‧Cheers 2008/03/25
【文／史書華；攝影／黃建賓】
奧美集團用創意博覽會，要讓員工拼個別創意，也拼內部的整合力。
這天在奧美集團大樓內，有一股說不出來的能量。
電梯中早已貼著「夯」和「劣」兩大字的海報，分別把兩字上下拆解，多了有趣的解釋：用對力是「夯」；用錯力就是「劣」。
隨著電梯上升，屬於會議室空間的樓層更蠢蠢欲動。原先各有主題的會議室，被奧美集團旗下6間子公司重新裝扮，有的擺出專案的大大小小獎盃、有的在地板上貼上指引線，提醒參觀者不要忘了：愈到盡頭，愈藏有精彩。
這是奧美集團一年一度的創意觀摩大賽，6家子公司拿出過去一整年的優秀案子展現，400多位員工手上握著「夯」票，一人一票進行票選，結果就要在當週的尾牙會上公布。
受傷的創意，有機會亮相
去年第一次試辦時，員工卯起來玩，在展覽的前天晚上還留在公司布置會場。
不過，要員工額外花時間的活動，為什麼要舉辦？
「這樣的創意競賽活動，有對外、對內兩個用意，」奧美整合行銷傳播集團執行長黃復華說。以某個層面而言，這讓員工有了發洩的管道。他觀察，提創意給客戶，總有幾個受傷的創意進醫院，被冰起來、不能玩，「但這裡完全是自己的空間，就自己玩吧。」當邀請客戶來參觀博覽時，那些沒有正式出場的創意，等於也有了發聲的機會。
互相觀摩創意，才能做到員工整合
這次創意觀摩大會，更是內部溝通的好時機。
奧美旗下有4個事業體（廣告、公關、數位、互動），彼此好像都懂對方領域一點，「但要往同、還是往異的地方想？很tricky（兩難），」黃復華點出，「做傳播的原理是一樣的。如果有機會能看到別人跟你核心一致、但切入角度和方法不同，可能思維會很不一樣。」
而這樣的觀摩刺激，正好呼應消費者現在的媒體消費習慣。
消費者並不在乎企業做的是廣告還是公關活動，不管是從報紙、電視、數位平台上看到，這些都是他生活中的一部份。「面對消費者，所有東西都要被串連和整合，」黃復華分析。就像這次拿到集團最大獎的「NIKE 5K RUN跑吧！」案例，奧美廣告將廣告策略與路跑活動整合，把「跑」的概念從單純的廣告延伸到實體活動，讓消費者從各媒介接收完整概念。
「各部門要做到整合，第一步就是了解彼此、尊重彼此，」黃復華解釋。不過，要學會從別人身上挖寶，卻需要點磨練。
「很多人鑽進自己的領域後，會有commitment（使命感），」他觀察，「難就難在，當你進去後，還要能夠出來，欣賞其他領域。」
這也是創意博覽會的最大用意。「當大家看到各部門整合的結果，才能創造更大效益，」黃復華說。在傳播環境走向整合發展的同時，一場創意博覽會，「用對力」聚集員工創意，對奧美集團來說，也預告自己新一年的挑戰。
個人篇：整合你的創意力
奧美整合行銷傳播集團執行長黃復華
在這一行，on跟off之間沒有界線。我們工作有很大的特質是要和消費者、社會趨勢產生連結，在上班時能透過客戶、工作團隊取得連結，但那只能提供50％的資訊。事實上我們就是消費者，生活和工作不要切得太清楚，如果不把思維打開，會讓自己躲在一個自認為不受打擾的空間，從另外角度來看，你失去和社會連結的機會。
我的方法是有空就到外面走走。走是「看」跟「吸收」，所以要先有一套消化和整理的邏輯，若沒有抓到軸心，看到更多資訊會愈慌、愈亂。
我建議不妨從3大脈絡為軸心來整合資訊：1.商業環境：你的通路、競爭者是誰？自己產品創新能力如何？2.消費者：現在的消費者是 king，當消費者產生反轉效應時，你把消費者這端當成軸線，在這軸線之下去觀察和消費者相關的資訊。3.文化：所有傳播都在文化脈絡下。在文化相同的基礎上來進行傳播，溝通品質才有深度。雖然這層表面看不出來，但它實際上會影響你的溝通語調，也會影響人們透過語言和圖像所勾起的感受。
【2008年3月Cheers雜誌 單身，最夯】
2008年3月25日 星期二
2008年3月14日 星期五
台灣嘸設計？
【text／馬修；photo／曾敬福】
蔣友柏嗆外國設計師是「塞」？ DFUN 還原專訪第一手報導！
橙果設計執行長蔣友柏接受 2 月號 DFUN 專訪，在我們出刊後引起各界熱烈的關注，與電視、平面和網路媒體的轉述報導。身為當天的採訪者，我想我有必要藉此機會回應一下各界諸多反應。為免蔣友柏的言論在本刊變成一言堂的觀點，我們也嘗試訪問一些設計師，針對他的觀點呈現出一些外界的意見。
從事媒體工作十多年，我深信一篇報導文章其實很難呈現原貌。從傳播哲學的觀點，「真相」只在時間的當下產生意義，「還原真相」變成一種不可能的遺憾。所以，這篇回應也只算是一種「勉力嘗試的企圖心」。
說實在的，可以約訪蔣友柏、甚至是說服他進棚拍照，一開始是超出我們期待的。因為蔣友柏特殊的背景，我了解許許多多媒體都有極大的意願邀訪；很多媒體界的朋友也知道，蔣友柏極少進棚拍照。所以，無論他的專訪引起怎樣的效應，我們還是非常感謝他願意破例為 DFUN 的改版「犧牲」。
直率的蔣友柏其實非常不喜歡拍照，更遑論進棚！在專訪前的溝通過程，我與橙果的公關主管約定好：不化妝、不做造型、拍照時間不超過半小時。蔣友柏冷峻的形象，加上這「三不」，其實讓我在專訪前就感受到「這次專訪是一次不輕鬆的任務」。
我的壓力著實也感染了當天的名攝影師曾敬福。經過與阿福的溝通，拍照當天的氣氛其實也是少有的緊繃。只見與無數大明星交手過的阿福，在過程中頻頻跟友柏說謝謝。令人意外的，蔣友柏覺得渾身不自在、打恭作揖，也三番兩次回以：「你別一直跟我說謝謝，是我該謝謝你才對吧！」
我跟阿福是多年好友，事後我糗他「你怎麼一直跟友柏說謝謝啊，很不像你喔！」阿福說「因為不知要跟他說什麼？」一個上午統計下來，可能是友柏說謝謝的次數還比我們多呢！
這是我感受到，與螢光幕上不同的蔣友柏。他的謙恭。
設計圈是他自己的舞台。在開放的言論市場上，蔣友柏以設計圈從業者的角色談他的設計觀點，絕對有其正當性。媒體如果算是發言機器，我們都不否認，蔣友柏的家世光環確實讓他先天上就佔據了有利的發言位置，成為媒體競逐的所謂「媒體寵兒」。
公眾人物當然應該謹言慎行，但，觀點卻是可受公評之事。蔣友柏的直言不悔，這點，至少是我、與幾位我熟識的設計人都感到激賞。
就我從事媒體相關工作十餘年的經驗，絕大部分的公眾人物選擇與鄉愿同行。我時常在採訪過程中聽到的 off record（不能報導）的字眼，我願意這樣說，大部分讀者看到的報導文章，都是一種採訪與受訪的妥協關係。
這點，至少蔣友柏的坦白是一種氣魄，沒有任何 off record 的扭捏作態。
如剛剛所言，這篇小短文，只試圖從記者的角度讓讀者接近一點現場氣氛。我們在後面的文章中摘錄一些設計人的看法（還是無法完整呈現每個人的意見），做為一點點平衡。裡面有好有壞。從媒體的角度，也只能很謙卑地讓可受公評的觀點呈現多方意見。至於我擔任 DFUN 雜誌的總編輯，我的觀點還是回到「總編的話」裡發表個人意見比較好！
教授、設計師、記者、網友各界反應
DFUN 2 月號蔣友柏專訪摘要
柏語錄之 1：很多朋友說蔣友柏是個「塞」。
柏語錄之 2：外國設計師對我來說都是塞！因為他們一直覺得台灣的設計都很爛。
柏語錄之 3：台灣設計界有個問題，當他們的利益受到威脅的時候，他們就會擺「我是個設計師，你不了解我」的悲劇姿態。
柏語錄之 4：台灣設計界最大的問題是「老師」。
嶺東科技大學 數位媒體設計系(所)教授兼設計學院院長 賴淑玲
我覺得他有病，再跟他耗下去，是浪費我自己的生命。懶得理他！
阿信（DFUN 創意設計家俱樂部，西肯設計公司資深設計師）
我覺得說外國設計師都是「塞」這應該不是他的本意，而是一種反諷！外國人可以批評我們是塞，我們何時可以理直氣壯的反嗆回去？
我瞭解台灣設計師總是會委屈自己去配合廠商的要求，所以蔣友柏這樣說也反映了許多設計師的心情，設計出的東西往往被客戶一改再改，即使很不情願也沒辦法。
其實一開始對於蔣友柏有點反感，但從商業的角度來看，他的這些作法與說法其實也沒有什麼不對。或許能透過蔣友柏這個在社會上比較有影響力的角色來教育民眾，一同檢視台灣設計界的問題。國外得獎的產品其實很多也是台灣設計師設計、或是台灣製造的，台灣一定有能力可以做設計！
蔡漢翔（DFUN 創意設計家俱樂部，成大工業設計系二年級）
因為還在學校就讀，對於設計界實際的狀況還沒有太全面的瞭解。但目前在學校學習的內容有些的確不太清楚對未來的發展有什麼幫助。
黃少韋（DFUN 創意設計家俱樂部，Vizio 瑞軒科技高級設計師）
