Watch Out, Warhol, Here’s Japanese Shock Pop

Reassembling a Murakami sculpture at the Brooklyn Museum. More Photos >

By CAROL VOGEL

Published: April 2, 2008

The fifth-floor rotunda of the Brooklyn Museum on a recent afternoon was strewn with a curious array of body parts. Resting on a mover’s blanket was most of “Miss ko2,” a busty blond waitress whose jellyfish eyes stared up at the ceiling (and whose white-painted fiberglass bosom pointed skyward too). Nearby, her counterpart from “Second Mission Project ko2” (pronounced ko-ko) balanced on one leg.

Overseeing the scene was Paul Schimmel, chief curator of the Museum of Contemporary Art in Los Angeles but in recent weeks a fixture in Brooklyn as he mounts a major retrospective of the creator of these works, the Japanese artist Takashi Murakami. The show closed on Feb. 11 at the Los Angeles museum’s Geffen Contemporary space and will open on Saturday in Brooklyn.

“It took 11 trucks driving across country to get everything here,” Mr. Schimmel said as he surveyed the pieces of Mr. Murakami’s art in the rotunda and the battalion of installers at work.

“The Geffen Contemporary is a large, theatrical space,” said Mr. Schimmel, who organized the retrospective. “Brooklyn has more traditional galleries, so the layout here is more chronological, more classical.”

The show includes some 90 works, sampling Mr. Murakami’s entire whimsical world in paintings, wallpapers, colorful sculptures, drawings and a 20-minute animated video. It will consume 18,500 square feet of exhibition space spread over two floors.

This show is the Brooklyn Museum’s largest after “Sensation: Young British Artists From the Saatchi Collection,” which opened in 1999 to considerable furor over Chris Ofili’s depiction of the Virgin Mary in a painting that included elephant dung. Mr. Murakami’s retrospective is expected to generate talk of a different sort.

Popularly known as the Warhol of Japan, Mr. Murakami, 46, has earned an international reputation for merging fine art with popular Japanese anime films and manga cartoons. Intent on exploring how mass-produced entertainment and consumerism are part of art, he teamed up with the fashion house Louis Vuitton in 2003 to create brightly colored versions of the classic LV monogram on Vuitton handbags.

The show — its title, appropriately, is “©Murakami” — includes a fully operational Louis Vuitton shop selling some of Mr. Murakami’s designs for that luxury brand. A leather strap for a cellphone carries a $220 price tag; handbags range from $1,310 to $2,210. He has designed three new patterned-canvas wall hangings just for this exhibition; printed in editions of 100 each, the first 50 will be offered at the shop for $6,000 apiece, and the rest at $10,000 apiece. Other leather goods designed for the show will be for sale too.

The shop was also part of the retrospective when it appeared in Los Angeles, and some criticized the marriage of art and commerce as crass and inappropriate in a museum setting. But Mr. Murakami says his product designs are simply an extension of his art.

“It is the heart of the exhibition,” he said of the Vuitton shop.

Arnold L. Lehman, the Brooklyn Museum’s director, does not object to Vuitton’s presence. “I think it’s absolutely fine,” he said in a telephone interview. “It would be very different if it was after the fact or a curatorial add-on. But it was part of Takashi’s original idea.”

The Vuitton boutique isn’t the only shopping experience museum visitors will encounter, of course, as the museum will have its own Murakami gift shop right outside the exhibition, with postcards, T-shirts, mugs and stuffed animals of Mr. Murakami’s characters. Most of the merchandise, however, is produced by Mr. Murakami’s company, Kaikai Kiki (from the Japanese words for bizarre and elegant ), and it will share in the proceeds.

Mr. Murakami first became famous in the 1990s for a theory he called Superflat. Derived from traditional Japanese painting, it was adopted by the contemporary art world to indicate a mix of high and low art. The retrospective begins with his fantastical and sometimes dark universe from that period. Creatures like Mr. DOB, a Mickey Mouse-type character, and Mr. Pointy, another cartoonlike creature, inhabit this space alongside smiley-faced flowers and colorful mushrooms.

The artist’s latest, largest and most colorful version of his Mr. Pointy character greets visitors just inside the museum’s front door. Known as Tongari-kun in Japanese, this character is represented by a 23-foot-tall edition flanked by smaller pointy guards that wear different expressions — smiling, yawning, sleepy, etc.

“In order to get Mr. Pointy into the museum we had to take out half the glass in the front of the pavilion,” Mr. Lehman said. The piece is on loan from the New York collector Richard B. Sachs.

One work that was on view in Los Angeles but is not in Brooklyn is “Oval Buddha,” a platinum-clad sculpture made by Mr. Murakami in 2007. Standing 18 ½ feet tall and weighing 6,613 pounds, it is a comical self-portrait of the artist sitting in a lotus position, perched on a lotus pad. Too large to fit into the museum, it is instead being installed this week (and on view starting on Saturday) in the sculpture garden of 590 Madison Avenue, the former I.B.M. building, between 56th and 57th Streets.

Mr. Murakami, clad in a green down jacket, navy blue down vest and blue jeans, was on hand in Brooklyn the other day as the show was being installed in the rotunda. The skylight had been blacked out — the only lighting in the space will come from three spotlights — and wallpaper with a lightning pattern was about to be hung on the walls and ceiling.

“It’s been very busy in my studio,” Mr. Murakami said, explaining that he has been working on new designs of wallpaper and vinyl floor coverings to be shown for the first time in Brooklyn’s version of the retrospective.

In Los Angeles, he said, “people kept saying that they hoped I would make some new things. So I have. It helps keep my attention.”

As Mr. Murakami spoke, he kept an eye on a small room off the rotunda where the rapper Kanye West’s hit song “Good Morning” could be heard wafting through the space. An installation team was testing a new, longer version of his animated video, the story of his fictional Kaikai and Kiki characters. (When the 20-minute animation isn’t playing, an MTV-style video of “Good Morning” will be shown there.)

The room is a small, cozy nook with black-and-silver carpeting depicting the Kaikai and Kiki characters. “This room was so popular in Los Angeles,” Mr. Schimmel said, “we had to have security guards posted the entire time because kids tried to record the videos on their cellphones and post them on YouTube.”

