1960年向席德尼簡尼斯藝廊（Sidney Janis Gallery）購入的，此後便一直在該家族手中。雖然《白色中心》絕對是兩幅作品裡面比較重要也比較好的，但兩幅畫的售價，依然可以拿來約略大概算一下羅斯科的重要作品從2004到2007年增值的幅度：約319%。
全球當代藝術市場普遍旺盛
5月15日蘇富比的拍賣所得，高達2億5,490萬美元的巨量，較諸2004年11月破紀錄的成交額，增加達172.6%──雖然其間有很多紀錄都已經破過了。我記不清楚5月15日的成交金額是否創下新的紀錄，但從數字一直往上飆的情況來看，作記錄就顯得沒有多少意義了。第二天晚上，佳士得緊跟著舉行拍賣會，一別苗頭，賣出74件作品，金額高達3億8,470萬美元。那一場拍賣會最搶眼的作品，是沃荷（Andy Warhol）1963年的《綠色車禍──火燒車》一號（Green Car Crash—Burning Car I），90x80英吋的經典之作，以7,172萬美元賣出，預估價是2,500萬至3,500萬美元。那一場拍賣會也拍出了沃荷1962年的《檸檬黃夢露》（Lemon Marilyn），20x16英吋的帆布畫作，以2,804萬美元賣出（預估價未公布）。等到了5月16日晚上落幕，拍賣會上出手的十幅沃荷作品，已經進帳高達嚇死人的13,670.4萬美元，羅斯科1961年的兩幅精緻作品，進帳436萬美元，一幅德庫寧（Williem de Kooning）賣出1,910萬美元，一幅瓊斯（Jasper Johns）賣出1,740萬美元……總共有26位藝術家的作品，創下新的拍賣紀錄，有65件作品的售價超過100萬美元，74%的售價都高出高預估價……事情就這樣。
這倒不是在拿羅斯科、德庫寧、沃荷或是瓊斯作品售出的天價，來和中國當代畫家的售價作比較，中國當代畫家的售價雖然已經狂飆，但還是比較低。這樣的比較，以藝術史的角度來看，在我只覺得荒謬之至；這比較我稍後會再回來略談一下。反之，這裡東一串000、西一串000，為的是要指出現今旺的不僅只是中國當代藝術，現代和當代藝術市場，有很大部分全都跟著很旺。前幾百年裡，當代藝術從來未曾在同一時間，吸引到這麼多人注意，而且，還是在錢潮好像取之不盡、用之不竭的時候。「這年頭不值錢的東西就只剩錢」先前我有一位德高望重的同儕，就跟我說過這一句話。
總之，迷「中國東西」的人變多，對當代藝術的興趣變廣，市場的錢坑像是無底洞，價值低估的新興風險性資產大爆炸隨之冒出投機客──這些加總起來，就創造出絕對完全的環境，供中國當代藝術發展。而中國當代藝術由此會再往哪裡去，每個人都像掐指神算，只是，有的人算得準，有的人算不準──其他人則是用推論的吧。不過，過去這三年我們目擊的發展速度，無疑是無法持續下去的。沒有哪一資產類別可以用每六個月擴張30％以上的速度發展下去，漫無止境。這樣的動能──到目前為止跑得還真是快──終究有耗盡的一天。這不是說價格一定會往下跌，或不再往上爬；只不過，價格終有一天是沒辦法跟最近一樣攀升得這麼快。只是在飆得暈頭轉向的市場裡，只要一有平盤的走勢，在有些人，可能就覺得像是天塌下來了。
未知的歷史定位，無法比較的價格
所以，若是羅斯科或沃荷的一幅作品都可以賣到7,200萬美元，另外還有很多畫家也都可以輕易就賣到500萬美元或1,000萬美元以上，那麼，有誰看到張曉剛或是岳敏君的作品標價為幾百萬美元之後，就該瞠目結舌的呢？若分開來個別看，當然不必。只不過，拿沃荷去和岳敏君或是王廣義──舉例罷了── 作比較之所以禁不起推敲，不僅在於沃荷是沃荷，而別人都不是沃荷；光這樣子看，幫助不大。這樣子作比較很笨，是因為蘋果和橘子雖然是在同一區域市場用同一類貨幣在作買賣，但用二者的相對訂價來判斷蘋果或是橘子的本然質素，未必特別有用。沃荷在1960年代以降的藝術發展太過重要，影響也太長久──而且遍及全球，王廣義的作品即為明證（艾未未的創作手法也是）──20世紀少有藝術家可以與之相提並論者，尤以20世紀後半葉為然。沃荷之所以重要，是因為大家在後世藝術家的造型策略和創作手法上面，一直都看得到沃荷的遺緒，而且是遍及全球。而這一點，是否就可以證明7,200萬美元的標價合理呢？我不知道。不過，管你喜不喜歡他，沃荷的作品和生平，確實是後世發展的基石，而且，現今看起來，這一層關係還要更切近。沃荷自己就說過，「我喜歡把鈔票掛在牆上。你若要花20萬買畫，那我看你還不如把這些鈔票捆好直接掛在牆上就好。這樣，有人到你家去，最先看到的就是牆上的鈔票。」
沃荷於1987年過世，得年58。中國當代藝術市場的超級巨星──大部分都生於1950年代末至1960年代初──看來都還有好幾年餘裕可以追趕，再讓我們拿他們的作品去和沃荷終身的創作作評比。不過，我們也該記得，沃荷的市場本身在1980年代和1990年代早期也是很低迷的。所以，或許還要過個 20年，我們才有辦法真的來比較個別的中國當代藝術家在市場上該有的地位，及其於國際藝壇引發的迴響和有何重要的影響──也就是：他們於同輩和後世有多大的衝擊。就是因為這樣，我才說拿羅斯科、沃荷或瓊斯來比較價位會顯得似是而非：這連說拿中國蘋果和西方橘子在比也不算，這簡直就是拿不同世代摘下來的果子在比，產出國是哪裡就根本別提了。荷於1987年過世，得年58。中國當代藝術市場的超級巨星──大部分都生於1950年代末至1960年代初──看來都還有好幾年餘裕可以追趕，再讓我們拿他們的作品去和沃荷終身的創作作評比。不過，我們也該記得，沃荷的市場本身在1980年代和1990年代早期也是很低迷的。所以，或許還要過個20年，我們才有辦法真的來比較個別的中國當代藝術家在市場上該有的地位，及其於國際藝壇引發的迴響和有何重要的影響──也就是：他們於同輩和後世有多大的衝擊。就是因為這樣，我才說拿羅斯科、沃荷或瓊斯來比較價位會顯得似是而非：這連說拿中國蘋果和西方橘子在比也不算，這簡直就是拿不同世代摘下來的果子在比，產出國是哪裡就根本別提了。
生於1950年之後的藝術家比較
不過，一旦把焦點調整到比較可以作比對的事情上，結果還真的頗有可觀。在此不妨改看一看世代相近的藝術家──像是把全世界生於1950年後的藝術家拿出來比的──而且作品經大型拍賣公司落槌價達七位數者來作比較吧──這所謂的大型拍賣公司，就姑且以倫敦和紐約的佳士得、蘇富比為準吧。這樣劃出來的範圍，無疑是可以貼上「全球當代藝術」的標籤；而且，這範圍裡面，就有蔡國強（生於1957年）、岳敏君（生於1962年）、和張曉剛（生於1958年）等人的作品，在拍賣會上售價超過百萬美元。