對於蔣友柏的說法我沒有什麼特別的看法。不過我覺得台灣近期已經開始對「設計」這件事情有比較多的關注，也比較積極的在發展這個領域。不過還有很大一段空間需要努力，台灣企業對產品設計的著墨程度和國外相比，還是太薄弱了！
羅立德（台灣藝術大學）
只能說他是個很厲害的商人，這篇文章的標題下的也很好，因為蔣友柏在設計界真的很「塞」！
Morson（創河設計總監）
國內設計師 Morson 進一步闡述，設計 → Design → 滴塞（豬屎）！他認為設計本身就是種能量，就像點燃一根火柴，光和熱但也只是瞬間，要能遇上企業這桶汽油，才具有驚人的爆發力，而企業要是沒有設計來點燃，汽油是跟水沒兩樣，這之間缺一不可，端看怎麼讓「滴塞」變黃金！
台灣人向來跟「寒吉（蕃薯）」一樣具有強韌的生命力，隨處可開花結果，同樣也造就台灣設計師逆來順受的特質，台灣設計師懂得學習多方的能力，包容多樣的文化，因為台灣設計師必須設計符合歐、美、日的市場，台灣跟設計師一樣為這個世界貢獻很多，很多東西大家都知道「Made in Taiwan」但台灣卻始終都沒有身分地位，甚至連「Design in Taiwan」都不敢講，台灣設計師缺乏的並不是能力是自信還有發揮的舞台。
蔣友柏在訪問中批評台灣的設計教育出了問題！這部份與其說是老師的問題，不如說是教育制度的僵化。台灣師資制度還拘泥於老八股的「學位制」，工業設計系裡有多少老師具備了機械背景？擁有豐富的實務經驗？還可以兼具國際化與在地化的觀點？學校教育跟企業市場脫節是現代教育制度下各個領域都面臨到的問題。設計講求的是一分的天份 + 九十九分的努力，要找到屬於自己的那一分天份，才能成為真正的設計師，當然要是有九十九分的努力，也是不錯的所謂「工程師」（很多設計師在職場上都是掛名工程師）。在這部份蔣友柏也的確道中了台灣設計界後起之秀養成的問題。
師傅也只是領進門，修行還是要靠個人，老師並不是萬能的上帝，大學也只是提供個學習的舞台，一切都還是要靠自己 。就算王羲之般的奇才也要寫完一缸墨水，試問現在的設計師有沒有這樣的學習精神？還是半桶水就響叮噹？
angelosu（網友）
「利用部落格來做行銷」這一點我覺得沒有什麼錯耶，如果你有產品、你有理念，而且剛好也有部落格，你想推銷產品、想推廣理念，難道不會想用部落格來行銷嗎？這個時代如果不用部落格來行銷那肯定是落伍的。
【DFUN 設計風尚誌 2008. Mar. No.18】
蔣友柏嗆外國設計師是「塞」？ DFUN 還原專訪第一手報導！
橙果設計執行長蔣友柏接受 2 月號 DFUN 專訪，在我們出刊後引起各界熱烈的關注，與電視、平面和網路媒體的轉述報導。身為當天的採訪者，我想我有必要藉此機會回應一下各界諸多反應。為免蔣友柏的言論在本刊變成一言堂的觀點，我們也嘗試訪問一些設計師，針對他的觀點呈現出一些外界的意見。
從事媒體工作十多年，我深信一篇報導文章其實很難呈現原貌。從傳播哲學的觀點，「真相」只在時間的當下產生意義，「還原真相」變成一種不可能的遺憾。所以，這篇回應也只算是一種「勉力嘗試的企圖心」。
說實在的，可以約訪蔣友柏、甚至是說服他進棚拍照，一開始是超出我們期待的。因為蔣友柏特殊的背景，我了解許許多多媒體都有極大的意願邀訪；很多媒體界的朋友也知道，蔣友柏極少進棚拍照。所以，無論他的專訪引起怎樣的效應，我們還是非常感謝他願意破例為 DFUN 的改版「犧牲」。
直率的蔣友柏其實非常不喜歡拍照，更遑論進棚！在專訪前的溝通過程，我與橙果的公關主管約定好：不化妝、不做造型、拍照時間不超過半小時。蔣友柏冷峻的形象，加上這「三不」，其實讓我在專訪前就感受到「這次專訪是一次不輕鬆的任務」。
我的壓力著實也感染了當天的名攝影師曾敬福。經過與阿福的溝通，拍照當天的氣氛其實也是少有的緊繃。只見與無數大明星交手過的阿福，在過程中頻頻跟友柏說謝謝。令人意外的，蔣友柏覺得渾身不自在、打恭作揖，也三番兩次回以：「你別一直跟我說謝謝，是我該謝謝你才對吧！」
我跟阿福是多年好友，事後我糗他「你怎麼一直跟友柏說謝謝啊，很不像你喔！」阿福說「因為不知要跟他說什麼？」一個上午統計下來，可能是友柏說謝謝的次數還比我們多呢！
這是我感受到，與螢光幕上不同的蔣友柏。他的謙恭。
設計圈是他自己的舞台。在開放的言論市場上，蔣友柏以設計圈從業者的角色談他的設計觀點，絕對有其正當性。媒體如果算是發言機器，我們都不否認，蔣友柏的家世光環確實讓他先天上就佔據了有利的發言位置，成為媒體競逐的所謂「媒體寵兒」。
公眾人物當然應該謹言慎行，但，觀點卻是可受公評之事。蔣友柏的直言不悔，這點，至少是我、與幾位我熟識的設計人都感到激賞。
就我從事媒體相關工作十餘年的經驗，絕大部分的公眾人物選擇與鄉愿同行。我時常在採訪過程中聽到的 off record（不能報導）的字眼，我願意這樣說，大部分讀者看到的報導文章，都是一種採訪與受訪的妥協關係。
這點，至少蔣友柏的坦白是一種氣魄，沒有任何 off record 的扭捏作態。
如剛剛所言，這篇小短文，只試圖從記者的角度讓讀者接近一點現場氣氛。我們在後面的文章中摘錄一些設計人的看法（還是無法完整呈現每個人的意見），做為一點點平衡。裡面有好有壞。從媒體的角度，也只能很謙卑地讓可受公評的觀點呈現多方意見。至於我擔任 DFUN 雜誌的總編輯，我的觀點還是回到「總編的話」裡發表個人意見比較好！
教授、設計師、記者、網友各界反應
DFUN 2 月號蔣友柏專訪摘要
柏語錄之 1：很多朋友說蔣友柏是個「塞」。
柏語錄之 2：外國設計師對我來說都是塞！因為他們一直覺得台灣的設計都很爛。
柏語錄之 3：台灣設計界有個問題，當他們的利益受到威脅的時候，他們就會擺「我是個設計師，你不了解我」的悲劇姿態。
柏語錄之 4：台灣設計界最大的問題是「老師」。
嶺東科技大學 數位媒體設計系(所)教授兼設計學院院長 賴淑玲
我覺得他有病，再跟他耗下去，是浪費我自己的生命。懶得理他！
阿信（DFUN 創意設計家俱樂部，西肯設計公司資深設計師）
我覺得說外國設計師都是「塞」這應該不是他的本意，而是一種反諷！外國人可以批評我們是塞，我們何時可以理直氣壯的反嗆回去？
我瞭解台灣設計師總是會委屈自己去配合廠商的要求，所以蔣友柏這樣說也反映了許多設計師的心情，設計出的東西往往被客戶一改再改，即使很不情願也沒辦法。
其實一開始對於蔣友柏有點反感，但從商業的角度來看，他的這些作法與說法其實也沒有什麼不對。或許能透過蔣友柏這個在社會上比較有影響力的角色來教育民眾，一同檢視台灣設計界的問題。國外得獎的產品其實很多也是台灣設計師設計、或是台灣製造的，台灣一定有能力可以做設計！
蔡漢翔（DFUN 創意設計家俱樂部，成大工業設計系二年級）
因為還在學校就讀，對於設計界實際的狀況還沒有太全面的瞭解。但目前在學校學習的內容有些的確不太清楚對未來的發展有什麼幫助。
黃少韋（DFUN 創意設計家俱樂部，Vizio 瑞軒科技高級設計師）
對於蔣友柏的說法我沒有什麼特別的看法。不過我覺得台灣近期已經開始對「設計」這件事情有比較多的關注，也比較積極的在發展這個領域。不過還有很大一段空間需要努力，台灣企業對產品設計的著墨程度和國外相比，還是太薄弱了！
羅立德（台灣藝術大學）
只能說他是個很厲害的商人，這篇文章的標題下的也很好，因為蔣友柏在設計界真的很「塞」！
Morson（創河設計總監）
國內設計師 Morson 進一步闡述，設計 → Design → 滴塞（豬屎）！他認為設計本身就是種能量，就像點燃一根火柴，光和熱但也只是瞬間，要能遇上企業這桶汽油，才具有驚人的爆發力，而企業要是沒有設計來點燃，汽油是跟水沒兩樣，這之間缺一不可，端看怎麼讓「滴塞」變黃金！
台灣人向來跟「寒吉（蕃薯）」一樣具有強韌的生命力，隨處可開花結果，同樣也造就台灣設計師逆來順受的特質，台灣設計師懂得學習多方的能力，包容多樣的文化，因為台灣設計師必須設計符合歐、美、日的市場，台灣跟設計師一樣為這個世界貢獻很多，很多東西大家都知道「Made in Taiwan」但台灣卻始終都沒有身分地位，甚至連「Design in Taiwan」都不敢講，台灣設計師缺乏的並不是能力是自信還有發揮的舞台。
蔣友柏在訪問中批評台灣的設計教育出了問題！這部份與其說是老師的問題，不如說是教育制度的僵化。台灣師資制度還拘泥於老八股的「學位制」，工業設計系裡有多少老師具備了機械背景？擁有豐富的實務經驗？還可以兼具國際化與在地化的觀點？學校教育跟企業市場脫節是現代教育制度下各個領域都面臨到的問題。設計講求的是一分的天份 + 九十九分的努力，要找到屬於自己的那一分天份，才能成為真正的設計師，當然要是有九十九分的努力，也是不錯的所謂「工程師」（很多設計師在職場上都是掛名工程師）。在這部份蔣友柏也的確道中了台灣設計界後起之秀養成的問題。