The Los Angeles show attracted young people who had never been to the museum. “Many of the kids were first-time visitors, who came because they heard about the show through various kinds of cross-branding,” Mr. Schimmel said. “Names like Louis Vuitton, Kanye West and eBay.”

WMF 廣告創意

Alessi故宮家飾 繽紛喧鬧台灣味

【聯合報╱記者陶福媛／台北報導】

2008.03.27 04:26 am

故宮收藏的老祖宗遺產，果然是個挖不完的金礦。Alessi與故宮合作的「清宮家族」系列，在全球廣受歡迎，本季Alessi乘勝追擊再推出「東方傳奇」系列，義大利設計師Stefano Giovannoni以故宮收藏的傳統民俗畫作中擷取元素，如金魚、蓮花、百合鳥、猴子等，創作一系列的家飾品，預計又會在全球熱賣。

Alessi表示，「清宮家族」以清朝乾隆皇帝的畫像，創造造型可愛的清宮家族成員，如今已推出第二季，銷售業績比預期還要高出三倍，不但歐美人士很喜歡，前往故宮參觀的日本、中國大陸觀光客也都會買回家當紀念。

今年Alessi再度與故宮合作，這一次設計師Stefano Giovannoni選擇有台灣本土風味的年畫、民俗畫如金魚、天堂鳥、百合鳥等，而且色彩採用「台灣紅」的牡丹色、鮮綠、豔紅等，色彩繽紛喧鬧，很有台灣味，與前兩季的中國風大不相同。

目前「東方傳奇」系列已在台灣搶先上市，單品售價從1,300元起跳，有胡椒罐、糖罐等餐桌用品。

奧美創意博覽會：小比賽玩出大整合

‧Cheers 2008/03/25

【文／史書華；攝影／黃建賓】

奧美集團用創意博覽會，要讓員工拼個別創意，也拼內部的整合力。

這天在奧美集團大樓內，有一股說不出來的能量。

電梯中早已貼著「夯」和「劣」兩大字的海報，分別把兩字上下拆解，多了有趣的解釋：用對力是「夯」；用錯力就是「劣」。

隨著電梯上升，屬於會議室空間的樓層更蠢蠢欲動。原先各有主題的會議室，被奧美集團旗下6間子公司重新裝扮，有的擺出專案的大大小小獎盃、有的在地板上貼上指引線，提醒參觀者不要忘了：愈到盡頭，愈藏有精彩。

這是奧美集團一年一度的創意觀摩大賽，6家子公司拿出過去一整年的優秀案子展現，400多位員工手上握著「夯」票，一人一票進行票選，結果就要在當週的尾牙會上公布。

受傷的創意，有機會亮相

去年第一次試辦時，員工卯起來玩，在展覽的前天晚上還留在公司布置會場。

不過，要員工額外花時間的活動，為什麼要舉辦？

「這樣的創意競賽活動，有對外、對內兩個用意，」奧美整合行銷傳播集團執行長黃復華說。以某個層面而言，這讓員工有了發洩的管道。他觀察，提創意給客戶，總有幾個受傷的創意進醫院，被冰起來、不能玩，「但這裡完全是自己的空間，就自己玩吧。」當邀請客戶來參觀博覽時，那些沒有正式出場的創意，等於也有了發聲的機會。

互相觀摩創意，才能做到員工整合

這次創意觀摩大會，更是內部溝通的好時機。

奧美旗下有4個事業體（廣告、公關、數位、互動），彼此好像都懂對方領域一點，「但要往同、還是往異的地方想？很tricky（兩難），」黃復華點出，「做傳播的原理是一樣的。如果有機會能看到別人跟你核心一致、但切入角度和方法不同，可能思維會很不一樣。」

而這樣的觀摩刺激，正好呼應消費者現在的媒體消費習慣。

消費者並不在乎企業做的是廣告還是公關活動，不管是從報紙、電視、數位平台上看到，這些都是他生活中的一部份。「面對消費者，所有東西都要被串連和整合，」黃復華分析。就像這次拿到集團最大獎的「NIKE 5K RUN跑吧！」案例，奧美廣告將廣告策略與路跑活動整合，把「跑」的概念從單純的廣告延伸到實體活動，讓消費者從各媒介接收完整概念。

「各部門要做到整合，第一步就是了解彼此、尊重彼此，」黃復華解釋。不過，要學會從別人身上挖寶，卻需要點磨練。

「很多人鑽進自己的領域後，會有commitment（使命感），」他觀察，「難就難在，當你進去後，還要能夠出來，欣賞其他領域。」

這也是創意博覽會的最大用意。「當大家看到各部門整合的結果，才能創造更大效益，」黃復華說。在傳播環境走向整合發展的同時，一場創意博覽會，「用對力」聚集員工創意，對奧美集團來說，也預告自己新一年的挑戰。

個人篇：整合你的創意力

奧美整合行銷傳播集團執行長黃復華

在這一行，on跟off之間沒有界線。我們工作有很大的特質是要和消費者、社會趨勢產生連結，在上班時能透過客戶、工作團隊取得連結，但那只能提供50％的資訊。事實上我們就是消費者，生活和工作不要切得太清楚，如果不把思維打開，會讓自己躲在一個自認為不受打擾的空間，從另外角度來看，你失去和社會連結的機會。

我的方法是有空就到外面走走。走是「看」跟「吸收」，所以要先有一套消化和整理的邏輯，若沒有抓到軸心，看到更多資訊會愈慌、愈亂。

我建議不妨從3大脈絡為軸心來整合資訊：1.商業環境：你的通路、競爭者是誰？自己產品創新能力如何？2.消費者：現在的消費者是 king，當消費者產生反轉效應時，你把消費者這端當成軸線，在這軸線之下去觀察和消費者相關的資訊。3.文化：所有傳播都在文化脈絡下。在文化相同的基礎上來進行傳播，溝通品質才有深度。雖然這層表面看不出來，但它實際上會影響你的溝通語調，也會影響人們透過語言和圖像所勾起的感受。

【2008年3月Cheers雜誌 單身，最夯】

香港蘇富比春拍 競標高潮可期

【經濟日報╱記者林巧雁／台北報導】

2008.03.11 04:43 am

香港蘇富比去年秋季拍賣創下許多傲人佳績，刷新多項當代中國藝術拍賣的世界紀錄，2008年春季拍賣將於4月9日在香港舉行，逾270件當代及現代中國藝術作品，拍賣總估價達港幣2億5,000萬元，預計將再掀起競標熱潮。