在此，我可能會掛一漏萬，而且，到了下禮拜名單可能就又不一樣了。不過，在我寫這一篇文章的時候，我數得出來的這一類藝術家，連中國藝術家在內，約莫只有30位──相較於現今動輒要從荷包裡掏出來的天文數字，是少得很奇怪。這「百萬俱樂部」的會員有巴斯奇亞（Jean-Michel Basquiat, 1960～1988）、哈林（Keith Haring, 1958～1990）、孔斯（Jeff Koons, 1955）、村上隆（Takashi Murakami, 1963）、赫斯特（Damien Hirst, 1965）──全都算是沃荷的嫡傳或是門人，只是層面不一──外加美國人稱「不良少女」的畫家優絲卡瓦潔（Lisa Yuskavage, 1963）和她的英國同輩薩維爾（Jenny Saville, 1970）、希絲莉．布朗（Cecily Brown, 1969），這幾位算是俱樂部裡最年輕的。德國攝影家安德瑞斯．高斯基（Andreas Gursky, 1955）也有此架勢；他在美國著名的同儕雪曼（Cindy Sherman, 1954）亦然。比利時畫家圖伊曼（Luc Tuymans, 1957）和生於南非的瑪琳．杜瑪絲（Marlene Dumas, 1953）、蘇格蘭的多依格（Peter Doig, 1959），也都躋身其間。
至於中國這一邊，我寫這篇文章時，有九位生於1950年後的藝術家躋身這一「百萬俱樂部」──這幾人是蔡國強（1957）、陳丹青（1953）、方力鈞（1963）、冷軍（1963）、劉野（1964）、嚴培明（1960）、岳敏君（1962）、曾梵志（1964）、張曉剛（1957）。另外還有幾位，不出幾個禮拜或幾個月，也應該可以跟他們平起平坐。但這裡最特出的一點，還是這俱樂部那麼快就從歐美獨擅勝場變成有近1/3都是中國人了。至於這市場比較晚才打進來的人裡面，有幾顆最亮的新星，已經數度締造耀眼的成績：我在寫這一篇文章時，張曉剛已經有20件作品於2006和2007年售價衝破百萬，岳敏君有十件（全都在2007年），劉野有五件（全在2007年），曾梵志有六件（一樣全都是在2007年）。我相信再過幾個禮拜這數字會再攀升，「百萬俱樂部」的會員很可能會再多好幾人，不管是不是中國人。
依這樣的數據，我看有三種可能的解釋。第一，我們應該可以說，現在有一些非中國籍的藝術家，其作品相較於中國的同輩，售價算是打了折扣；這就使得中國當代藝術家於枱面上的價格，變成了國際同儕團體比較分析的基準點，也由此可以推論，應該還有「別的」同級甚或略勝一籌的藝術家的「價值」，未獲認同。另一方面，我們可能也可以說，中國當代藝術最閃亮的明星（或者至少有幾位），目前的價值是高估的，這就又使得當代國際藝術家於枱面上的價格，成為同世代同儕團體裡的基準點了。最後，可能有人要說，如今，國際上生於1950年後最重要的藝術家裡，有整整1/3都是中國人──雖然不過幾年前，根本沒人想得到會有這狀況；而這樣一看，就等於是把市場價值當成「重要意義」的替代詞，而「百萬俱樂部」的人口統計資料，也就只剩表面價值了。上述這些說法或許各有千秋，有的切中真實面的部分遠大於其他；只是，這些說法無一算得上充分。
由於市場上琳瑯滿目的各色飛靶還在繼續演進，讀者可以自行就數據資料來選擇自認為可信的解釋──若真還有可信的解釋的話。從今而後的發展，任誰都可以作解讀。只是，現在最清楚可見的僅只是：我們現在的處境，18個月後絕對不會一樣──這一點，有些人的解釋可能就比較好了。（本文譯自〈Taking Stock〉，《Yishu》，2007.12，頁44-50）
「藝」股熱談 (上)
中國藝術市場於近年之發展，一如蔡國強完美的爆破藝術，轟動演出──完全無視於天候之惡劣、技術的難題，連小鼻子、小眼睛的藝評對著看得眼花瞭亂的觀眾苦口婆心、諄諄告誡，也動搖不了半分。岳敏君的無數分身，也隨中國當代藝術逐月屢創新高，笑得嘴愈咧愈寬。幾十名張曉剛大家族裡盤桓不去的無名氏，像花蝴蝶般到處飛，以特別來賓的身份逐宴而居。
中國當代：從香港走入紐約
這一塊市場擴張之快，以蘇富比在香港的中國當代藝術拍賣，和紐約的亞太（且也以中國為主）當代藝術品拍賣，表現得最為昭著。蘇富比2004年10月在香港首度舉行中國當代藝術拍賣，此後至一年後的第三度拍賣，成交總額躍增三倍，從295.0712萬美元上揚到901.9398萬美元，比前一年秋拍上漲了88%。蘇富比於香港的成交總額持續大幅上揚，2007年10月7日的最近一次秋拍，總額高達巨量之3,424.0517萬美元，為2005年同期的三倍。繼2006年4月的香港春拍之後，一年兩次的盛會再細分成兩場，一場以高價但跟風較小的現代藝術為主，另一場以當代藝術為主。為了和2005年作持平比較，當年現代藝術拍賣放在現在不覺得有多高的金額：831.4034萬美元，在這裡就要加進去才對。這時，中國當代藝術就從2004年10月尚處未開發時期的295萬美元，大幅成長，締造出迄今數十年藝術市場前所未見的蓬勃躍進，三年後，同類成交的總額，還成長為4,255.4551萬美元──增加了 14倍。
然而，香港的現況若證明這一塊公開市場已從嬰兒長成為大人，那麼，紐約的成交狀況，代表的就是新人的亮相派對。蘇富比先於2005年在紐約新設中國當代藝術部門，後於2006年3月31日舉行首度亞太當代藝術拍賣──等於是在西方藝術市場的重要據點，為引進亞洲藝術立下了里程碑。成交總額達1,322.8960萬美元，比香港前一年的秋拍要多，對於緊接著一禮拜後要在東方大港舉行的春拍，無疑是一大激勵。紐約拍賣的245件作品，賣出了89.1%，作品的平均成交價是6.0132萬美元。紐約的這一次首拍雖然耗了十年來推動，但遲至2006年才剛舉行；紐約這一次的拍賣，和香港一樣，都是未來發展的重要基準點。2007年9月30日，紐約的成交總額達3,844.6975萬美元，275件作品裡賣出 81.8%，平均成交價攀升到17.0875萬美元，較諸2006年3月，上升了184%。此次9月秋拍的成交總額，較諸2006年3月紐約的春拍，上漲了百分之191%。
由市場決定受矚目的作品