師傅也只是領進門，修行還是要靠個人，老師並不是萬能的上帝，大學也只是提供個學習的舞台，一切都還是要靠自己 。就算王羲之般的奇才也要寫完一缸墨水，試問現在的設計師有沒有這樣的學習精神？還是半桶水就響叮噹？
angelosu（網友）
「利用部落格來做行銷」這一點我覺得沒有什麼錯耶，如果你有產品、你有理念，而且剛好也有部落格，你想推銷產品、想推廣理念，難道不會想用部落格來行銷嗎？這個時代如果不用部落格來行銷那肯定是落伍的。
【DFUN 設計風尚誌 2008. Mar. No.18】
2008年3月7日 星期五
中共電影禁令 拿色，戒開刀
【聯合報╱特派記者汪莉絹、李春／北京報導】
2008.03.08 02:19 am
中共廣電總局本月三日向大陸各省、自治區、直轄市廣播影視局，各電影製片單位，中國電影合作製片公司，電影頻道節目中心通知，明定電影禁止有危害國家統一、主權和領土完整，煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣等劇情；要求加強管理、淨化銀幕，堅決抵制「腐朽文化」。
「色，戒」成為第一部被拿來「開刀」的電影，因此片走紅的女主角湯唯，面臨被封殺的困境。而以後中外電影想在大陸上映，恐怕內容都得拍成「軍教勵志片」，大陸好不容易開放的電影環境，重新回到「封閉」時代。
廣電總局「關於重申電影審查標準的通知」，明定電影禁止有下列劇情：
．違反憲法確定的基本原則；
．危害國家統一、主權和領土完整；
．洩漏國家秘密，危害國家安全，損害國家榮譽和利益；
．煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣；
．違反國家宗教政策，宣揚邪教、迷信；
．擾亂社會秩序，破壞社會穩定；
．宣揚淫穢、賭博、暴力、教唆犯罪；
．危害社會公德，詆毀民族優秀文化。
通知規定，電影有下列情形，應刪剪修改：曲解中華文明和中國歷史，嚴重違背歷史史實；曲解他國歷史，不尊重他國文明和風俗習慣；貶損革命領袖、英雄人物、重要歷史人物形象；篡改中外名著及名著中重要人物形象；夾雜淫穢色情和庸俗低級內容；夾雜骯髒低俗的台詞、歌曲、背景音樂及聲音效果；夾雜兇殺、暴力、恐怖、鬼怪、靈異等內容，顛倒真假、善惡、美醜的價值取向，混淆正義與非正義的基本性質；有強烈刺激性的兇殺、血腥、暴力、吸毒、賭博等情節；有過度驚嚇恐怖的畫面、台詞、背景音樂及聲音效果等。
此外，電影情節有宣揚消極、頹廢的人生觀、世界觀和價值觀，刻意渲染、誇大民族愚昧落後或社會陰暗面，都得刪剪。
2008.03.08 02:19 am
中共廣電總局本月三日向大陸各省、自治區、直轄市廣播影視局，各電影製片單位，中國電影合作製片公司，電影頻道節目中心通知，明定電影禁止有危害國家統一、主權和領土完整，煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣等劇情；要求加強管理、淨化銀幕，堅決抵制「腐朽文化」。
「色，戒」成為第一部被拿來「開刀」的電影，因此片走紅的女主角湯唯，面臨被封殺的困境。而以後中外電影想在大陸上映，恐怕內容都得拍成「軍教勵志片」，大陸好不容易開放的電影環境，重新回到「封閉」時代。
廣電總局「關於重申電影審查標準的通知」，明定電影禁止有下列劇情：
．違反憲法確定的基本原則；
．危害國家統一、主權和領土完整；
．洩漏國家秘密，危害國家安全，損害國家榮譽和利益；
．煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣；
．違反國家宗教政策，宣揚邪教、迷信；
．擾亂社會秩序，破壞社會穩定；
．宣揚淫穢、賭博、暴力、教唆犯罪；
．危害社會公德，詆毀民族優秀文化。
通知規定，電影有下列情形，應刪剪修改：曲解中華文明和中國歷史，嚴重違背歷史史實；曲解他國歷史，不尊重他國文明和風俗習慣；貶損革命領袖、英雄人物、重要歷史人物形象；篡改中外名著及名著中重要人物形象；夾雜淫穢色情和庸俗低級內容；夾雜骯髒低俗的台詞、歌曲、背景音樂及聲音效果；夾雜兇殺、暴力、恐怖、鬼怪、靈異等內容，顛倒真假、善惡、美醜的價值取向，混淆正義與非正義的基本性質；有強烈刺激性的兇殺、血腥、暴力、吸毒、賭博等情節；有過度驚嚇恐怖的畫面、台詞、背景音樂及聲音效果等。
此外，電影情節有宣揚消極、頹廢的人生觀、世界觀和價值觀，刻意渲染、誇大民族愚昧落後或社會陰暗面，都得刪剪。
鳳甲重啟》邱再興 樂當藝文推手
【經濟日報╱鄭秋霜】
2008.03.08 03:29 am
由資深科技人邱再興，以他父親為名，在1999年所創設的鳳甲美術館，一直是北投地區重要的社區型美術館，也是台灣當代藝術發聲的重鎮之一。經過一年閉館後，新館日前重啟，將持續扮演社區的藝文場域及當代藝術的推手。
邱再興是企業家投入藝術推廣的代表人物，他與台灣科技界人士淵源很深。宏碁創辦人施振榮1971年從交大研究所畢業後，就加入邱再興的環宇電子，兩人相交數十年。施振榮談起邱再興，常幽默地說：「他是我的老闆。如果我是科技業的老前輩，他是老老前輩。」
此外，光寶董事長宋恭源、台灣松下董事長洪敏弘等企業人士，也都是邱再興的多年好友，近年來常一起參與企業贊助藝文活動；日前施振榮發起「藝企平台」，也特地選在鳳甲美術館新館舉辦。
邱再興1985年前從事科技業，後來看盡商場起落，自1990年決定不再投資電子業，轉而收藏藝術品，做個快樂的藝術欣賞者。
鳳甲美術館成立後，推動台灣當代藝術更是不遺餘力。邱再興透露，鳳甲美術館收藏許多台灣當代油畫，在全台灣數一數二。
鳳甲美術館只展出、不買賣參展藝術家作品，因為邱再興認為，他的生活很簡單，不再需要去賺錢。談起當代藝術，他相信還大有可為，且希望不要被人為炒作，路才走得久遠。
為了新館重新開張，邱再興委請實踐大學設計學院院長安郁茜設計新館空間，經過近十個月的設計、規劃、討論與施工，終於在3月1日重啟。
鳳甲美術館的新館，保留樓層中最方整的空間作為「特展區」，開放讓藝術創作者及獨立策展人申請展覽，另約30坪規劃為櫥窗「常設展區」，展示館藏作品外，也設有捲軸影像互動區，與鳳甲美術館館藏電子書播映區。
此外，新館設有「社區圖書室」，位於入口處，還有「Cafe休憩區」，可讓參觀者簡單投幣，就可享受咖啡香。希望為社區民眾營造溫馨的美學場域，吸引更多年輕人走進美術館。
2008.03.08 03:29 am
由資深科技人邱再興，以他父親為名，在1999年所創設的鳳甲美術館，一直是北投地區重要的社區型美術館，也是台灣當代藝術發聲的重鎮之一。經過一年閉館後，新館日前重啟，將持續扮演社區的藝文場域及當代藝術的推手。
邱再興是企業家投入藝術推廣的代表人物，他與台灣科技界人士淵源很深。宏碁創辦人施振榮1971年從交大研究所畢業後，就加入邱再興的環宇電子，兩人相交數十年。施振榮談起邱再興，常幽默地說：「他是我的老闆。如果我是科技業的老前輩，他是老老前輩。」
此外，光寶董事長宋恭源、台灣松下董事長洪敏弘等企業人士，也都是邱再興的多年好友，近年來常一起參與企業贊助藝文活動；日前施振榮發起「藝企平台」，也特地選在鳳甲美術館新館舉辦。
邱再興1985年前從事科技業，後來看盡商場起落，自1990年決定不再投資電子業，轉而收藏藝術品，做個快樂的藝術欣賞者。
鳳甲美術館成立後，推動台灣當代藝術更是不遺餘力。邱再興透露，鳳甲美術館收藏許多台灣當代油畫，在全台灣數一數二。
鳳甲美術館只展出、不買賣參展藝術家作品，因為邱再興認為，他的生活很簡單，不再需要去賺錢。談起當代藝術，他相信還大有可為，且希望不要被人為炒作，路才走得久遠。
為了新館重新開張，邱再興委請實踐大學設計學院院長安郁茜設計新館空間，經過近十個月的設計、規劃、討論與施工，終於在3月1日重啟。
鳳甲美術館的新館，保留樓層中最方整的空間作為「特展區」，開放讓藝術創作者及獨立策展人申請展覽，另約30坪規劃為櫥窗「常設展區」，展示館藏作品外，也設有捲軸影像互動區，與鳳甲美術館館藏電子書播映區。
此外，新館設有「社區圖書室」，位於入口處，還有「Cafe休憩區」，可讓參觀者簡單投幣，就可享受咖啡香。希望為社區民眾營造溫馨的美學場域，吸引更多年輕人走進美術館。