這次香港蘇富比春拍焦點，包括劉小東歷年來唯一寄意政治的大型油畫傑作《戰地寫生︰新十八羅漢像》（估價港幣4,500萬元至5,500萬元）、郭柏川以紫禁城為題的油畫代表作《北京故宮》（估價港幣3,000萬元至4,000萬元）。

中國書畫包含張大千、傅抱石、李可染、徐悲鴻和林風眠等。其中張大千後期代表作品的潑墨潑彩紙本作品「橫貫公路」和臨摹古人之作的「春山讀書圖」等，估價都超過新台幣千萬元。

拍賣會是資深收藏家喜歡搶貨的地點，然而一般投資者如何選擇藝術家？涉獵藝術市場多年的中華民國畫廊協會副理事長黃河認為，如何挑選藝術家可從五大原則檢視。

第一，藝術家作品是否具有原創性的生命力？好的藝術家不能僅有一件作品讓人驚艷，之後卻像曇花一現，再也沒有感動人心的新作。值得投資的藝術家必須要有作品不斷推陳出新，不能一招半式闖江湖。

第二，作品是否有充分的表現力？他說，每件創作都要有獨特的精神，而非只有幾件作品有水準，其他則表現平平。

第三，是否有完整的高度與統馭力？表現的精神是否夠投入？

第四，是否有強烈的存在感？黃河強調：「藝術家的作品給人的感受像一般早餐店沒特別感覺，或是像高檔的星巴克，一開幕便人潮洶湧地無法忽略其存在。是否可以像賓士車上市，在廣告強打行銷下，給人很大的存在感。」

第五，是否具有承先啟後的能力，是否繼承古人的技法展現現代文化生活的精神。

畫家在藝術市場最受到注意，黃河特別推薦其他藝術領域的藝術家，比如攝影、琉璃藝術、陶瓷、雕塑等藝術家，具有投資單價低、後續上漲潛力更高兩大好處。

「檳榔西施」藝術創作 巴黎展出

【中央社╱布魯塞爾七日專電】

2008.03.07 08:32 pm

六位台灣藝術家創作與台灣在地「檳榔西施」特有現象相關的攝影、後製合成影像作品，目前正在巴黎「世界文化館」舉辦的「想像藝術節」中展出。

這六位藝術家是陳敬寶、鄧文貞、黃庭輔、林慶芳、吳瓊華與施工忠昊。

除巴黎「世界文化館」外，行政院文建會駐巴黎台灣文化中心及高雄美術館也協同策劃這項展覽，希望透過展出的藝術創作，探究台灣在地「檳榔西施」的特殊現象。

文建會駐巴黎台灣文化中心指出，台灣歷史變遷，產生多樣常民文化，今日台灣在各地交通要衢旁，因應城鄉之間往來迅速運輸的都會文化而林立的另類驛站–檳榔攤，其中俗艷裝扮兜售小姐置身於隻身圜轉的透明空間中，尤其令人印象深刻。

該中心並指出，巴黎「世界文化館」對於台灣現存特有的常民社會現象極感興趣，因此特別與高雄美術館選出六位藝術家，以相關「檳榔西施」現象議題作為創作主軸，並以不同切入觀點、形式多樣的藝術創作呈現各自的作品，相信對台灣「檳榔西施」現象可提供周延而深入的探究。

昨天在巴黎Point ephemere展覽中心開始展出的這項展覽，將於四月二日閉幕。

主辦單位並將於三月十二日舉辦開幕酒會、鄧文貞、林慶芳與施工忠昊等參展藝術家，以及高雄美術館館長李俊賢均將出席這一活動。

旺旺開門 台灣首棟「美術館飯店」3/8開幕

2008/03/08 10:40
記者陳志東／台北報導˙攝影

籌備4年、耗資5億，由旺旺集團投資的「神旺商務酒店」於今天2008年3月8日正式開幕營運。與一般飯店不同的是，神旺商務酒店沒有游泳池或三溫暖，取而代之是專為商務人士量身打造的事務機、全館光纖寬頻與完整的英日語等軟硬體服務，更特別的是，飯店裡處處可見藝術家雕塑作品，神旺商務酒店執行副總經理吳奕德說，這是一座「城市美術館飯店」。

旺旺集團於1962年由宜蘭食品起家，從1980年代開始旺旺仙貝就已深入台灣家庭，成為最受歡迎的零嘴之一；1991年間旺旺進軍中國市場，短短不到10年，現在除了中國各大城市都幾乎可見旺旺公司與相關食品外，事業版圖更拓展到房地產、乳業、控股公司、醫院、酒類製造、飯店、旅遊開發，以及回饋社會的慈善基金會等等。

前4年開始，旺旺就開始於台北市南京東路與新生北路口一帶新建商務飯店，並於前兩年間買下位於台北市忠孝東路4段的龍普飯店，重新整修改為「神旺大飯店」，也同時在大陸上海、淮安、南京、西寧等地設立神旺酒店，而今天開幕營運的，就是這棟於4年前開始動工新建的「神旺商務酒店」。

旺旺集團董事長蔡衍明一向喜歡藝術與雕塑，神旺商務酒店籌備期間因有次蔡衍明前往日本四國直島旅行，參觀建築大師安藤忠雄所設計的「地中美術館」與「直島現代美術館」，並驚訝直島美術館內竟有一間小規模飯店，這種建築藝術與飯店結合的風情令其驚艷，也因此神旺商務酒店興建之時就已確立「美術館飯店」風格。

神旺商務酒店由旺旺集團旗下營建公司自己興建，因此用料紮實，處處使用高價防火材質，並找來曾設計台北商旅的著名設計師吳宗岳規劃，為具備設計風格的飯店。更特別的是飯店內收藏許多台灣本土傑出雕塑大師的作品，例如飯店門口擺放的就是國寶級雕塑大師楊英風作品「龍穴」，飯店內另有楊英風的「造山運動」、「正氣」、「有容乃大」、「月明」等等，並有朱銘的「十字手」、王秀杞充滿鄉土童趣的「旺狗迎賓」、「神氣」、「讀書樂」，楊柏林的「黃金海岸」、「在自己的土地上跳舞」，朱銘徒弟甘丹的「海風」、「風和大地」、「海風樹影」，花蓮名家林郁晃的「洄瀾夢土」等等，合計達到150件。