「充份揭露」在藝術市場，跟米開朗基羅的素描一樣，都是珍品，有其優點，只要不變成狗咬呂洞賓就好。或許就是這緣故，藝界身負多重角色的人一講起藝術市場，無不套用他們講起「全球化」或是「後現代」這一類概念的那同一套含糊、油滑的招數──現下的歷史變化無人不受影響，只是其間的動勢太複雜，沒辦法作簡單明瞭、定於一尊的說明。連瞧不起市場的藝術史教授，只偶爾為展覽目錄提筆撰文，也避不開市場動勢的影響，免不了要在這市場的動勢裡面扮演小之又小的角色。這絕對是想避也避不了的，尤其是在現在這樣的年頭，決定當代藝術何者值得矚目，是由市場本身在領軍的。人人都想在市場的蘋果派裡分到一塊，但又不想打翻往餅舖裡送的蘋果推車。只是，在討論到「市場」時，我老覺得這「市場」像是房間裡的寵物象，參與討論的每一個人和這一頭大象，都有見不得人的關係，最好藏著別讓人知道──除非講話的人的職業，明白就寫著是藝廊業者、拍賣業者，或是收藏家的代表。至於我自己跑的是什麼龍套呢？我的公司2005年開始，就為蘇富比的中國當代藝術部門做過一些顧問諮詢的案子。而眼見亞洲當代藝術在全球當代藝術市場裡面打下了更穩固的據點，對此自然是既快慰、又讚歎。
亞洲當代藝術市場的四大特性
我在2006年春天的蘇富比《Preview》雜誌上面，曾經撰文指出，亞洲當代藝術市場因有四大特性，以致有別於歐美的當代藝術市場；當時我寫道，「由此四者，可見此一市場的前景樂觀可期。」這四大特性，在我看來簡單明瞭，一如蘇富比於紐約舉行的首場亞太當代藝術拍賣，一定會衝破原先審慎、矜持的預估一般。這四大特性及其含意，略述如後：
（1）「少數幾位名人攘奪了絕大部分的鋒頭，尤以中國當代藝術為然……其他諸多重要藝術家……尚待藝術史或市場給予他們應得的表彰和垂青。……目前之功成名就，尚屬寥寥數人專屬，但於未來，可見將會由愈來愈多的藝術家分享。」
（2）「現今藝術史雖然已經開始糾正過往的偏見，比較能夠確實反映現代和當代藝術實作有其地域多樣性，唯拍賣市場還須努力，才能趕上腳步。」我還舉了幾名藝術家，指他們「有卓越的貢獻，不只在地區的藝術實作，也在更廣的藝術史面，」也說「這些藝術家的創作價值，理當獲得表彰，重作評價，但卻遲遲未見。」
（3）一放進更大的當代市場裡面檢視，「明確展現當代形式的藝術家，其風格與尚於傳統血脈之中挖寶但當代特性未減的藝術家，有所分歧」，就看得出來是導致其定值過低的一大盲點。我這說的便是當代的水墨畫，「對水墨畫有興趣的策展人和收藏家，迄至目前為止，都還集中在亞洲地區；不過，這樣的情況勢必即將有變。」
（4）「最後，」我寫道，「日、韓大師未獲持平鑑賞，當代水墨畫在這一區也未獲持平鑑賞，這樣的情況，就算套在那些在拍賣會上大放異彩的中國藝術家身上，一樣成立：這些中國藝術家以同一比較基準來看，比起歐美同儕，依然算是定值過低。這可能是新興的亞洲市場最重要的一大特點。」
不過，區區18個月後，修正顯然已經應運而生。我寫的第一點，已經證明為真；除了那幾位品牌已經很響的名家之外，另有許多藝術家在公開市場也已經打下了扎實的價格基礎。不過，這情況和承認二者等價的關係比較小，而和整體市場行情上漲的關係比較大。售價（這是公開的紀錄，因此是相當客觀的數據）和價值（這依我的理解，在有些人的看法是純屬主觀）的差距依然很大。北京的大收藏家管藝在最近一次的蘇富比拍賣前，在香港接受訪問時曾說，「不是好的藝術品就一定貴，也不是貴的藝術品就一定好。」我自己現在則對未來是否真有「愈來愈多的藝術家」可以分享「目前尚屬寥寥數人專屬的功成名就」，不敢盡信──因為，換算成金額來看，「成功」的基準點在過去18個月裡，已經往上翻了多達十倍。
至於我先前寫的第二點，我現在的感覺就比較複雜了。去年嶄露頭角的藝術家，如今「地位」和「價值」真的已經水漲船高，而且，現今還輕易就看得到許多藝術家紛紛冒出頭來──但這也要市場的增值和藝術史的認可真的有必然的關連。雖然我還是相信歷史評價的恆久價值，在於禁得起歷史記載長久的淬煉，但是，目前大面市場歡欣鼓舞的氣氛是要看作過眼雲煙，抑或是一場典範轉移──贏家市場正在寫它自己的藝術史，而且寫得愈來愈有說服力──則尚未完全明朗。這問題不在泡沫或崩盤，市場到後來一定會作修正。這問題，毋寧應該說是那些不算貴、但也因此算是「價值低估」的作品，一旦號令衝刺會發揮何等排山倒海的威力的問題。傳統類型的收藏家買得或許是「歷史」吧；但今天有眼光的市場投資客，抱著大筆流動現金買的則是品牌，還有品牌的形象──同時心中暗忖要以這品牌為商品，轉換獲利。這狀況在以前一直就是如此，而我看呢，目前尤甚。
至於第三點，我就覺得沒有必要作修訂了：我還是覺得水墨畫不論是在市場還是在策展圈子裡，都一定會掙得更多的認同。而別的傳統創作，只要還有創新的發展，這一點一樣可以引申沿用。不論市場和藝術史評價有沒有關連，有幾百年歷史的傳統若到今天依然生龍活虎，那就沒有理由會下沉到湮沒無聞而非上揚到更受重視。
最後一點，同時也是我18個月前指出之新興亞洲當代市場「最重要的一大特點」，就需要作最多的修正；這方面的數據點有那麼劇烈的變動，以致去年的分析，於今皆成老古董的歷史陳跡。我在我說的那些「比起歐美同儕依然算是定值過低的」諸多藝術家，加進了「就算在拍賣會上大放異彩的中國藝術家」。而這大放之異彩，於今更是壯觀，而且，也有幾則事例證明雙方的差距已然完全彌合。
美經濟學家預測中國將成為第三大藝術市場
《藝術經濟：給投資人的藝術市場指南》（The Art Economy: An Investor's Guide to the Art Market）一書的作者暨美國「藝術經濟學」（Art Economics）研究公司的主持人——麥克安祖（Clare McAndrew）於日前接受荷蘭馬斯垂克（Maastricht）「歐洲藝術博覽會」（The European Fine Art Fair）的研究委託，針對2006年以前的拍賣紀錄、博覽會成績、畫廊的銷售量等數據來評估全球的藝術市場發展。如今研究結果出爐，麥克安祖指出：中國已占全球藝術總消費額的5%，位居第四大，位居全球第一的藝術消費國仍是美國（占總消費額的46%），第二是英國（占27%），弟三則是法國（占6%）。但她表示這個研究採取的數據資料僅止於2006年，未加入2007、2008年的數據，事實上就過往的data來看，中國的實力不容小覷，例如與2005 年相比，中國在2006年全球藝術市場的占有率已從3.7%提升至5%，並且，在當代藝術的部份，中國的市場占有率於2006年時已超越法國，與英國各占此類型的藝術市場總消費額的20%。她推測並相信：在2007年時，中國已躍昇於法國之前，成為全球第三大的藝術市場，而北京國際畫廊數量的逐年趨增，以及去年於上海舉辦的「上海藝術博覽會」（ShContemporary Art Fair）都是促成這個現象的影響因素。
蘇富比國際執行長胡凱（Robin Woodhead）則表示：「藝術世界的中心往往與世界的經濟中心不謀而合。」中國在經濟面大爆發與快速成長的腳步，在在影響了它在全球經濟與藝術世界的地位。
2008年3月13日 星期四
Buy! Buy! Buy!