2008年3月6日 星期四
藝術投資》沒事… 逛畫廊
【經濟日報╱雷盈】
2008.03.07 04:56 am
逛畫廊可不是有錢人的專利，只要你有興趣，到畫廊不但可以上免錢的藝術課、培養人文氣息，也可以交朋友、換訊息唷！
欣賞藝術、投資藝術也可以很容易。畫廊業者說，一般上般族可以利用假日相約看展，多跟畫廊老闆討論，免錢又能長知識，多逛多聽多看，日積月累下來，也能變成藝術通。
逛畫廊可不是有錢人的專利，Gallery J.Chen總監陳冠宇說，平常來逛畫廊的，60%到70%都是藝術愛好者，像是一般上般族、學生等；剩下的30%才是有效客戶，以高階主管居多，例如外商銀行主管，其中又以金融從業人員最多。
進畫廊不一定就要買畫，很多人都是逛了半年多，才買進第一張。藝術愛好者不妨先跟畫廊老闆多多請教、諮詢，這些聊天都免錢，更有不少客人善用此一資源，先免費上個半個月的討論課。
就在藝術國際公司總監林珮鈺說：「平常假日就逛畫廊，到書店翻藝術雜誌，記下展覽活動，然後三五好友規劃一下動線，一個下午安排二、三個畫廊晃一晃，中間喝咖啡，而且開幕會都有點心，也能趁用點心時交朋友、換訊息。」
林珮鈺說，如果真的看到喜歡的作品，就找畫廊經理聊聊，如果老闆沒時間，可以留下聯絡方式，畫廊都很樂意提供藝術家資料，因為現在出現不少新手，業者也想從中找到真正會買或可教育的藏家。
現在市場上也有很多藝術投資的課程，藝術愛好者可以多參考，一般課程規劃約為24小時，每堂（每小時）價錢約在300元到1,000元不等。不過，斯依畫廊總監周郁萍說：「上課之前，必須先搞清楚講師是誰，因為不少講師都是畫廊老闆，容易推銷，或是多講自己代理畫家的好話，所以要多比較課程內容與師資。」
周郁萍建議，有心想認識藝術、投資藝術的人，至少要跑十家以上的畫廊，因為每家畫廊的風格不同，投資觀念也不同，要多跑多聽，才能貨比三家知門路。
如果畫廊、展覽都逛過了，也上過坊間教育機構的藝術投資課程，就完成了「入門」課程，林珮鈺說，入門只是初步，如果想上進階課，得靠自己。只要藏家有心投入，畫廊就會依據藏家喜好及收藏目標做諮詢進階班。
2008.03.07 04:56 am
逛畫廊可不是有錢人的專利，只要你有興趣，到畫廊不但可以上免錢的藝術課、培養人文氣息，也可以交朋友、換訊息唷！
欣賞藝術、投資藝術也可以很容易。畫廊業者說，一般上般族可以利用假日相約看展，多跟畫廊老闆討論，免錢又能長知識，多逛多聽多看，日積月累下來，也能變成藝術通。
逛畫廊可不是有錢人的專利，Gallery J.Chen總監陳冠宇說，平常來逛畫廊的，60%到70%都是藝術愛好者，像是一般上般族、學生等；剩下的30%才是有效客戶，以高階主管居多，例如外商銀行主管，其中又以金融從業人員最多。
進畫廊不一定就要買畫，很多人都是逛了半年多，才買進第一張。藝術愛好者不妨先跟畫廊老闆多多請教、諮詢，這些聊天都免錢，更有不少客人善用此一資源，先免費上個半個月的討論課。
就在藝術國際公司總監林珮鈺說：「平常假日就逛畫廊，到書店翻藝術雜誌，記下展覽活動，然後三五好友規劃一下動線，一個下午安排二、三個畫廊晃一晃，中間喝咖啡，而且開幕會都有點心，也能趁用點心時交朋友、換訊息。」
林珮鈺說，如果真的看到喜歡的作品，就找畫廊經理聊聊，如果老闆沒時間，可以留下聯絡方式，畫廊都很樂意提供藝術家資料，因為現在出現不少新手，業者也想從中找到真正會買或可教育的藏家。
現在市場上也有很多藝術投資的課程，藝術愛好者可以多參考，一般課程規劃約為24小時，每堂（每小時）價錢約在300元到1,000元不等。不過，斯依畫廊總監周郁萍說：「上課之前，必須先搞清楚講師是誰，因為不少講師都是畫廊老闆，容易推銷，或是多講自己代理畫家的好話，所以要多比較課程內容與師資。」
周郁萍建議，有心想認識藝術、投資藝術的人，至少要跑十家以上的畫廊，因為每家畫廊的風格不同，投資觀念也不同，要多跑多聽，才能貨比三家知門路。
如果畫廊、展覽都逛過了，也上過坊間教育機構的藝術投資課程，就完成了「入門」課程，林珮鈺說，入門只是初步，如果想上進階課，得靠自己。只要藏家有心投入，畫廊就會依據藏家喜好及收藏目標做諮詢進階班。
2008年3月2日 星期日
校園動態》英國學院聯手 耕耘文創產業
【經濟日報╱官如玉】
2008.03.02 04:04 am
為了發展英國文化創意產業，英國皇家藝術學院、倫敦帝國理工學院將聯手推動結合設計、工程科技、商業的「創新研究三角」計畫。
金融時報報導，2007年，英國皇家藝術學院、倫敦帝國理工學院斥資580萬英鎊，成立教育和創新事業「設計倫敦（Design London）」綜合研究中心，旨在鼓勵整合產品與服務開發與設計的教學和研究。
這也是一個跨系的計畫，帝國理工學院的工程部門和田中商學院、皇家藝術學院都參與這項計畫。
兩家大學充分發揮自身的學術優勢，開創了結合設計、工程科技、商業的「創新研究三角計畫」。在此「三角關係」中，皇家藝術學院將負責設計領域的教學，工程和科技方面則以帝國理工學院為主導，附屬的田中商學院則將負責商管教育。
「設計倫敦」上個月邀集幾位設計界大師和企業界經營者開會獻計，推出五年期計畫。
這項計畫有很大的企圖心；設計和創新課程，今年將成為帝國理工學院MBA學生的主修，也將提供獎學金協助皇家藝術學院的學生、帝國的工學院研究生研修商業技能。
跨科系研究也是一個重點。已成立一個育成中心，開始測試新的商業構想。
「設計倫敦」諮詢委員會主席詹姆士爵士說：「皇家藝術學院、帝國理工學院的工程部門以及田中商學院，同心協力投入一個對英國經濟發展攸關重要的領域。」
他強調，「倫敦設計」可望加強工程、設計科技和商業之間的整合，相當具有教育意義。
2008.03.02 04:04 am
為了發展英國文化創意產業，英國皇家藝術學院、倫敦帝國理工學院將聯手推動結合設計、工程科技、商業的「創新研究三角」計畫。
金融時報報導，2007年，英國皇家藝術學院、倫敦帝國理工學院斥資580萬英鎊，成立教育和創新事業「設計倫敦（Design London）」綜合研究中心，旨在鼓勵整合產品與服務開發與設計的教學和研究。
這也是一個跨系的計畫，帝國理工學院的工程部門和田中商學院、皇家藝術學院都參與這項計畫。
兩家大學充分發揮自身的學術優勢，開創了結合設計、工程科技、商業的「創新研究三角計畫」。在此「三角關係」中，皇家藝術學院將負責設計領域的教學，工程和科技方面則以帝國理工學院為主導，附屬的田中商學院則將負責商管教育。
「設計倫敦」上個月邀集幾位設計界大師和企業界經營者開會獻計，推出五年期計畫。
這項計畫有很大的企圖心；設計和創新課程，今年將成為帝國理工學院MBA學生的主修，也將提供獎學金協助皇家藝術學院的學生、帝國的工學院研究生研修商業技能。
跨科系研究也是一個重點。已成立一個育成中心，開始測試新的商業構想。
「設計倫敦」諮詢委員會主席詹姆士爵士說：「皇家藝術學院、帝國理工學院的工程部門以及田中商學院，同心協力投入一個對英國經濟發展攸關重要的領域。」
他強調，「倫敦設計」可望加強工程、設計科技和商業之間的整合，相當具有教育意義。
2008年2月29日 星期五
文創拔地起，藝術去哪裡？ — 檢視文化政策論壇（序）
文／吳牧青
一切還是先從看不見文化政策、卻攸關這片土地未來藝文走向的兩場揭開2008權力遊戲（立委選舉、總統大選）說起。
姑且不提過去的中央民意代表群裡有多少自稱「文化立委」卻未致力藝文政策推動，放任中央與地方政府的文化官員在「產值」上玩弄數字遊戲的「文化創意產業」大行其道。新任期從小選區生死戰出線的立委，除了代表是兩大黨PK和地方勢力之霸的競逐外，再也沒有民代想靠「文化立委」往自個兒臉上貼金的假義氣。即將到來的總統大選，兩方人馬除了大開支票，提高不知是不是芭樂票的文化預算外。一邊高舉升格為「文化觀光部」，另一頭則搖起「文化體育部」的旗幟，這兩者的背後，除了為將來運作新的官僚系統權力劃分，我們實在看不見為整體藝文創作的施政計劃和展覽演出空間的因應政策。（前者在首都所在地預演了文化和觀光整併的進軍中央計畫，後者則南下佈樁為體委會南遷與文建會衛武營統整事宜磋商。）
然而，對於檯面上的兩方政團，「文化創意」和市場經濟下的「產值」遊戲實踐，從2008才要步步展開。