其中最特別的作品，還有10多年前蔡衍明向楊英風購買、以京劇的水袖舞為題、山水的氣勢為型的「水袖」雕塑，而這「水袖」除了後來以同規模5公尺高重塑立於市民大道與承德路口的台北車站西北角處，捐贈給台北市民當成公共藝術外，今年2008年北京奧運主辦單位也選擇將此「水袖」作成巨大地標雕塑，並將永久展示於北京奧林匹克公園中。

這些作品，都是蔡衍明多年來所蒐集的藝術品，這次為了打造這棟「美術館飯店」，因此一一把其從家中搬來。神旺商務酒店興建花了5憶，而這些雕塑藝術品的價格推估也高達上億元。走進神旺商務酒店，感受到的不只是飯店、更像美術館。

除了宛如美術館外，神旺商務酒店也特別重視商務人士需求，除了飯店所在地點位於南京東路與林森北路商圈，恰好面對萬坪公園綠地外，也臨近免稅商店、國際精品店、餐廳、戲院等，地點與交通都非常方便。飯店樓高13層，共有81間房，每一間房內都搭配HP多功能事務機，能同時處理影印、列印、傳真、掃描等功能，而且每一台事務機的傳真都有獨立號碼，商務連絡非常方便；如果外籍人士有需要，也可提供免費租借的行動電話，就算人不在客房內，電話也能立即轉接到手機，不會錯失商務聯繫。

這也是全台北市第一家全館光纖寬頻的飯店，每個角落都可上網，並可將手提電腦連接至客房內的37吋高畫質液晶螢幕。此外，精通英日語的禮賓服務人員也提供24小時的個人化秘書服務。另外客房內也配備芬蘭製專業喇叭、高密度床墊、乳膠枕及羽絨床組、乾濕分離浴室、日本製免治馬桶、降板浴缸設計、提供浴鹽泡湯、提供歐蘇丹備品等等，就算牙刷與漱口水，也都從日本進口。

神旺商務酒店並有健身房、會議室、餐廳等設施，非公共區域樓層皆以感應式房卡管制，並於午夜12點至清晨5點進行大門管制。此外，飯店更延聘擁有 20多年的飯店專業管理經驗的吳奕德擔任執行副總，確保軟硬體服務達到國際水平。吳奕德從美國佛州大學旅館餐飲管理碩士畢業後，即從台北市希爾頓的櫃檯基層做起，先後曾服務於晶華、環亞、遠東、華國洲際、台北凱撒等各大五星級飯店，任職客房、訓練及人資總監等職，飯店歷練非常完整深厚。

躍登中國設計舞台 巫永堅，堅持獨特，台灣創意打造上海世博會「海寶」

【文／江佩蓉】

2007年的聖誕節，來自台灣，在中國打拚六年的巫永堅收到一份大禮。上海世界博覽會主辦單位宣布，2010年上海世界博覽會吉祥物「海寶」，將以他的設計藍圖為基底。在舉世注目的上海灘，巫永堅打敗全球2萬6000件競爭作品，一戰成名。

恭賀電話和詢問的客戶，讓高安路上永堅企業形象策畫公司的辦公室擠了個水洩不通。採訪當天，巫永堅剛簽下一樁280萬人民幣（約合新台幣1260萬元）的年度合約，是2007年總營收的一半以上。

當世界工廠轉變為最具發展潛力的消費市場，第三度創業的巫永堅此刻更堅定信念，三年前，來對了，這是他職涯規畫中最重要的里程碑。「能在上海生存下來，沒有地方不能活！」他說。世界五百大企業，都已經進入中國，更有超過五成將中國總部設在上海，這裡是中國廣告業發展最蓬勃的城市。

屈身壓力鍋，錢少事多求磨練

從1996年開始，連續十年上海市廣告業產值成長都達到兩位數，台灣卻陷入不進反退的窘境，根據台灣尼爾森媒體研究顯示，2007年台灣五大媒體廣告量較同年期衰退5％。

2006年上海市廣告產值達到272億人民幣（約新台幣1224億元），是同年度台灣廣告市場規模的2.5倍。廣告支出約占上海市民生產毛額GDP的2.6％，比世界各國平均值高出一個百分點。因此，2005年底大陸廣告業完全開放後，全球前十大廣告業者紛紛加碼，積極搶進中國市場。

但是，要在中國市場勝出，光靠專業技術遠遠不夠，要先摸透這個市場的人，讀懂他們的心，這一課，卻是巫永堅花了三千多個日子才學會。

復興美工畢業的巫永堅，從學生時期就是各大獎項的常勝軍。進入奧美擔任插畫工作期間，先後參加了企業的形象設計案件，包括二十餘年未曾改變的「伯朗咖啡」、年輕人喜愛的「左岸咖啡」、「六福村樂園」的吉祥物等，都出自巫永堅之手。

年輕的巫永堅對自己的能力相當有信心，直至參加同學的聚會，才知道一山還有一山高。那個年代，台灣購入日本卡通，必須仰賴手工重繪後才能在台灣播映，卡通製作公司也因此得以蓬勃發展。在宏廣卡通製作體系中工作的同學，一天可以畫出20到30張的插畫，工作量是巫永堅的三倍。他想試試自己的能耐，將自己丟到高壓的環境中磨練。

雖然薪水是過去三分之一，他還是決定接下這份新工作。他希望自己能到卡通製作公司練基本工，訓練自己繪畫速度，並且學習過去不懂的拓印法，紋路複製與電腦貼圖等技巧。十個月後，他辭職，開設了自己的工作室。

首度出擊，負債3000萬慘澹收場

過去累積的人脈與經驗在此時發酵，成功來得容易來得早。巫永堅靠著一張1500到3000元不等的案件，和每張1萬元的廣告插畫，創業第一個月營收就有18萬元，這段時間的拚搏讓他累積了第一桶金，並且成家立業在南港買了第一幢價值千萬的豪宅，這一年，他才27歲。