Thursday March 13, 2008
The Guardian
Bright red eyes cry paint-drip tears down the walls. A 15ft-high hoodie rips the skin off his anguished, aerosoled face. Graffiti covers the floor, windows, pipes and rafters: "This is not art", "AK47", "Fuck the police", "We'll miss you" and countless other jokes, curses and prayers in Mandarin, English, French and Japanese. Kids daub flowers on the brickwork. Artists sketch portraits on the door frames. Someone - perhaps a tourist gatecrasher, perhaps a famous painter - scrawls "poo" across the toilet seat. The crowds, colours and fumes thicken, and the Yanjing beer flows freely.
This "defacing party" at the Red T Space in the contemporary art district of Dashanzi comes two weeks after a demolition notice, and several days before the wrecking ball. By the time you read this, the gallery will be a pile of gorgeously painted rubble. And in six months - just in time for the Olympic crowds - the space will be occupied by a six-storey car park. Other small galleries in Dashanzi will also be bulldozed this week, along with a theatre established by one of the first artists to move into the old industrial park. As these small, individually run spaces go down, giant structures are being erected for international art foundations and museums.
It is the end of another era in Dashanzi, which - for better or worse - has come to represent the giddying rate of change in what has become the world's hottest contemporary art market. Six years ago, this dusty warren of smoke stacks, cavernous factories and brick workshops was barely known outside Beijing. The first artist, Huang Rui, moved in in 2002, rapidly followed by dozens of others attracted by the airy Bauhaus architecture and cheap rent. Like much of the avant-garde scene in those days, it was semi-legal, edgy, vibrant and constantly threatened by demolition.
But now Dashanzi - also known as Factory 798 after one of its biggest workshops - has government backing, and big money is moving in. Last November, the Ullens Centre for Contemporary Art launched a multi-million dollar complex in Dashanzi by flying in dozens of international VIP guests for a caviar and champagne party. Next door, construction workers are putting the roof on a $15m (£7.5m) space financed by the Iberian Centre of Contemporary Art and other foreign institutions.
The art district has become a thriving institution, but its commercial success has come at a cost. Formerly quiet alleys now throng with tourists and traffic, and most of the old workshops are now terrace cafes, boutiques and trinket shops. Sharply rising rents and tighter government controls have driven out many founding artists. Small studios have been replaced by big galleries - a sign, say critics, that commerce has supplanted creativity. "Dashanzi has lost its soul," says Tamsin Roberts, the British owner of the Red T Space. Many Chinese artists and foreign curators would agree with Roberts; but, while they scorn the commercialisation of the area, those who have stayed welcome the crowds it draws to their work and galleries.
"Dashanzi used to be a place we wanted to be a part of," says Hu Ge, a member of the Woza collective of young, experimental media artists. "Now it is something we want to rebel against. During the past year, the meaning of art here has changed. Many artists are now commercial. We want to move away from that, to develop something new." Woza's current exhibition, at the Beijing Tokyo Art Projects in Dashanzi, certainly rips visitors from their comfort zone. Against a backdrop of screeching, clanking noise, a series of works invokes feelings of worry and stress. On one wall are 43 open windows on a giant computer screen. On another is a giant photograph of a soldier abseiling into a desert landscape. A pair of TV screens show soothing, rolling waves next to a fit-inducing strobe of red, purple and blue. Cages and pipes litter the floor. Scaffolding holds up a squid-like rocket with cable tentacles. You step out of this exhibition feeling relief - and sympathy for the poor security guard who has to experience the sensory disruption for hours on end. The studio next door used to be the home of Huang Rui, who was effectively driven out of the space last year by the Seven Star group, which manages Dashanzi. This could have been because of his politically provocative work; more likely it was a display of power. As the founder of the artists' community here, Huang was a rival source of authority in an increasingly lucrative community.
Considering his displacement, Huang is remarkably even-handed about what is happening to the district and to Beijing's art world. Chinese artists, he believes, are enjoying a golden age - though it could be short-lived if the trend for commercialisation continues. "The power of artists is stronger than before," he says. "Compared to the late Qing dynasty, or any time in the past 50 years, we have more freedom and social status. In the past, the only secure artists were those who worked for the government, painting propaganda pictures, but they were not independent. Now artists enjoy more freedom of expression. They can exhibit their work in public. They can participate in commerce, advertising and the media. This was unimaginable before."
Huang blazed a trail after the Cultural Revolution by forming China's first independent artists' group, the Stars, which embraced many ideas from beyond China. But he believes the current flood of foreign investment is a mixed blessing. "There are more galleries, and more Chinese works are being exhibited and sold in auctions. But because of the market, the power, wit, individuality and freedom of Chinese artists is being submerged in the commercial sea. The creation of art has become the production of goods."
Wandering through Dashanzi, it is easy to see what he means. Dozens of new galleries have opened up over the past couple of years, but it has become harder to find original work. Most of the exhibitions feebly echo the big-selling artists, or revisit familiar icons, such as the Cultural Revolution, Mao, migrants and grinning faces. But even if the poster peddlers have pushed out the picture painters, visitors are increasing. It is great for tourism. You could argue that even bad contemporary art is interesting because the usual subject matter - China's spectacular modern history - is so compelling.
Certainly, international buyers cannot seem to get enough of it. Last year, three Chinese artists - Zhang Xiaogang, Yue Minjun and Zeng Fanzhi - made the global top 10 bestsellers at auction houses. And although the spectacular rise in prices has slowed, strong domestic demand has kept the trend upwards. According to the Artron.net research company, $3.3bn worth of Chinese art was sold at public auction worldwide in 2007 - a 29.1% rise on the previous year.
Eric Chang Ting-Yuen, senior vice-president of Christie's in Hong Kong, says the market for Chinese contemporary art has soared in the past seven years. Last year, sales of Asian works at his auction house rose from HK$49m (£3.1m) to $74m (£4.7m). A few years ago, interest was almost exclusively the preserve of foreigners, but a recent report by Hurun - which compiles annual lists of China's wealthiest people - revealed that collecting contemporary art had become the leading hobby among the country's new rich.
Brian Wallace, an Australian who founded China's first contemporary art space, the Red Gate gallery in Beijing, estimates that 30% of buyers are now Chinese, compared to almost none three years ago. He expects the bubble to continue expanding for at least two years. "From our perspective, things are getting better and better," he says, despite what he describes as a loss of creativity. "Prices are still going up, led by the big auction houses at the top end. Many artists are sold again and again. Quality work is much harder to get. Some artists, even a few of the big names, are cranking work out with the help of assistants. They are flooding the market. When there is a correction, these will lose value the quickest."
For the moment, buyers interested primarily in investment are opting for established names and styles. As long as it is Chinese, contemporary and famous, the assumption is that it will rise in value.
If creativity is not what it was, there have been gains in other areas of the art world. The professionalism of exhibitors is improving rapidly as foreign money and expertise bring galleries, museums and catalogues closer to global standards. Rather than ruin the art scene, this might ultimately allow Dashanzi - and China - to become a serious international player, say supporters of the transformation. "The problem is not money, but how it is used," says Colin Chinnery, the British chief curator of Ullens. "If it is just to create a commercial zone with cafes, restaurants and galleries, then Dashanzi will lose the plot. But if there are also serious organisations that put art first, then it will keep its gravitas."