才剛剛結束的2008台北燈節，從媒體業找來的新任觀光局長，轉型為「觀光傳播局」退為輔助公關及傳播性質的機關後。由文化局正式推演的台北燈節，則成為文化局高燈下亮的新年大玩具。當局宣示公共藝術進入傳統節日的論述，說得可妙︰「『2008臺北燈節』將由文化局導入公共藝術『改造公共空間、關照在地特色』的概念，並企圖回應各界對於整體燈節應更為永續的訴求，期能給予參與『2008臺北燈節』的民眾，一個可以同時體驗元宵節溫馨熱鬧的氣氛、實踐綠色公民責任、以及現代工藝設計藝術的嶄新感受。」如果說將觀光事業公共藝術化，是整合了跨部門的資源前行，那倒無可厚非。問題在這嘉年華城市行銷的背後是由主掌這城市的展覽龍頭—台北市立美術館所責成執行，據悉，2009年的花卉博覽會，也將由北美館來負責。一個號稱台灣當代藝術頂尖展的台北雙年展，一屆不過 100萬美元的預算，卻被迫脫離專業，運作起觀光大業的業務，豈不荒謬？
華山從十年前一個中央地方均視為燙手山芋的廢墟，慢慢從一個「閒置空間再利用」升格為受各個藝文展演團隊注目而驚豔的多元使用空間，在各方藝文團隊幾近徒手幹起的華山藝文特區出現口碑後，再被文建會塑造成待價而沽的「華山創意文化園區」，隨著華山ROT案的招標開始到底定的這三年期間，華山的節目數量大幅退化不談，參差不齊的展覽和活動素質反倒更顯露當初「閒置空間」的無政府狀態。而接掌「華山文化創意園區ROT案」的台灣文創公司，除了在產值上和品項將亦步亦趨地跟隨政策宣示的「創意產業旗艦中心」，未來華山將由誰來監督它的方向性，也是令藝文界茫茫然而未知所以。
表演藝術的龍頭機構，兩廳院（國立中正文化中心）表面上看似度過了它所在板塊的政治風暴—「拆匾／更名風波」，更是風風光光地在2007年邀來超過10組國內外大師級的劇場／音樂／舞蹈節目，歡慶她20週年的演出，但是，在其背後的這一年，兩廳院宣示身為第一個法人化的文化機構，經歷了NSO總監難產、兩廳院藝術總監難產，好不容易遴選出執政當局信賴的學者出線，卻又在未到一年的當下退官求去。法人化之後未能下放權力給予專業的行政作風，更讓多方不具政界色彩的藝文團隊和藝術學院的學者憂心忡忡。
台中酒廠、嘉義酒廠、台南分局北門倉庫、花蓮酒廠和台北的華山定位為「五大創意文化園區」，藝術由場地的核心退居到為文化觀光／文化消費服務的企圖自毋需多言。首都的文化局在成立文化基金會轄下，主宰了北美館、當代館、紅樓、小巨蛋、牯嶺街小劇場、中山堂等等多個館所，在名義上可以整合文化事業資源，但在行政上卻可以閃躲過議會的監督。
在接下來的數周，《破》將邀集公部門轄屬的文化行政工作者、創作者、評論者、學者、策展人、民間文化機構等等，讓他們在現今斷代式的官派治理下的各種對文化工作者的衝突與矛盾，針對各方的親身經歷或熟悉的個案分析，以各個面項來彙整出對各執政當局對文化政策付之闕如的概念。
我們無意在這場文化政策的論壇裡，被現今的任一個政治集團利用、抹綠抹藍或抹紅，更無意去簡化商業藝術或設計創意的既有市場性，如果雲門舞集倉庫的一把火只是換來「好可憐VS活該」的鄉民口舌，我們更需要去理解這背後的文化官僚系統是所為何事，進而透過《破》的資訊平台，監督我們的文化環境。
一切還是先從看不見文化政策、卻攸關這片土地未來藝文走向的兩場揭開2008權力遊戲（立委選舉、總統大選）說起。
姑且不提過去的中央民意代表群裡有多少自稱「文化立委」卻未致力藝文政策推動，放任中央與地方政府的文化官員在「產值」上玩弄數字遊戲的「文化創意產業」大行其道。新任期從小選區生死戰出線的立委，除了代表是兩大黨PK和地方勢力之霸的競逐外，再也沒有民代想靠「文化立委」往自個兒臉上貼金的假義氣。即將到來的總統大選，兩方人馬除了大開支票，提高不知是不是芭樂票的文化預算外。一邊高舉升格為「文化觀光部」，另一頭則搖起「文化體育部」的旗幟，這兩者的背後，除了為將來運作新的官僚系統權力劃分，我們實在看不見為整體藝文創作的施政計劃和展覽演出空間的因應政策。（前者在首都所在地預演了文化和觀光整併的進軍中央計畫，後者則南下佈樁為體委會南遷與文建會衛武營統整事宜磋商。）
然而，對於檯面上的兩方政團，「文化創意」和市場經濟下的「產值」遊戲實踐，從2008才要步步展開。
才剛剛結束的2008台北燈節，從媒體業找來的新任觀光局長，轉型為「觀光傳播局」退為輔助公關及傳播性質的機關後。由文化局正式推演的台北燈節，則成為文化局高燈下亮的新年大玩具。當局宣示公共藝術進入傳統節日的論述，說得可妙︰「『2008臺北燈節』將由文化局導入公共藝術『改造公共空間、關照在地特色』的概念，並企圖回應各界對於整體燈節應更為永續的訴求，期能給予參與『2008臺北燈節』的民眾，一個可以同時體驗元宵節溫馨熱鬧的氣氛、實踐綠色公民責任、以及現代工藝設計藝術的嶄新感受。」如果說將觀光事業公共藝術化，是整合了跨部門的資源前行，那倒無可厚非。問題在這嘉年華城市行銷的背後是由主掌這城市的展覽龍頭—台北市立美術館所責成執行，據悉，2009年的花卉博覽會，也將由北美館來負責。一個號稱台灣當代藝術頂尖展的台北雙年展，一屆不過 100萬美元的預算，卻被迫脫離專業，運作起觀光大業的業務，豈不荒謬？
華山從十年前一個中央地方均視為燙手山芋的廢墟，慢慢從一個「閒置空間再利用」升格為受各個藝文展演團隊注目而驚豔的多元使用空間，在各方藝文團隊幾近徒手幹起的華山藝文特區出現口碑後，再被文建會塑造成待價而沽的「華山創意文化園區」，隨著華山ROT案的招標開始到底定的這三年期間，華山的節目數量大幅退化不談，參差不齊的展覽和活動素質反倒更顯露當初「閒置空間」的無政府狀態。而接掌「華山文化創意園區ROT案」的台灣文創公司，除了在產值上和品項將亦步亦趨地跟隨政策宣示的「創意產業旗艦中心」，未來華山將由誰來監督它的方向性，也是令藝文界茫茫然而未知所以。
表演藝術的龍頭機構，兩廳院（國立中正文化中心）表面上看似度過了它所在板塊的政治風暴—「拆匾／更名風波」，更是風風光光地在2007年邀來超過10組國內外大師級的劇場／音樂／舞蹈節目，歡慶她20週年的演出，但是，在其背後的這一年，兩廳院宣示身為第一個法人化的文化機構，經歷了NSO總監難產、兩廳院藝術總監難產，好不容易遴選出執政當局信賴的學者出線，卻又在未到一年的當下退官求去。法人化之後未能下放權力給予專業的行政作風，更讓多方不具政界色彩的藝文團隊和藝術學院的學者憂心忡忡。
台中酒廠、嘉義酒廠、台南分局北門倉庫、花蓮酒廠和台北的華山定位為「五大創意文化園區」，藝術由場地的核心退居到為文化觀光／文化消費服務的企圖自毋需多言。首都的文化局在成立文化基金會轄下，主宰了北美館、當代館、紅樓、小巨蛋、牯嶺街小劇場、中山堂等等多個館所，在名義上可以整合文化事業資源，但在行政上卻可以閃躲過議會的監督。
在接下來的數周，《破》將邀集公部門轄屬的文化行政工作者、創作者、評論者、學者、策展人、民間文化機構等等，讓他們在現今斷代式的官派治理下的各種對文化工作者的衝突與矛盾，針對各方的親身經歷或熟悉的個案分析，以各個面項來彙整出對各執政當局對文化政策付之闕如的概念。
我們無意在這場文化政策的論壇裡，被現今的任一個政治集團利用、抹綠抹藍或抹紅，更無意去簡化商業藝術或設計創意的既有市場性，如果雲門舞集倉庫的一把火只是換來「好可憐VS活該」的鄉民口舌，我們更需要去理解這背後的文化官僚系統是所為何事，進而透過《破》的資訊平台，監督我們的文化環境。
2008年2月27日 星期三
Sale of the century: UK gets art collection for 80% off
· Donation could fill floor and a half of Tate Modern
· Bequest ranks among those by Samuel Courtauld and Henry Tate
Mark Brown, arts correspondent
Wednesday February 27, 2008
guardian.co.uk
An act of artistic philanthropy on a par with Britain's greatest - including bequests by Samuel Courtauld and Henry Tate - was unveiled today in a move that will see 725 works of postwar and contemporary art donated to the nation.