事業的順遂讓巫永堅起了更大的野心。25歲那年，他與友人合夥創設「騰視覺藝術有限公司」，打造「Dino Club」可愛小恐龍的自有品牌，巫永堅擔任設計總監，帶領六十名設計師團隊，負責設計相關周邊商品。創業之途遠比當初設想的艱辛，600坪廠房每月的管銷費用，以及廣告行銷預算都遠遠超出預期。不到兩年，初期集資3000萬元用罄，公司的訂單與銷售狀況卻一直未見起色。

巫永堅的首次創業，就以負債3000萬慘澹收場，房子也被迫削價出售還債。他重新拿起畫筆，回到十幾坪的工作室，開始沒日沒夜接案的還債生涯。但是創立品牌的夢想卻未曾消失，他等待的是一個機會。

在事業最低潮的時刻，他遇見生命中的貴人，為他開啟了前進中國的那扇門。

1992年，巫永堅第一次到廣東參與兩岸設計會議，這是第一次，巫永堅打破過去對中國的落後印象，真正認識開放後的新中國。「中國市場遠比我想像中的進步太多了，品牌的發展需要的正是這樣的市場。」他說。對於這個發展中的新市場，巫永堅躍躍欲試，但前次創業的失敗讓他知道必須更謹慎。

【本文摘自30雜誌3月號】

袁金塔「中式」普普藝術 笑罵時事

【經濟日報╱黃承志（長流畫廊董事長）】

袁金塔的「中式」普普藝術很有特色，台灣當代藝術家的創作很少與時事結合，他卻敢大膽地表現出自己的想法，而且把水墨用在現代畫的創作上。

袁金塔在學術界享有盛名，在台灣得獎無數，不過，目前拍賣市場還沒有特別注意他的作品。袁金塔是科班出身，師大美術系畢業，紐約市立大學美術研究所碩士，曾任師大美術所所長。

政治曾是台灣藝術家很避諱的題材，袁金塔卻直接拿政治人物做藝術。他把呂秀蓮、郝柏村、李登輝等人化成撲克牌人物，燒製成陶瓷，四張或三張撲克牌拼成一個立體四方型或三角型，可以當成座椅，也是擺飾。呂秀蓮當然是出現在Ｑ那張牌，只是沒有戴后冠。這些作品展覽過，參觀者可以坐在「大人物」頭上。

高官和政權的更替，也是他的題材，他有一組《換人坐》的作品，以複製手法，在一張圖稿中放滿各式椅子，有些椅子背後拼貼上報紙，以藍色、綠色、橘色等政黨的顏色為椅子上色。

他諷刺世事，畫一個怪獸判官判人間，寫上「有錢判生，沒錢判死」。《紙老虎》這一幅很有名，貼上報紙，再以水墨描繪出一隻老虎，老虎的嘴巴占了半個頭，張得大大的，眼睛也瞪亮有神，看到的人都會心一笑：一隻紙老虎，嘴巴張得再大，吃得到嗎？

他也蠻搞怪的，對身體很有感覺。有一幅作品，複製不同的胸部，名之為《生命之泉》；還有一幅，複製不同的屁股，再以水墨畫上色彩線條，名之為《炫》。他改造交通號誌，三角型號誌出現男人性器，要你《小心障礙物》；出現一個乳房，叫你小心《險升坡》。

他創造羽毛蟲人、葉魚、葉蝶，很多人小時候都玩過這類創作手法。他拿羽毛沾色，壓貼在宣紙上，成了身體，再以水墨畫上頭、鬚、腳。羽毛蟲人《觀日》是袁金塔的名作。

葉子去皮，拿葉網沾色壓貼，再畫個小圓圈當眼睛，就成了一條魚；不斷複製，就成了魚群；再為不同的魚上不同的顏色，造就一個繽紛的魚世界。四片葉網再加個身體、兩支鬚，葉蝶就飛起來了。

袁金塔笑稱自己是條書蟲，他是的，他用陶土燒成《書》，拿書當藝術品。在一本「厚書」中，裝上個螢幕放映故事，這可是真正的「說書」。

寫著寫著，連我自己都笑了起來…，有了袁金塔，台灣的當代藝術增添好幾份趣味。

媒體．藝術．文化 兩岸四地媒體應如何合作

黃肇松　（作者為新聞工作者） 　(20080303)

在這場有關文化發展與文化立國的討論會中，媒體對文化究竟該作些什麼、該有何貢獻，受到與談人的關切。雲門舞集創辦人林懷民先生直指「媒體應更關注文化，問題才能被看見，才能被解決。」交大建築研究所教授劉育東則舉西班牙為例，它的國民並不在乎國民所得在未來要增加多少，反而在乎其文化指標，包括「報紙的藝文版面多寡」的問題。而文化工作者林谷芳教授也以韓國電視連續劇代表作「大長今」為例，它在韓國史書記載中只有三行文字，經過編劇絞盡腦汁，轉化為轟動亞洲的四十六集，在香港播出最後一集的收視率創了六十九％的紀錄，說明媒體與藝術、文化作有效能的連結之後，能夠產生多大的傳播力量和產業價值。

　專家的發言，勾起了筆者記憶中的一段往事。北京有一個公益組織叫「阿拉善基金會」，糾結兩岸企業組織出錢出力，長年在中國大陸沙塵暴的發源地──內蒙阿拉善盟種樹抗沙。將近三年前，其理事會成員二十餘人來台開年會並參觀拜會，筆者參加接待。該團離台前夕，台灣的主人們假林谷芳教授主持的北宜公路邊上的雅緻茶坊為他們餞行。翌晨上班，收到兩頁傳真，是上海一家規模龐大的手機簡訊公司的年輕執行副總──史丹福大學畢業的王博士所發（因截稿時間匆促，來不及徵求渠同意，姑隱其名），他描述這是他在凌晨給同行的大陸團員所寫的「情書」。王博士在信函中指出，他的首度訪台對他產生極大的文化震驚，他發現，無論是在北部的台北市喧嘩熱鬧的西門町，在中部山區寧靜僻遠的南投縣集集鎮，或是在廣袤遼闊的南台灣農村，都洋溢著豐沛的中華文化，他說：「台灣確實是中華文化的中心」如此，還有什麼好擔心的呢？王博士疑惑的是，此一事實為何鮮見媒體的報導和論述？