Commercialisation has brought opportunities, according to artist Zhang Xiaogang, who has more reason than most to be upbeat about the flood of money. In 2006, a piece from Zhang's Bloodline series of Cultural Revolution portraits was the first work of Chinese contemporary art to fetch more than $1m on the market. It was bought by Charles Saatchi, whose rapidly expanding collection of Chinese works has helped up the value of pieces by Zeng Fanzhi, Yue Minjun, Wang Guangyi and others he collects. Saatchi will open his new gallery in Chelsea with an exhibition of Chinese art this spring. "Very few of us in the west know much about the new Chinese art," he says. "But I am convinced that the best of this generation are as exciting as the leading artists in the US and Europe.
Although there is an overwhelming amount of derivative and kitschy nonsense, I hope our opening show will be full of surprising and interesting art - rather different to the work we have all grown more familiar with."
Zhang believes Chinese art is entering "an era of the sort that comes only once every 100 years. I think the young generation are very fortunate. Some receive attention when they are only in their second year of university. Buyers offer bags of money. But I think they are under more pressure than me, because they are deeply influenced by the market. It is hard to balance this with the idealism they want to pursue."
Zeng Fanzhi, another bestselling Chinese artist, is uneasy about the impact of the market. "Many works now are empty and vague," he says. "They don't express the real thinking of society. Even some excellent artists have joined in with this kind of horrible work. All artists should feel worried when they receive attention not because of who they are, but because of how much money they can make."
Zeng has recently shifted his focus from garish expressionist portraits to what he describes as "wild brushstroke" landscapes. Chinese culture, he says, is in his marrow, but he is not convinced there is - or should be - a Chinese style. "All Chinese contemporary artists are trying to express their own understanding of society, their own feelings. But, unavoidably, some icons come up again and again, like Mao or Tiananmen. I guess they have been repeated so often that people feel that represents 'Chinese style', but this is weak. Repetition is boring."
The danger is exactly that: that as foreign investors and government administrators seek safe, commercial art, Dashanzi's artists begin to repeat themselves. But Dashanzi is not the whole of China, and even if the district does turn into Carnaby Street, other places might take the creative lead. There are thriving art communities in Shanghai, Chengdu, as well as elsewhere in Beijing. Among the most dynamic is Caochangdi, where Platform China runs exhibitions of new - and less mainstream - work by upcoming artists. This is also the home of Ai Weiwei, one of the most influential conceptual and performance artists of the past 30 years. He remains as defiantly anti-establishment as ever, last year announcing his refusal to attend the opening ceremony of the Olympics even though he helped design its spectacular "Bird's Nest" stadium. The Beijing Olympics, he says, is propaganda: a "fake smile" masking the country's "disgusting" politics, troubled society and foul environment.