The London dealer Anthony d'Offay is giving over almost his entire collection - now conservatively valued at £125m - for the price he paid originally. The collection contains some of the finest works by the most important artists of the last 50 years, including Joseph Beuys, Gilbert and George, Jeff Koons and Damien Hirst. It will be called Artist Rooms and it will be jointly owned and managed for the nation by the National Galleries of Scotland and Tate.
The scale of the donation is remarkable: enough art to easily fill a floor and a half of London's Tate Modern. Artist Rooms will take the form of 50 rooms of contemporary art by 25 artists, with the intention that they will be seen across the UK and not just in London and Edinburgh. The first partners will include galleries as far apart as Inverness, Bexhill and Cardiff.
D'Offay is offering the art at the original price paid rather than its current value. That amounts to almost £28m with £10m each being paid by the British government and the Scottish government. The remaining £8m will come from the Art Fund (£1m) and National Heritage Memorial Fund (£7m).
"He is making a loss," said the Tate's director Nicholas Serota. "It is one of the most generous gifts that has ever been made to museums in this country. Anthony's concept has always been to try and show artists in depth. That's how he has collected and that's how he would like this gift to be seen. A gift of this magnitude will completely transform the opportunity to experience contemporary art in the UK."
D'Offay told the Guardian the idea of Artist Rooms had been seven years in the planning. "It's really to do with education for young people. Outside London and Edinburgh it is very difficult to see great contemporary art. I was born in Sheffield and brought up in Leicester and I was very conscious that what I could see in museums was 18th-century portraits, Egyptian mummies and stuffed animals.
"Art is important because it stimulates young people's creativity. If you see great art it makes you ask questions and if you ask questions it makes you seek answers. It's always been in my mind that this is something I wanted to do."
D'Offay was originally in talks with Scotland's galleries and the Tate became involved because of the sheer scale.
Much of the art will plug significant gaps in Britain's national collections. Three rooms will comprise 69 black-and-white photographs by the pioneering Diane Arbus who, despite her reputation as one of the greatest American photographers, is not represented at either Tate or the National Galleries of Scotland.
It is a similar story for other artists. Tate holds just one work by Jeff Koons and the NGS none. Now D'Offay is giving over 17 Koons works including Winter Bears, 1988. Robert Mapplethorpe, the boundary-pushing American photographer is not represented at all, but now three rooms will be filled with 64 photographs, probably the best collection in the world after the Guggenheim's.
D'Offay is also donating a breathtaking collection of 136 works by Joseph Beuys, including 20 sculptures; nine works by Gilbert and George including one of their earliest together, George the Cunt and Gilbert the Shit from 1970; five Damien Hirsts including his largest early spot painting and a sheep in formaldehyde; six important works filling three rooms by German artist Anselm Kiefer; 14 works which at a stroke vastly improve the collection of Gerhard Richter; and 22 works by American Ed Ruscha. The list goes on.
Both the galleries and d'Offay hope it will set a precedent and act as an example for others with the wherewithal to follow.
John Leighton, director of the National Galleries of Scotland, said: "Our postwar and contemporary art collections are weak - at a stroke it becomes one of international significance."
The touring nature of the scheme is central and 11 regional galleries - Aberdeen, Bexhill, Colchester, Glasgow, Inverness, Middlesbrough, Cardiff, Walsall, Orkney, Belfast, Wolverhampton - have already signed up to host rooms. Nor is it a finished project. "This isn't something that is locked, finished, complete," said Serota. "We would hope to buy one or two more rooms a year."
Serota said the donation was up there with the great bequests which led to the establishment of the Tate, by Henry Tate at the end of the 19th century, and the Courtauld Institute of Art, by Samuel Courtauld in the 1930s and 1940s.
"It is an extraordinary act of philanthropy and I don't know the equivalent of it anywhere else in the world. It will be a legacy for future generations," he added.
It is hoped the public will get to see the first rooms in spring 2009.
Andy Warhol, Skulls (1976)
Winter Bears (1988) by Jeff Koons
Gilbert & George, Existers (1984)
Ron Mueck, Spooning Couple (2005)
Wall Drawing #1136 (2004) by Sol Le Witt
Self-Portrait (1983) by Robert Mapplethorpe
Bruce Nauman, La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972)
Damien Hirst, Away from the Flock (1995)
Richard Hamilton, Four Self-portraits (1990)
Gerhard Richter, Abstraktes Blid (1994)
· Bequest ranks among those by Samuel Courtauld and Henry Tate
Mark Brown, arts correspondent
Wednesday February 27, 2008
guardian.co.uk
An act of artistic philanthropy on a par with Britain's greatest - including bequests by Samuel Courtauld and Henry Tate - was unveiled today in a move that will see 725 works of postwar and contemporary art donated to the nation.
The London dealer Anthony d'Offay is giving over almost his entire collection - now conservatively valued at £125m - for the price he paid originally. The collection contains some of the finest works by the most important artists of the last 50 years, including Joseph Beuys, Gilbert and George, Jeff Koons and Damien Hirst. It will be called Artist Rooms and it will be jointly owned and managed for the nation by the National Galleries of Scotland and Tate.
The scale of the donation is remarkable: enough art to easily fill a floor and a half of London's Tate Modern. Artist Rooms will take the form of 50 rooms of contemporary art by 25 artists, with the intention that they will be seen across the UK and not just in London and Edinburgh. The first partners will include galleries as far apart as Inverness, Bexhill and Cardiff.
D'Offay is offering the art at the original price paid rather than its current value. That amounts to almost £28m with £10m each being paid by the British government and the Scottish government. The remaining £8m will come from the Art Fund (£1m) and National Heritage Memorial Fund (£7m).
"He is making a loss," said the Tate's director Nicholas Serota. "It is one of the most generous gifts that has ever been made to museums in this country. Anthony's concept has always been to try and show artists in depth. That's how he has collected and that's how he would like this gift to be seen. A gift of this magnitude will completely transform the opportunity to experience contemporary art in the UK."
D'Offay told the Guardian the idea of Artist Rooms had been seven years in the planning. "It's really to do with education for young people. Outside London and Edinburgh it is very difficult to see great contemporary art. I was born in Sheffield and brought up in Leicester and I was very conscious that what I could see in museums was 18th-century portraits, Egyptian mummies and stuffed animals.
"Art is important because it stimulates young people's creativity. If you see great art it makes you ask questions and if you ask questions it makes you seek answers. It's always been in my mind that this is something I wanted to do."
D'Offay was originally in talks with Scotland's galleries and the Tate became involved because of the sheer scale.
Much of the art will plug significant gaps in Britain's national collections. Three rooms will comprise 69 black-and-white photographs by the pioneering Diane Arbus who, despite her reputation as one of the greatest American photographers, is not represented at either Tate or the National Galleries of Scotland.
It is a similar story for other artists. Tate holds just one work by Jeff Koons and the NGS none. Now D'Offay is giving over 17 Koons works including Winter Bears, 1988. Robert Mapplethorpe, the boundary-pushing American photographer is not represented at all, but now three rooms will be filled with 64 photographs, probably the best collection in the world after the Guggenheim's.
D'Offay is also donating a breathtaking collection of 136 works by Joseph Beuys, including 20 sculptures; nine works by Gilbert and George including one of their earliest together, George the Cunt and Gilbert the Shit from 1970; five Damien Hirsts including his largest early spot painting and a sheep in formaldehyde; six important works filling three rooms by German artist Anselm Kiefer; 14 works which at a stroke vastly improve the collection of Gerhard Richter; and 22 works by American Ed Ruscha. The list goes on.
Both the galleries and d'Offay hope it will set a precedent and act as an example for others with the wherewithal to follow.
John Leighton, director of the National Galleries of Scotland, said: "Our postwar and contemporary art collections are weak - at a stroke it becomes one of international significance."
The touring nature of the scheme is central and 11 regional galleries - Aberdeen, Bexhill, Colchester, Glasgow, Inverness, Middlesbrough, Cardiff, Walsall, Orkney, Belfast, Wolverhampton - have already signed up to host rooms. Nor is it a finished project. "This isn't something that is locked, finished, complete," said Serota. "We would hope to buy one or two more rooms a year."