　華語世界的「大長今」何在？

　類似的疑惑也出現在去年底此間「中國新聞學會」在台北亞大會館主辦的第十屆「海峽兩岸暨港澳新聞討論會」的會場上。來自兩岸四地的媒體人看到了一個數據，根據國際夏日語言學院（ＳＩＬ）的調查及統計，在全球六千八百種語言中，使用華語的人口為九億人，占全球十五％，當然高居世界首位，加上所謂的吳語（江浙話），合計是英語人口的兩倍，法語人口的七倍，日語人口的九倍，韓語人口（包括南北韓）的二十倍，那麼，為何華語地區的許多人卻是「大長今」和「白色巨塔」的消費者？我們自己的「白色巨塔」或「大長今」何在？華語媒體作了足夠的努力了嗎？又為何原為華文正統和中華文化重鎮的台灣，竟有媒體配合政治勢力動不動主張廢中文、廢古文、抵制華語？而在全球正興起學習華語及中文的熱潮中，為何大陸若干媒體仍經常在有意無意間把華語教學和中文教學，視作外交輔助工具，甚至是統戰工具？

　整體來看，兩岸四地的媒體是一股龐大的力量，如能排除障礙，集結起來真誠為文化而努力，其所能產生的效能和締造的連結力道是難以想像的。難道，這只是一個夢？

　在資訊流早已超過物質流的「資訊時代」，兩岸四地媒體力量究竟有多大？再來看一些統計數據，讓數字說話。由近及遠，台灣傳統媒體中每天定期發行之中，英文報約三十家，有效發行的雜誌五千種，廣播電台二十餘家（多數有聯播的分台），這些媒體近年來變化不大。改變也較大的是電視和網路。目前台灣有五家無線電台、一百個以上的有線電視頻道，提供五花八門的節目，可覆蓋百分之八十以上的家庭，比率之高為世界之冠。網路發展更快，台灣民眾網路的接觸率從二○○一年的六．六％一路飆升到二○○六年超過四十％，六年之間成長六倍多。這些新媒體和傳統媒體在幅員不大的台灣，構成極為豐沛的資訊流，但我們每天從其中吸收到多少文化資訊呢，民眾可能不察，媒體卻該自省，不然，林懷民先生也不會有「媒體應更關切文化」的感慨。

　兩岸四地媒體大軍 規模驚人

　十四億人口的中國，所有的統計數字都大得驚人，媒體亦然。目前，中國大陸報紙超過兩千一百家，各類刊物近九千種。報、刊合計全年的用紙量近五百萬噸。更可驚人的是「廣電大軍」──包括四五○家無線台、一三○○家有線電視、近百家衛星電視及數位頻道、廣播電台亦接近三百家，總共締造了一億五千萬收視及收聽用戶。相較之下，中國大陸網路新媒體發展勢頭更猛。全國網民早已超過一億五千萬戶的中國，已超越美國成為全球最大的「寬帶大國」，而近年來成為中國大陸互聯網發展指標性數據的博客（Blog台灣譯為「部落格」，香港稱之為「網上日誌」），已突破一千萬。總的來說，中國大陸資訊流的能量和其內容的未來取向，已經常成為國際社會關心的焦點話題。然而，相對於其他資訊的傳遞，中國大陸新舊媒體對文化資訊的關注，仍然相當貧瘠。

　不要看香港、澳門總人口還不到千萬，媒體發展卻相對穩定。在香港，傳統的十二家中文報及兩家英文報，這幾年來「一個都沒少」，甚至還出現免費派送的大眾化報紙。香港電視市場應該最受台灣電視工作者欣羡，收費電視近年來競爭較激烈，免費電視長期來只有兩家，而香港網路的發展，年輕族群熱中，整體相對較為放緩。至於澳門，如果有人認為博彩業是它唯一的產業，那就錯了，至少媒體業相當發達。五十萬人口的澳門（約相當苗栗縣人口），卻擁有八家中文報、三家葡文報和一家英文報，還有分別以華語、葡語廣播的電台和電視台，媒體面貌相當國際化。

　筆者之所以花了一些篇幅，將兩岸四地和類媒體的發展現況作了介紹，是想指出一個事實：散布在兩岸四地及五大洲的華文媒體之數量及規模，實在相當驚人。報紙數以千計、電視台及廣播台數以百計，雜誌期刊數以萬計，作為新興媒體的各類網站、各式網路服務，乃至於無所不在的博客，有如雨後春筍在各地冒竄成長，這些傳統媒體和新興媒體如能有效合作，影響力是無可限量的。尤其是如能合作傳遞文化資訊、推動文化產業，因不受政治的拘絆限制，效果會更大，但是我們還沒有看到這種影響力的滋生和壯大，因為共識尚未凝聚，合作尚未扎根，目標尚未確定，工具尚未運用，力量也就難以產生。

　以兩岸為例，今年剛好是兩岸媒體接觸的二十周年。回顧過去二十年兩岸媒體交流，主要是新聞同業人員的交流、交往，而且來往不少，以筆者服務的中國時報為例，我個人二十年來先後接待過的大陸媒體訪問團就有兩百團以上，這還不包括其他同事主持接待者在內。

　建立全球性華文文化網路平台

　可以說，兩岸媒體從從業人員在推動新聞交流、交往方面，付出了不少心力，但檢討過去兩岸四地媒體的合作，真正落實到實質性的全面新聞訊息方面的合作及營運的合作並不多見，倒是香港與內地媒體合作初見成績──也僅僅在「初階段」。這主要受到政治、經濟與社會環境不同所形成的主客觀因素的制約。

　展望未來，如此受主客觀制約的困境，在兩岸四地的媒體合作中仍會重覆出現。然而，既然二十年來兩岸四地人員互動方面已累積成果，四地媒體高階負責人及各階層新聞實務工作者交往頻繁，相互瞭解在增進之中，應已奠定在「適當時機」在「某些方面」全面合作的基礎。筆者認為「某些方面」包括觀光的推廣、文化資訊的傳播、文化產業的合作推動及校園交流與人才育成等。