It is still too early to give up on Dashanzi, though. Despite the loss of some of the most innovative smaller galleries, there are still superb shows at good contemporary galleries. Like the demolition zones and building sites throughout Beijing, the area is a work in progress. "Dashanzi is incredibly young," says Colin Chinnery. "It is just five years old, so it is hard to say what its soul is. It is still in the process of finding itself." The same might be said of China and its contemporary art scene. It is wealthier, slicker and more professional than it was a decade ago, but still wandering uncertainly amid the rubble of the old China.
2008年3月10日 星期一
香港蘇富比春拍 競標高潮可期
2008.03.11 04:43 am
香港蘇富比去年秋季拍賣創下許多傲人佳績，刷新多項當代中國藝術拍賣的世界紀錄，2008年春季拍賣將於4月9日在香港舉行，逾270件當代及現代中國藝術作品，拍賣總估價達港幣2億5,000萬元，預計將再掀起競標熱潮。
這次香港蘇富比春拍焦點，包括劉小東歷年來唯一寄意政治的大型油畫傑作《戰地寫生︰新十八羅漢像》（估價港幣4,500萬元至5,500萬元）、郭柏川以紫禁城為題的油畫代表作《北京故宮》（估價港幣3,000萬元至4,000萬元）。
中國書畫包含張大千、傅抱石、李可染、徐悲鴻和林風眠等。其中張大千後期代表作品的潑墨潑彩紙本作品「橫貫公路」和臨摹古人之作的「春山讀書圖」等，估價都超過新台幣千萬元。
拍賣會是資深收藏家喜歡搶貨的地點，然而一般投資者如何選擇藝術家？涉獵藝術市場多年的中華民國畫廊協會副理事長黃河認為，如何挑選藝術家可從五大原則檢視。
第一，藝術家作品是否具有原創性的生命力？好的藝術家不能僅有一件作品讓人驚艷，之後卻像曇花一現，再也沒有感動人心的新作。值得投資的藝術家必須要有作品不斷推陳出新，不能一招半式闖江湖。
第二，作品是否有充分的表現力？他說，每件創作都要有獨特的精神，而非只有幾件作品有水準，其他則表現平平。
第三，是否有完整的高度與統馭力？表現的精神是否夠投入？
第四，是否有強烈的存在感？黃河強調：「藝術家的作品給人的感受像一般早餐店沒特別感覺，或是像高檔的星巴克，一開幕便人潮洶湧地無法忽略其存在。是否可以像賓士車上市，在廣告強打行銷下，給人很大的存在感。」
第五，是否具有承先啟後的能力，是否繼承古人的技法展現現代文化生活的精神。
畫家在藝術市場最受到注意，黃河特別推薦其他藝術領域的藝術家，比如攝影、琉璃藝術、陶瓷、雕塑等藝術家，具有投資單價低、後續上漲潛力更高兩大好處。
2008年3月9日 星期日
2008年3月7日 星期五
旺旺開門 台灣首棟「美術館飯店」3/8開幕
記者陳志東／台北報導˙攝影
籌備4年、耗資5億，由旺旺集團投資的「神旺商務酒店」於今天2008年3月8日正式開幕營運。與一般飯店不同的是，神旺商務酒店沒有游泳池或三溫暖，取而代之是專為商務人士量身打造的事務機、全館光纖寬頻與完整的英日語等軟硬體服務，更特別的是，飯店裡處處可見藝術家雕塑作品，神旺商務酒店執行副總經理吳奕德說，這是一座「城市美術館飯店」。
旺旺集團於1962年由宜蘭食品起家，從1980年代開始旺旺仙貝就已深入台灣家庭，成為最受歡迎的零嘴之一；1991年間旺旺進軍中國市場，短短不到10年，現在除了中國各大城市都幾乎可見旺旺公司與相關食品外，事業版圖更拓展到房地產、乳業、控股公司、醫院、酒類製造、飯店、旅遊開發，以及回饋社會的慈善基金會等等。
前4年開始，旺旺就開始於台北市南京東路與新生北路口一帶新建商務飯店，並於前兩年間買下位於台北市忠孝東路4段的龍普飯店，重新整修改為「神旺大飯店」，也同時在大陸上海、淮安、南京、西寧等地設立神旺酒店，而今天開幕營運的，就是這棟於4年前開始動工新建的「神旺商務酒店」。
旺旺集團董事長蔡衍明一向喜歡藝術與雕塑，神旺商務酒店籌備期間因有次蔡衍明前往日本四國直島旅行，參觀建築大師安藤忠雄所設計的「地中美術館」與「直島現代美術館」，並驚訝直島美術館內竟有一間小規模飯店，這種建築藝術與飯店結合的風情令其驚艷，也因此神旺商務酒店興建之時就已確立「美術館飯店」風格。
神旺商務酒店由旺旺集團旗下營建公司自己興建，因此用料紮實，處處使用高價防火材質，並找來曾設計台北商旅的著名設計師吳宗岳規劃，為具備設計風格的飯店。更特別的是飯店內收藏許多台灣本土傑出雕塑大師的作品，例如飯店門口擺放的就是國寶級雕塑大師楊英風作品「龍穴」，飯店內另有楊英風的「造山運動」、「正氣」、「有容乃大」、「月明」等等，並有朱銘的「十字手」、王秀杞充滿鄉土童趣的「旺狗迎賓」、「神氣」、「讀書樂」，楊柏林的「黃金海岸」、「在自己的土地上跳舞」，朱銘徒弟甘丹的「海風」、「風和大地」、「海風樹影」，花蓮名家林郁晃的「洄瀾夢土」等等，合計達到150件。
其中最特別的作品，還有10多年前蔡衍明向楊英風購買、以京劇的水袖舞為題、山水的氣勢為型的「水袖」雕塑，而這「水袖」除了後來以同規模5公尺高重塑立於市民大道與承德路口的台北車站西北角處，捐贈給台北市民當成公共藝術外，今年2008年北京奧運主辦單位也選擇將此「水袖」作成巨大地標雕塑，並將永久展示於北京奧林匹克公園中。
這些作品，都是蔡衍明多年來所蒐集的藝術品，這次為了打造這棟「美術館飯店」，因此一一把其從家中搬來。神旺商務酒店興建花了5憶，而這些雕塑藝術品的價格推估也高達上億元。走進神旺商務酒店，感受到的不只是飯店、更像美術館。
除了宛如美術館外，神旺商務酒店也特別重視商務人士需求，除了飯店所在地點位於南京東路與林森北路商圈，恰好面對萬坪公園綠地外，也臨近免稅商店、國際精品店、餐廳、戲院等，地點與交通都非常方便。飯店樓高13層，共有81間房，每一間房內都搭配HP多功能事務機，能同時處理影印、列印、傳真、掃描等功能，而且每一台事務機的傳真都有獨立號碼，商務連絡非常方便；如果外籍人士有需要，也可提供免費租借的行動電話，就算人不在客房內，電話也能立即轉接到手機，不會錯失商務聯繫。
這也是全台北市第一家全館光纖寬頻的飯店，每個角落都可上網，並可將手提電腦連接至客房內的37吋高畫質液晶螢幕。此外，精通英日語的禮賓服務人員也提供24小時的個人化秘書服務。另外客房內也配備芬蘭製專業喇叭、高密度床墊、乳膠枕及羽絨床組、乾濕分離浴室、日本製免治馬桶、降板浴缸設計、提供浴鹽泡湯、提供歐蘇丹備品等等，就算牙刷與漱口水，也都從日本進口。
神旺商務酒店並有健身房、會議室、餐廳等設施，非公共區域樓層皆以感應式房卡管制，並於午夜12點至清晨5點進行大門管制。此外，飯店更延聘擁有 20多年的飯店專業管理經驗的吳奕德擔任執行副總，確保軟硬體服務達到國際水平。吳奕德從美國佛州大學旅館餐飲管理碩士畢業後，即從台北市希爾頓的櫃檯基層做起，先後曾服務於晶華、環亞、遠東、華國洲際、台北凱撒等各大五星級飯店，任職客房、訓練及人資總監等職，飯店歷練非常完整深厚。