Serota said the donation was up there with the great bequests which led to the establishment of the Tate, by Henry Tate at the end of the 19th century, and the Courtauld Institute of Art, by Samuel Courtauld in the 1930s and 1940s.
"It is an extraordinary act of philanthropy and I don't know the equivalent of it anywhere else in the world. It will be a legacy for future generations," he added.
It is hoped the public will get to see the first rooms in spring 2009.
Andy Warhol, Skulls (1976)
Winter Bears (1988) by Jeff Koons
Gilbert & George, Existers (1984)
Ron Mueck, Spooning Couple (2005)
Wall Drawing #1136 (2004) by Sol Le Witt
Self-Portrait (1983) by Robert Mapplethorpe
Bruce Nauman, La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972)
Damien Hirst, Away from the Flock (1995)
Richard Hamilton, Four Self-portraits (1990)
Gerhard Richter, Abstraktes Blid (1994)
2007年10月30日 星期二
張曉剛 卡夫卡式的藝術家
来源:人民日報海外版
位於北京城郊的酒廠藝術園，在烈日下燥熱而安靜。下午起來，穿著汗衫大褲衩的張曉剛，應聲出來開門——門外站著六七個人，分屬於日本、法國以及中國本土的3家不同媒體記者，禮貌而固執地要求採訪。
這還不是他的最高紀錄，最多時，他的工作室裡同時接待過5撥記者。這個少年時害羞、沉默、輕度自閉的畫家，現在可以流水作業般，從容應付那些內容相仿的提問。
畫室的四面，豎著他新畫的作品，隨著工作室越來越大，他的畫也越來越大了，整整一面牆的尺寸，畫了5個一字排開的小孩子，他們分別穿著工農商學兵的服飾，滿臉成人般井然、嚴肅的世故表情。
從去年開始，張曉剛的畫在拍賣會上屢創新高，《大家庭》系列中的一幅在蘇富比拍到了78萬美元。很快，他的《天安門》在經過一番激烈競投之後，被一位神秘買家以1800萬港元拍得，而這幅畫從他手中被買走時，價格只不過是1000多美元。他的名字很快飆進了全球當代最著名的畫家之列，並創下了活著的亞洲畫家的拍賣最高紀錄。“我的畫賣100美元的時候，心裡是實實在在的踏實，賣到100萬美元的時候，反而感覺很虛幻。這個市場瘋掉了。”
與名畫家同班
張曉剛4歲開始握畫筆。在機關工作的母親怕孩子們出去野，便教幾兄弟畫畫打發時間，最後只有老三張曉剛堅持下來。“小時候害羞，基本上不怎麼跟人來往，一個人呆在家，看書，畫畫，慢慢變成了一種習慣，一種精神寄託，同時，也是一個出口。通過畫畫，你可以和你創作的人物交流，就不用跟外面的人交流了。”
16歲那年，父親帶他去看望一個畫家。這位啟蒙老師把歐洲的繪畫技法和理念灌輸給了張曉剛。“我完全控制不了自己學畫的欲望，每天都跑到那位畫家家裡學畫畫，進步飛快。父母都認為我瘋掉了。”
在張曉剛的印象裡，從小到大，他幾乎就沒有從父母老師那兒得到過表揚，教畫畫的老師雖然認為他是自己最得意的門生，但也從不說一句讚揚的話。這種藝術上的自卑，在張曉剛考入四川美院以後，被放大到了最大。“別人跟我說我的人事關係被四川拿走時，我說：‘不可能，我這麼差。是不是招生的人弄錯了？’”
張曉剛所在的班級，是當時全國美術界的明星班，何多苓、程叢林、羅中立、高小華等，都是他當時的同班同學。初進校時，跑到同學宿舍一看，他就傻眼了，他們畫得太好了！“比我臨摹的範本都好很多，簡直跟國外的畫冊一樣。像何多苓的畫，我覺得跟謝洛夫沒什麼區別。”
太平間樓上
他們班的同學很快創作了一批傷痕題材的作品：程叢林的《1968年×月×日雪》、高小華的《為什麼》、何多苓的《春風已經蘇醒》、羅中立的《父親》都在全國引起了極大的轟動。傷痕繪畫的風格和語言主要是學習俄羅斯巡迴畫派，這與張曉剛從啟蒙老師那裡學習的歐洲繪畫模式有著很大的不同，也與他的天性相左，他試圖糾正和模仿，但始終覺得彆扭。一年級結束的時候，他寫信給哥哥說：整整一年都沒有進步，我想退學。
大學二年級的時候，學校圖書館買入了一些西方現代藝術的畫冊，當時還看不懂的表現主義和超現實主義把張曉剛弄得很興奮，他發現除了蘇聯式的繪畫語言之外，原來大有另外的道路可走。
臨畢業創作時，他去四川阿壩藏族地區體驗生活，回來後畫了一批藏族題材的創作稿。結果學校認為他的風格太粗野，草稿沒有通過，沒發給他畫布、畫框和顏料。張曉剛最後把畫畫在牛皮紙上，在四川美院成了一個眾所周知的事件。
時任《美術》雜誌編輯的栗憲庭來四川組稿、找新人。開會時，栗憲庭說了句，“除了別人的，張曉剛的這批也不錯。”就因為老栗這句話，學校通過了張曉剛的畢業創作。當期的《美術》發表了羅中立和張曉剛的作品，評價張曉剛有“近乎凡高的情緒”。這在很大程度上鼓舞了他的藝術自信。
畢業回到老家雲南昆明，張曉剛在地方歌舞團做過幾年舞美，“白天看很豔俗的東西，晚上畫一些恐怖的魔鬼”，主張在理性主義之外尋找神秘而原始的生命訴求。後來又轉到四川美院任教，“四川美院盛行的是鄉土藝術，只有我和葉永青兩個人喜歡現代藝術，校領導還勸教師不要跟我們來往。”
有幾年他幾乎是泡在酒桶裡，“每個星期大醉一場，小醉兩場”。喝得胃出血，被送到醫院住了兩個月，他病房的樓下，是太平間。
他要求醫生讓他看看人死的時候是什麼樣子，醫生同意了。這也許是他第一次觸摸到死亡。“生死關頭是一個體驗。當時又年輕，又有幻想，讀的書又比較多，受到的毒害比較深，加上身體不好，想的問題就比較大，比如死亡，比如宗教。”那段時間，他陸續畫了一批陰暗、晦澀的作品：肢解的手，殘缺的軀體，疑似人腦或羊腸的不明物體軟塌塌地堆成一團，而上帝的頭顱漂在水面上……
“出院以後我開始畫一些跟死亡有關的題材，精神上又孤獨又驕傲，覺得自己想要表達的東西和周圍已經有了距離，沒有辦法跟別人溝通。我們那幫人基本上都是過這種分裂的生活。”
血緣牢不可破，家庭不堪一擊
1993年，張曉剛從北京回到昆明老家，他發現了一套家藏的老照片，大時代背景下的小家庭，是不是可以作為一系列以“文革”為背景的創作素材？
那瞬間，他感覺到，“要出東西了”！似乎是某種更為強大的意志抓住他作為一件表達的工具。為了達到想要的效果，他花了兩年時間專門研究技法，把背景降到最低，把色彩降到最低，把一切學院教給他的東西降到最低。按照他的畫法，每一幅畫他都必須畫三到四遍以上，一層幹了，畫另一層。“我是一個追求原作感的畫家，我一定要讓人看了我的原作，覺得看印刷品不過癮。”
張曉剛似乎永遠也畫不出陽光明媚的畫來，他的性格決定了他的藝術作品永遠是陰性和憂鬱的。後來的《血緣大家庭》系列、《同志》以及《記憶與失憶》等系列，那些似乎是斑駁老照片中的人物，擁有被時代整齊劃一了的外型、衣著和表情，單眼皮的眼睛，眼仁微微凸起，冷漠而警覺，神態遊移。
“我就像家裡一個多餘的人，他們根本不需要我。下鄉時，臨走前我爸給我哥10元，只給我5元，哥哥分一些錢給我，我爸還跟他說：‘別給他，他又會亂花。’我每次從鄉下回家，一定要背一袋米回來，快吃完的時候，我爸就會跟我說：‘米吃完了，你該走了。’如果我不帶口糧回去，他會說：‘我們怎麼養得起你？’所以，我從小就沒有家的感覺，下鄉讓我精神愉快，我覺得我自由了，能夠靠勞動掙錢養活自己，離家越遠越好。”