　去年二月間，大陸觀光客來台幾乎成為事實，筆者在北京參訪，聽中央電視台一位節目製作人說，他製作的一個有關台灣觀光的文化性節目（每周一次），首播反應熱烈，幾天之內由全國各地的來信就有一千多封，就是一個很好的例子。觀光，當然是文化的一環，由這個例子推向受到政治制約較小的文化及文化產業的兩岸四地媒體全面合作，我認為「適當時機」就是現在、當下。否則，兩岸四地及全球華文、華語媒體打造出來的巨碩的「資訊流」，仍會閒置空轉，無助中華文化的提升，也聽任華文、華語龐大文化產值的流失，只能繼續充當「大長今」和「白色巨塔」的忠實觀眾，

　工欲善其事，必先利其器。兩岸四地媒體合作既能確定文化領域是最有可能的標的，以此共識共同扎根，則成千上萬舖天蓋地的眾多新舊媒體中，必需找到一個共同的工具來運用、來推動，否則各有立場、各有考量、各有盤算，勢難脫一盤散沙的窠臼。所幸，網路媒體革命時代的來臨，為兩岸四地媒體合作推動文化及文化產業提供一個更現實可行的操作空間，這個新的合作空間的出現，基本上要將他放在一個全球化的視野中來考量，而這也是網路時代的特性──全球化，而這個合作的方向，必然是朝向兩岸四地共同合作建立一個屬於全球華人社群的華文文化網路平台，而要成功建立一個這樣的平台── 即便是與政治關係較小的文化平台，兩岸四地的媒體人仍必須先達成操作的共識與原則，有了這樣共識與原則，兩岸四地媒體合作才有其可行性與前景。

　第一、增加四地新聞從業人員的共識：過去兩岸四地新聞媒體從業者最大的差異，應該在媒體經營理念上的不同，港、澳媒體重八卦、台灣媒體重政治、大陸媒體重社會，兩岸四地媒體從業人員如何以推動文化為任務取向建立一套共同認同而且可操作的作業方式，值得進一步深入探討。

　第二、建立一個兩岸四地均可接受的華文文化平台：若一個華文文化平台無法獲得兩岸四地的同時認同，尤其是大陸相關部門的理解與支持，必將使這樣的平台缺乏最大華人市場的支持，也就很難成為真正的全球化的媒體平台。

　第三、資金的整合必需是民間的，而非官方的，否則也就很難逃過政治的操作與影響。

　第四、人員必須是集中兩岸四地的媒體從業人員，以各自的在地觀點來整合此一全球性華文文化平台。

　總之，在網路媒體革命時代，建立一有理想、也有操作可能性的「華文文化網路平台」已出現契機，但是否能真正落實，一方面要各方人士深入探討，另一方面，也值得各方有心人士努力落實。接下來的問題是：如果此一平台能順利落實成立，除了強化日常的文化新聞的報導和論述，關切兩岸四地及全球各地華文、華語文化工作者現況之外，要如何結合所有媒體真誠的推動文化產業，筆者認為重點如下：

　一、全球華文媒體合作的觸媒─中文產業

　我們常看CNN、WNBC及BBC的新聞，除了吸收資訊瞭解世局之外，多少也帶著一點學英文的附加價值，英文是強勢語言，不得不學。但是，如前所述，有一陣子「韓流」襲擊大中華地區，確實令我們汗顏，南北韓人口不足七千萬，卻靠著各類傳媒成功推銷韓文、韓劇及韓國文化，全球使用中文的華人超過十四億，使用華語者也超過十億，我們卻還沒有把它產業化。當今，全球有超過四千萬的各國人士在學漢語；有一百多個國家三千多所大學在教授中文；漢語水平認證考試在四十多個國家設立近兩百個考點。全球中文教學的年產值，保守合計超過十億美元，這正是全球華文媒體──不管是傳統媒體或新興媒體的強項（我們是靠文字維生的），這也是兩岸四地華文媒體合作的最佳觸媒，如何推動，值得在構建全球華文化網路平台時深刻思考。最重要的是把中文當文化產業，千萬不要當成統戰工具。

　開發文化創意產業 共創商機

　二、兩岸四地媒體共同資產──文化創意產業

　當前，兩岸四地民眾的生活型態愈來愈接近，但社會制度、經濟制度和政治制度差異仍在，尤其談論政治仍甚敏感，也成為兩岸四地媒體合作困難所在，那麼什麼是兩岸四地媒體合作的共通資產呢？我認為是文化創意產業，值得以如此龐大的華文媒體合作開發共創商機，更藉此充實中華文化內涵。

　文化創意產業包羅甚廣，涵蓋了文學、視覺藝術、音樂與表演藝術、展演設施、工藝、電影、廣播電視、出版、廣告、設計、設計品牌時尚、建築及建築設計、數位休閒娛樂、創意生活、文化休閒觀光……等等。英國在二十年前，文化創意產業年產值不到十億美元，就業人口約兩萬人，而現在年產值已超過美金兩百億元，就業人口超過三十萬人，媒體的推動與宣揚扮演重要角色。放眼望去，與中華文化及華人生活相關文化創意產業，正等著兩岸四地媒體攜手合作推動，相信這也是兩岸四地未來最重要的產業，不容忽視。這正是華文文化網路平台可以大施拳腳之處。

　三、文化網路平台的試金石─促成兩岸故宮聯展

　因為現實政治制約，兩岸四個故宮──台北故宮、北京故宮、西安故宮、南京故宮，迄無法正常交流，當然是兩岸人民在文化上的一大缺憾，「全球華文文化網路平台」如能落實成立，似可將促成四個故宮舉辦聯展，作為推動兩岸文化交流與合作的試金石，這不只是全球華文化的盛事，更是全球文化界的大事，如能促成，意義非凡。

　二十年來的新聞交流，誠然為兩岸四地（尤其是兩岸）未來的媒體深化合作立下基礎，以華文文化網路平台進行全面合作的可能性及擬議的構架已如上述，但仍需假以時日來進行探索與規畫，此其間，交流管道仍需暢通，基礎更要求其牢固。筆者認為，當務之急是兩岸媒體互設新聞採討辦事處，現在的駐點有點像「出差團」，所費不貲，累積有限，應該儘速變成設辦事處長期駐點，因為只有長期的累積才能讓報導更準確，更能關懷民眾，而對兩岸文化的報導也才能更深入，取得更大的空間，而為未來的文化大平台奠立更牢固的基礎。