躍登中國設計舞台 巫永堅，堅持獨特，台灣創意打造上海世博會「海寶」
2007年的聖誕節，來自台灣，在中國打拚六年的巫永堅收到一份大禮。上海世界博覽會主辦單位宣布，2010年上海世界博覽會吉祥物「海寶」，將以他的設計藍圖為基底。在舉世注目的上海灘，巫永堅打敗全球2萬6000件競爭作品，一戰成名。
恭賀電話和詢問的客戶，讓高安路上永堅企業形象策畫公司的辦公室擠了個水洩不通。採訪當天，巫永堅剛簽下一樁280萬人民幣（約合新台幣1260萬元）的年度合約，是2007年總營收的一半以上。
當世界工廠轉變為最具發展潛力的消費市場，第三度創業的巫永堅此刻更堅定信念，三年前，來對了，這是他職涯規畫中最重要的里程碑。「能在上海生存下來，沒有地方不能活！」他說。世界五百大企業，都已經進入中國，更有超過五成將中國總部設在上海，這裡是中國廣告業發展最蓬勃的城市。
屈身壓力鍋，錢少事多求磨練
從1996年開始，連續十年上海市廣告業產值成長都達到兩位數，台灣卻陷入不進反退的窘境，根據台灣尼爾森媒體研究顯示，2007年台灣五大媒體廣告量較同年期衰退5％。
2006年上海市廣告產值達到272億人民幣（約新台幣1224億元），是同年度台灣廣告市場規模的2.5倍。廣告支出約占上海市民生產毛額GDP的2.6％，比世界各國平均值高出一個百分點。因此，2005年底大陸廣告業完全開放後，全球前十大廣告業者紛紛加碼，積極搶進中國市場。
但是，要在中國市場勝出，光靠專業技術遠遠不夠，要先摸透這個市場的人，讀懂他們的心，這一課，卻是巫永堅花了三千多個日子才學會。
復興美工畢業的巫永堅，從學生時期就是各大獎項的常勝軍。進入奧美擔任插畫工作期間，先後參加了企業的形象設計案件，包括二十餘年未曾改變的「伯朗咖啡」、年輕人喜愛的「左岸咖啡」、「六福村樂園」的吉祥物等，都出自巫永堅之手。
年輕的巫永堅對自己的能力相當有信心，直至參加同學的聚會，才知道一山還有一山高。那個年代，台灣購入日本卡通，必須仰賴手工重繪後才能在台灣播映，卡通製作公司也因此得以蓬勃發展。在宏廣卡通製作體系中工作的同學，一天可以畫出20到30張的插畫，工作量是巫永堅的三倍。他想試試自己的能耐，將自己丟到高壓的環境中磨練。
雖然薪水是過去三分之一，他還是決定接下這份新工作。他希望自己能到卡通製作公司練基本工，訓練自己繪畫速度，並且學習過去不懂的拓印法，紋路複製與電腦貼圖等技巧。十個月後，他辭職，開設了自己的工作室。
首度出擊，負債3000萬慘澹收場
過去累積的人脈與經驗在此時發酵，成功來得容易來得早。巫永堅靠著一張1500到3000元不等的案件，和每張1萬元的廣告插畫，創業第一個月營收就有18萬元，這段時間的拚搏讓他累積了第一桶金，並且成家立業在南港買了第一幢價值千萬的豪宅，這一年，他才27歲。
事業的順遂讓巫永堅起了更大的野心。25歲那年，他與友人合夥創設「騰視覺藝術有限公司」，打造「Dino Club」可愛小恐龍的自有品牌，巫永堅擔任設計總監，帶領六十名設計師團隊，負責設計相關周邊商品。創業之途遠比當初設想的艱辛，600坪廠房每月的管銷費用，以及廣告行銷預算都遠遠超出預期。不到兩年，初期集資3000萬元用罄，公司的訂單與銷售狀況卻一直未見起色。
巫永堅的首次創業，就以負債3000萬慘澹收場，房子也被迫削價出售還債。他重新拿起畫筆，回到十幾坪的工作室，開始沒日沒夜接案的還債生涯。但是創立品牌的夢想卻未曾消失，他等待的是一個機會。
在事業最低潮的時刻，他遇見生命中的貴人，為他開啟了前進中國的那扇門。
1992年，巫永堅第一次到廣東參與兩岸設計會議，這是第一次，巫永堅打破過去對中國的落後印象，真正認識開放後的新中國。「中國市場遠比我想像中的進步太多了，品牌的發展需要的正是這樣的市場。」他說。對於這個發展中的新市場，巫永堅躍躍欲試，但前次創業的失敗讓他知道必須更謹慎。
【本文摘自30雜誌3月號】
中共電影禁令 拿色，戒開刀
2008.03.08 02:19 am
中共廣電總局本月三日向大陸各省、自治區、直轄市廣播影視局，各電影製片單位，中國電影合作製片公司，電影頻道節目中心通知，明定電影禁止有危害國家統一、主權和領土完整，煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣等劇情；要求加強管理、淨化銀幕，堅決抵制「腐朽文化」。
「色，戒」成為第一部被拿來「開刀」的電影，因此片走紅的女主角湯唯，面臨被封殺的困境。而以後中外電影想在大陸上映，恐怕內容都得拍成「軍教勵志片」，大陸好不容易開放的電影環境，重新回到「封閉」時代。
廣電總局「關於重申電影審查標準的通知」，明定電影禁止有下列劇情：
．違反憲法確定的基本原則；
．危害國家統一、主權和領土完整；
．洩漏國家秘密，危害國家安全，損害國家榮譽和利益；
．煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣；
．違反國家宗教政策，宣揚邪教、迷信；
．擾亂社會秩序，破壞社會穩定；
．宣揚淫穢、賭博、暴力、教唆犯罪；
．危害社會公德，詆毀民族優秀文化。
通知規定，電影有下列情形，應刪剪修改：曲解中華文明和中國歷史，嚴重違背歷史史實；曲解他國歷史，不尊重他國文明和風俗習慣；貶損革命領袖、英雄人物、重要歷史人物形象；篡改中外名著及名著中重要人物形象；夾雜淫穢色情和庸俗低級內容；夾雜骯髒低俗的台詞、歌曲、背景音樂及聲音效果；夾雜兇殺、暴力、恐怖、鬼怪、靈異等內容，顛倒真假、善惡、美醜的價值取向，混淆正義與非正義的基本性質；有強烈刺激性的兇殺、血腥、暴力、吸毒、賭博等情節；有過度驚嚇恐怖的畫面、台詞、背景音樂及聲音效果等。
此外，電影情節有宣揚消極、頹廢的人生觀、世界觀和價值觀，刻意渲染、誇大民族愚昧落後或社會陰暗面，都得刪剪。
當代藝術紅火 兩岸「比畫」
2008.03.08 03:29 am
華人當代藝術受到重視，要看最火紅的台灣當代藝術家新作，或大陸最年輕新世代的集體藝術創作，現在在台灣都看得到。
上周六下午，位在北投大業路的鳳甲美術館搬新家後重新開幕首展，藝文界領袖、畫廊老闆及許多好久不見的收藏家都現身。鳳甲美術館估計：「當天至少有800人來來往往，擠爆展覽室，連外面的走道也幾乎站滿人。」
鳳甲美術館大都市開幕首展，台灣三世代、九位名家受邀參展。
鳳甲美術館自2007年2月28日結束當年最後一檔展覽後，隨即閉館進行新館籌備工作。經過一年尋覓新館的地點，在原舊址附近找到可永續經營的基地。
鳳甲美術館重新開幕，首次展覽邀請知名策展人王嘉驥，策劃「浮動」展，邀請九位台灣當代藝術家包括郭振昌（1949-）、蘇旺伸（1956-）、高重黎（1958-）、郭維國（1960-）、黃致陽（1965-）、洪東祿（1968-）、廖堉安（1979-）、張耿華（1980-）與邱建仁（1981 -）共同參展。
主辦單位表示，對台灣當代藝術界而言，這九位藝術家含括的世代光譜，分屬二次世界大戰後出生的第一代到最年輕的第三代創作者，參展作品大多數是近期完成，其中有不少人為了此展而特別創作新作。由於其中不乏400號的大型畫作，已引來藏家詢問；甚至有的人作品還未進館，就已有藏家託人先電詢可否收藏。
觀賞過此展的藝文界人士指出，這次參展者幾乎都是台灣正火紅的當代藝術家，很多人的作品近來在拍賣會中創下好成績，例如郭維國的「台灣島」，以1,700 多萬元創下台灣當代藝術家最高拍賣紀錄；新生代的參展藝術家則不乏台北美術獎首獎得主，對於鳳甲美術館重新開館，頗能帶來「慶祝行情」的功能。
王嘉驥指出，台灣近年來在政經、社會與人心等各層面，普遍處於浮動的狀態，這同時也蘊含生命力及活力，藝術家如何回應大環境的各種現象，轉化成創作時的元素或能量，是促使他以「浮動」為策展主題的主因，希望藉此觀照台灣當代藝術與社會的互動關係。