曾經有一個法國人對張曉剛說，感覺他是一個“卡夫卡式的藝術家”——比較關注私密性；內向，相對地封閉自己；關注的都是個人的感覺，而且是不太正常的感覺；都有幻想的成分；都是日記式的表述方式，寫什麼都是我我我，而不是他他他。“我覺得他說得很有道理，而且我也很喜歡卡夫卡。”
1999年與唐蕾離婚後，他拎了個包從成都來到北京，41歲換個城市重新租房過單身漢的生活。上午睡覺，下午畫畫，晚上跟朋友們碰面、喝酒。之後的8年裡，他搬了好幾次家，還是沒找到紮根北京的感覺，他說：我是一條野狗。
一次在重慶，他跟方力均、王廣義一起辦講座，學生問他，對血緣和家庭怎麼看，他脫口而出：血緣牢不可破，家庭不堪一擊。
是的，掌握了血緣與家庭，就掌握了張曉剛的主線。他的畫裡永遠都是父母隱約浮現的面孔，他的工作室裡貼著女兒歡歡從小到大的照片。女兒13歲出畫冊《家有小狗》，他歡喜地為她寫序言，並暗自得意孩子繼承了他的稟賦。他辦公桌上的煙缸，是一隻張開的大手，每個手指頭上都刻著不同表情的人臉。女兒小的時候，他常把自己的手指頭畫上哭笑各異的人臉，他的大手就成了女兒的玩具。女兒大了，看見這樣的煙缸，憶起兒時的遊戲，就買下來，送給他。
位於北京城郊的酒廠藝術園，在烈日下燥熱而安靜。下午起來，穿著汗衫大褲衩的張曉剛，應聲出來開門——門外站著六七個人，分屬於日本、法國以及中國本土的3家不同媒體記者，禮貌而固執地要求採訪。
這還不是他的最高紀錄，最多時，他的工作室裡同時接待過5撥記者。這個少年時害羞、沉默、輕度自閉的畫家，現在可以流水作業般，從容應付那些內容相仿的提問。
畫室的四面，豎著他新畫的作品，隨著工作室越來越大，他的畫也越來越大了，整整一面牆的尺寸，畫了5個一字排開的小孩子，他們分別穿著工農商學兵的服飾，滿臉成人般井然、嚴肅的世故表情。
從去年開始，張曉剛的畫在拍賣會上屢創新高，《大家庭》系列中的一幅在蘇富比拍到了78萬美元。很快，他的《天安門》在經過一番激烈競投之後，被一位神秘買家以1800萬港元拍得，而這幅畫從他手中被買走時，價格只不過是1000多美元。他的名字很快飆進了全球當代最著名的畫家之列，並創下了活著的亞洲畫家的拍賣最高紀錄。“我的畫賣100美元的時候，心裡是實實在在的踏實，賣到100萬美元的時候，反而感覺很虛幻。這個市場瘋掉了。”
與名畫家同班
張曉剛4歲開始握畫筆。在機關工作的母親怕孩子們出去野，便教幾兄弟畫畫打發時間，最後只有老三張曉剛堅持下來。“小時候害羞，基本上不怎麼跟人來往，一個人呆在家，看書，畫畫，慢慢變成了一種習慣，一種精神寄託，同時，也是一個出口。通過畫畫，你可以和你創作的人物交流，就不用跟外面的人交流了。”
16歲那年，父親帶他去看望一個畫家。這位啟蒙老師把歐洲的繪畫技法和理念灌輸給了張曉剛。“我完全控制不了自己學畫的欲望，每天都跑到那位畫家家裡學畫畫，進步飛快。父母都認為我瘋掉了。”
在張曉剛的印象裡，從小到大，他幾乎就沒有從父母老師那兒得到過表揚，教畫畫的老師雖然認為他是自己最得意的門生，但也從不說一句讚揚的話。這種藝術上的自卑，在張曉剛考入四川美院以後，被放大到了最大。“別人跟我說我的人事關係被四川拿走時，我說：‘不可能，我這麼差。是不是招生的人弄錯了？’”
張曉剛所在的班級，是當時全國美術界的明星班，何多苓、程叢林、羅中立、高小華等，都是他當時的同班同學。初進校時，跑到同學宿舍一看，他就傻眼了，他們畫得太好了！“比我臨摹的範本都好很多，簡直跟國外的畫冊一樣。像何多苓的畫，我覺得跟謝洛夫沒什麼區別。”
太平間樓上
他們班的同學很快創作了一批傷痕題材的作品：程叢林的《1968年×月×日雪》、高小華的《為什麼》、何多苓的《春風已經蘇醒》、羅中立的《父親》都在全國引起了極大的轟動。傷痕繪畫的風格和語言主要是學習俄羅斯巡迴畫派，這與張曉剛從啟蒙老師那裡學習的歐洲繪畫模式有著很大的不同，也與他的天性相左，他試圖糾正和模仿，但始終覺得彆扭。一年級結束的時候，他寫信給哥哥說：整整一年都沒有進步，我想退學。
大學二年級的時候，學校圖書館買入了一些西方現代藝術的畫冊，當時還看不懂的表現主義和超現實主義把張曉剛弄得很興奮，他發現除了蘇聯式的繪畫語言之外，原來大有另外的道路可走。
臨畢業創作時，他去四川阿壩藏族地區體驗生活，回來後畫了一批藏族題材的創作稿。結果學校認為他的風格太粗野，草稿沒有通過，沒發給他畫布、畫框和顏料。張曉剛最後把畫畫在牛皮紙上，在四川美院成了一個眾所周知的事件。
時任《美術》雜誌編輯的栗憲庭來四川組稿、找新人。開會時，栗憲庭說了句，“除了別人的，張曉剛的這批也不錯。”就因為老栗這句話，學校通過了張曉剛的畢業創作。當期的《美術》發表了羅中立和張曉剛的作品，評價張曉剛有“近乎凡高的情緒”。這在很大程度上鼓舞了他的藝術自信。
畢業回到老家雲南昆明，張曉剛在地方歌舞團做過幾年舞美，“白天看很豔俗的東西，晚上畫一些恐怖的魔鬼”，主張在理性主義之外尋找神秘而原始的生命訴求。後來又轉到四川美院任教，“四川美院盛行的是鄉土藝術，只有我和葉永青兩個人喜歡現代藝術，校領導還勸教師不要跟我們來往。”
有幾年他幾乎是泡在酒桶裡，“每個星期大醉一場，小醉兩場”。喝得胃出血，被送到醫院住了兩個月，他病房的樓下，是太平間。
他要求醫生讓他看看人死的時候是什麼樣子，醫生同意了。這也許是他第一次觸摸到死亡。“生死關頭是一個體驗。當時又年輕，又有幻想，讀的書又比較多，受到的毒害比較深，加上身體不好，想的問題就比較大，比如死亡，比如宗教。”那段時間，他陸續畫了一批陰暗、晦澀的作品：肢解的手，殘缺的軀體，疑似人腦或羊腸的不明物體軟塌塌地堆成一團，而上帝的頭顱漂在水面上……
“出院以後我開始畫一些跟死亡有關的題材，精神上又孤獨又驕傲，覺得自己想要表達的東西和周圍已經有了距離，沒有辦法跟別人溝通。我們那幫人基本上都是過這種分裂的生活。”
血緣牢不可破，家庭不堪一擊
1993年，張曉剛從北京回到昆明老家，他發現了一套家藏的老照片，大時代背景下的小家庭，是不是可以作為一系列以“文革”為背景的創作素材？
那瞬間，他感覺到，“要出東西了”！似乎是某種更為強大的意志抓住他作為一件表達的工具。為了達到想要的效果，他花了兩年時間專門研究技法，把背景降到最低，把色彩降到最低，把一切學院教給他的東西降到最低。按照他的畫法，每一幅畫他都必須畫三到四遍以上，一層幹了，畫另一層。“我是一個追求原作感的畫家，我一定要讓人看了我的原作，覺得看印刷品不過癮。”
張曉剛似乎永遠也畫不出陽光明媚的畫來，他的性格決定了他的藝術作品永遠是陰性和憂鬱的。後來的《血緣大家庭》系列、《同志》以及《記憶與失憶》等系列，那些似乎是斑駁老照片中的人物，擁有被時代整齊劃一了的外型、衣著和表情，單眼皮的眼睛，眼仁微微凸起，冷漠而警覺，神態遊移。
“我就像家裡一個多餘的人，他們根本不需要我。下鄉時，臨走前我爸給我哥10元，只給我5元，哥哥分一些錢給我，我爸還跟他說：‘別給他，他又會亂花。’我每次從鄉下回家，一定要背一袋米回來，快吃完的時候，我爸就會跟我說：‘米吃完了，你該走了。’如果我不帶口糧回去，他會說：‘我們怎麼養得起你？’所以，我從小就沒有家的感覺，下鄉讓我精神愉快，我覺得我自由了，能夠靠勞動掙錢養活自己，離家越遠越好。”
曾經有一個法國人對張曉剛說，感覺他是一個“卡夫卡式的藝術家”——比較關注私密性；內向，相對地封閉自己；關注的都是個人的感覺，而且是不太正常的感覺；都有幻想的成分；都是日記式的表述方式，寫什麼都是我我我，而不是他他他。“我覺得他說得很有道理，而且我也很喜歡卡夫卡。”
1999年與唐蕾離婚後，他拎了個包從成都來到北京，41歲換個城市重新租房過單身漢的生活。上午睡覺，下午畫畫，晚上跟朋友們碰面、喝酒。之後的8年裡，他搬了好幾次家，還是沒找到紮根北京的感覺，他說：我是一條野狗。
一次在重慶，他跟方力均、王廣義一起辦講座，學生問他，對血緣和家庭怎麼看，他脫口而出：血緣牢不可破，家庭不堪一擊。
是的，掌握了血緣與家庭，就掌握了張曉剛的主線。他的畫裡永遠都是父母隱約浮現的面孔，他的工作室裡貼著女兒歡歡從小到大的照片。女兒13歲出畫冊《家有小狗》，他歡喜地為她寫序言，並暗自得意孩子繼承了他的稟賦。他辦公桌上的煙缸，是一隻張開的大手，每個手指頭上都刻著不同表情的人臉。女兒小的時候，他常把自己的手指頭畫上哭笑各異的人臉，他的大手就成了女兒的玩具。女兒大了，看見這樣的煙缸，憶起兒時的遊戲，就買下來，送給他。
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