王嘉驥表示，九位藝術家對於「浮動」的創作，大致分為兩大類型。第一種是針對當代社會的各種現象，提出個人的觀察、論述、批判或對話；第二種是以內心的反芻為立足點，反映個人面對當代社會的心理、精神或存在狀態，以及表達個人應對環境時的自處態度。
至於這次參展的藝術家，很多都在藝術市場上被看好，王嘉驥說，會邀請這九位，是因為他們的作品剛好符合「浮動」這個主題，「有些人在我提出邀展時，作品還沒有創下天價」。
中國新生代藝術家集體展出「東凍時代」，展現各式創作面貌。
相較於「浮動」橫跨台灣當代三個世代的藝術家作品，正在台北當代藝術館展出的「果凍時代」，則是1980年後出生的大陸新生代藝術家在台的集體展。
「果凍時代」展由上海美術館副館長暨上海雙年展辦公室主任張晴策展，先在上海美術館首展，今年巡迴到台北當代藝術館展出。張晴為策畫此展，曾考察大陸主要城市，觀察新興世代的創作能量、生活態度及美學語言等，發現大陸吃著果凍長大的「八○後」一代，是屬於透明的、輕盈的果凍新世代，鮮亮自在，但有時盲目勇敢。
此展分為「嬰兒化的青春」、「未來肖像學」、「紛雜的全球化景象」三個面向，不少創作者年齡為20歲出頭，作品反映了他們對流行文化、消費主義、動漫、網路世代、新媒材等的關注，展現中國當代都市青年各式創作面貌。
主辦單位指出，中國近20年的改革開放，催生了中國當代藝術第一個受國際矚目的黃金世代，1980年代出生的大陸新興藝術家也躍躍欲試。此展呈現中國當代新藝術族群多元的創作風貌，可在全球化浪潮下，用來比較觀察亞洲各地新生代藝術家創作的趨勢。
2008年3月6日 星期四
新設大文化部 蔡武任部長
2008.03.07 03:31 am
這次中共全國人大會議，除高層人事外，最受矚目的是「大部制」的國務院機構改革；有關方案已在中共十七屆二中全會決定，最令人意外的，是這次機構改革方案中，將設立「大文化部」。
北京文化圈裡傳出消息，今次機構改革中設立「大文化部」，將有關文化領域的部門統合起來，全面加強文化事務的建設和管理。
新的「大文化部」，選定現任國務院新聞辦公室主任蔡武，出任部長。
蔡武三年前，由中央對外聯絡部副部長出任國務院新聞辦主任。他上任後擴大前任推行的「白皮書」制，對外樹立中共政府公開、透明的形象，更力推國務院各大部委設立新聞發言人制度，甚至原來較封閉的軍方，新近也設立新聞發言人制度。
蔡武被視為共青團背景人士，與中共總書記胡錦濤關係密切。他畢業於北京大學，曾擔任共青團中央常委，也曾在甘肅當過一段時間記者。與境外媒體接觸過的中共官員，他有較開放的風格。
中共國務院將在十一日向人大會議提交機構改革方案，一旦獲審議通過，相關部門即可設立裁撤。
擬議中的「大文化部」，預期將會以「轉變職能、理順關係、優化結構、提高效能」為基本方針，全面加強文化領域的社會管理和公共服務，實現職能有機統一為主要方向。
據此方向，目前與文化相關連的部門，包括文化部、新聞出版總署、國務院新聞辦、廣電總局等，將進行統合；另外一些部門主管涉及文化事務的職能，可能分拆部分出來，歸到「大文化部」，包括教育部、科技部乃至信息產業部等。
長期以來，中共相關的部門就有職能重疊、遇事互相推諉、有事群起而爭的現象，部份部門分分合合，幾經改革周折。現在要合併、分拆、重組，也非易事。
在一批廣被熱議的「大部」，紛紛被剔除改革方案之際，之前未被人提及的「大文化部」，成為首批改革正選，雖出人意料，但也在意料之中。這是因為，胡錦濤的新思想體系，以「四大建設」為骨架。在中共十七大政治報告中，文化建設首度與政治建設、經濟建設、社會建設並列而立。
文化列入「四大建設」之一，重要性非昔日的文化體制改革可比。新的「大文化部」一旦組建，將擔任中共十七大要求的在高起點上推動文化內容形式、體制機制、傳播手段創新的任務，並以文化產業的發展、文化市場的建設，實現國家「軟實力」的提升，以助實現中共確定的中華民族復興目標。
藝術投資》陳冠宇的華爾街藝術論
2008.03.07 04:56 am
擁有十多年金融業背景，曾為上市公司集團財務長的陳冠宇，一年半前轉業當畫廊老闆，把他過去在銀行界學的一身好功夫，繼續在藝術業發揚。許多演藝界名人、上市公司老闆都是他的忠實客戶。
台北東區的一條小巷子裡，有幾條藍色的布簾從三樓微微垂落而下，上面寫著「Gallery J Chen」，那是陳冠宇的畫廊。畫廊門口擺放許多祝賀花籃，放眼望去，送花者都是知名上市公司大老闆。
陳冠宇不是一般的畫廊老闆，他擁有完整的金融業資歷，他曾在華爾街、東京的銀行工作，曾任上市證券公司研究部主管，幫許多大企業做投資分析，他也曾是上市公司集團財務長、上市網路公司中國區的總經理，而現在他一邊開畫廊，一邊擔任企業合併與收購的財務顧問。
早上他是財務顧問，下午他變身畫廊老闆。今年40歲的他，打扮的既有質感又有活力，白色T恤搭上黑色布料的西裝外套，看起來是個兼具知性與美感的雅痞，一點也嗅不出金融業的味道。
陳冠宇說，當年他在美國念碩士，尚未滿30歲時，就在美國用分期付款方式買畫，「當時藝術市場不是很好，所以畫廊可以讓你分期，分個四、五期，付完後就把畫拿走。」
「買畫就跟買股票一樣，等你買了第一支股票以後，你就會開始翻財經報紙，而買了畫以後，你就開始蒐集很多藝文資訊，吸收各種拍賣、展覽消息，」陳冠宇說。日後，陳冠宇開始遊走世界各地，在紐約、東京等地的畫廊買畫，迄今他已收藏上千幅亞洲當代畫作，因為他的眼光精準、功夫下得夠，十幾年下來，他絕大部分的收藏都漲勢驚人。
陳冠宇說，2006年秋天時，台灣藝術市場開始萎縮，畫廊不是縮編就是收掉，不少台灣畫廊業者轉往北京、上海等地另起爐灶，「但我認為以整個藝術市場的大環境來說，台灣不可能沒有市場，在供給面下滑，而需求面向上的情勢下，我就開了畫廊。」
陳冠宇特別把畫廊設在三樓，「我不開在一樓，因為我不要過路客，要真的有心的人，尤其許多大老闆很低調，每次來找我，如果看到很多人，還會說他下次再來，要不就直接進我辦公室把門關上。」
陳冠宇獨特的財經背景，讓很多客戶更放心跟他買畫，因為他同時也幫客戶理財。「我常把客人趕回家，如果是很熟的客人，我知道他月薪多少，我就會幫他做資產配置，建議他太貴的畫不要買，不如把錢拿去買基金。」
另外，有些大老闆也會跟他請教投資趨勢，「有些老闆在國外出差，還會打國際電話來問我現在是不是該買哪個基金，哪個股票是不是該少買一點。」賣畫之餘，陳冠宇也成為上市公司老闆眼中的投資顧問。
這十多年下來，陳冠宇認為，藝術投資給他最大的改變不是獲利，而是開拓了他的視野。「你在逛展覽、畫廊，與別人討論藝術品的過程中，整個生活、想法都出現了新的連結，也會注意到這塊市場的發展和變化，補強了生命裡原本不會接觸的領域，」他說。
新聞側寫》「封面陳」出手 專挑貴族
2008.03.07 03:36 am
蘇富比春拍即將登場，其中最受矚目的作品「北京故宮」，出自國巨董事長陳泰銘，藝術圈人士驚嘆不已。陳泰銘這三年來持續售出舊藏，光是封面級的大作品，獲利甚豐。
陳泰銘收藏資歷極深，特別愛買拍賣場上最精彩、最高價的作品，由於最高價作品的圖片，通常會被選為拍賣圖錄封面，藝術圈中稱陳泰銘是「封面陳」。
比如說「北京故宮」，陳泰銘是1994年秋天、在蘇富比拍場上以新台幣1,017萬元買下的，經過十多年，行情已翻漲至少15倍；去年拍賣市場最重量級的作品：陳澄波油畫「淡水夕照」衝上2.11億元，創台灣前輩畫家紀錄，這也是陳泰銘舊藏。
不過，陳泰銘也並非「只出不進」。市場人士觀察到，陳泰銘近來將收藏目光轉向歐美大師作品；去年底，他就在紐約蘇富比秋季當代藝術拍場上，以超過新台幣10億元的價格，買回法蘭西斯培根（Francis Bacon）的自畫像畫作。
寒舍董事長王定乾表示，陳泰銘收藏品味非常好、投資眼光也很精準，每次在拍賣場上出手時，手筆之大，總是令人咋舌；過了幾年，陳泰銘再拿出舊藏送拍，價格也幾乎都比當初買價「多了一個0」。