校園動態》英國學院聯手 耕耘文創產業

【經濟日報╱官如玉】

2008.03.02 04:04 am

為了發展英國文化創意產業，英國皇家藝術學院、倫敦帝國理工學院將聯手推動結合設計、工程科技、商業的「創新研究三角」計畫。

金融時報報導，2007年，英國皇家藝術學院、倫敦帝國理工學院斥資580萬英鎊，成立教育和創新事業「設計倫敦（Design London）」綜合研究中心，旨在鼓勵整合產品與服務開發與設計的教學和研究。

這也是一個跨系的計畫，帝國理工學院的工程部門和田中商學院、皇家藝術學院都參與這項計畫。

兩家大學充分發揮自身的學術優勢，開創了結合設計、工程科技、商業的「創新研究三角計畫」。在此「三角關係」中，皇家藝術學院將負責設計領域的教學，工程和科技方面則以帝國理工學院為主導，附屬的田中商學院則將負責商管教育。

「設計倫敦」上個月邀集幾位設計界大師和企業界經營者開會獻計，推出五年期計畫。

這項計畫有很大的企圖心；設計和創新課程，今年將成為帝國理工學院MBA學生的主修，也將提供獎學金協助皇家藝術學院的學生、帝國的工學院研究生研修商業技能。

跨科系研究也是一個重點。已成立一個育成中心，開始測試新的商業構想。

「設計倫敦」諮詢委員會主席詹姆士爵士說：「皇家藝術學院、帝國理工學院的工程部門以及田中商學院，同心協力投入一個對英國經濟發展攸關重要的領域。」

他強調，「倫敦設計」可望加強工程、設計科技和商業之間的整合，相當具有教育意義。

施振榮 打造藝企平台

【經濟日報╱記者鄭秋霜／台北報導】

2008.03.01 03:26 am

十大傑出青年當選人聯誼會（簡稱十傑聯誼會）會長施振榮打造「藝企合作」平台，昨（29）日號召企業界及藝文界人士共襄盛舉，包括林懷民、朱宗慶、賴聲川、魏海敏、孫翠鳳及陳瑞斌等六位歷屆表演藝術類十傑當選人齊向企業界提案，希望共同提升藝文風氣。

施振榮表示，他願意擔任藝企合作的「超級推銷員」，未來將親自把藝文界人士的相關提案，推薦給企業界友人；十傑聯誼會也已把相關提案簡介，印製1,000份相關宣傳資料交給施振榮。

為了讓企業人士更深入了解這些表演藝術大師與藝文團體的提案，並提供藝企彼此近距離接觸機會，施振榮昨晚舉辦音樂餐會，邀請近60位企業友人與會，地點選在今天即將重新開幕的鳳甲美術館舉辦，並由國際鋼琴大師陳瑞斌為與會企業人士演奏鋼琴，做為藝企合作系列活動的首航。

孫翠鳳說，她看到這個合作案立刻眼睛為之一亮，她相信企業與藝術結合，可以為企業帶來附加價值。

Guggenheim's master of the art of global branding steps down as museum director

Ed Pilkington in New York
Friday February 29, 2008
The Guardian

Thomas Krens, the man who helped turn the Guggenheim into a globally renowned art brand and expanded its reach through audacious projects around the world, is to step down from one of the top jobs in museum direction after almost 20 years.

His stepping aside brings to an end an era in the history of the Guggenheim and could have a big impact on both its future and that of art museum direction in general. He is seen as a pioneer of the model of global branding that has been echoed by other big institutions.

But Krens has also been a figure of controversy, with his reputation for an abrasive management style and for the priorities he brought to the Guggenheim.

A graduate of the Yale school of management, he was a representative of a new breed of museum directors whose expertise lies in business organisation rather than in traditional academic scholarship.

His term in office saw the Guggenheim expand, both in terms of its endowment, which increased six times to $118m (£52m), and in its global stretch. His flagship project was the Bilbao Guggenheim, the instantly recognisable titanium-clad building designed by Frank Gehry that has proven to be a huge success, attracting 1m visitors a year.

Under Krens' leadership, a new Guggenheim museum, again designed by Gehry, is to be completed in Abu Dhabi in 2012 which will embody his global ambitions by exhibiting art from all over the world.

But the worldwide empire-building also brought Krens criticism that he was failing to nurture the jewel in the Guggenheim crown - the Frank Lloyd Wright building in New York's upper east side.

Three years ago he was involved in a bruising struggle with the largest donor to the Solomon R Guggenheim foundation, Peter Lewis, who resigned after he accused Krens of losing sight of the main focus of the organisation - its New York flagship.

Many of Krens' most ambitious overseas projects failed to get off the ground, and though the model of branding and expansion has been mirrored by institutions such as the Tate in the UK and the Louvre in Paris, they have tended to be more modest in scale or have been achieved, as in the case of the Louvre, with government support.

Krens was also the subject of the mumblings of art critics who said his choice of shows on occasions fell short in terms of scholarship.

He staged a show of Armani suits sponsored by Armani itself, while The Art of the Motorcycle was in part paid for by BMW.

Under the terms of his change in job title, Krens will remain in charge of the Abu Dhabi project, which he said was "truly spectacular" in its scope and scale. "Our objective is to make something completely new, the best museum of modern and contemporary art in the world."

But his departure allows the Guggenheim to bring the New York flagship back under the same management umbrella as the foundation's other possessions: Bilbao, the Peggy Guggenheim Collection in Venice, the Deutsche Guggenheim in Berlin and the Guggenheim Hermitage in Las Vegas. It also opens the door to applications from top museum professionals who had been known to be hesitant to work beneath the dominant figure of Krens.

"We expect interest will be high and the candidates will be top tier," the foundation's chairman, William Mack, said.

Robin Cembalest, executive editor of ARTnews, said that by vacating the post, Krens had "opened the door to curators and directors from major institutions applying for the top job. Who the board picks will give a clear sign of where they want the Guggenheim to go."

藝術銀行X儲蓄藝術的無限價值

【文／曾芳玲；圖／加拿大國家藝術委員會藝術銀行】

加拿大國家藝術委員會藝術銀行的運作模式

想要為你的辦公環境創造別樹一格的藝術氣氛嗎？藝術銀行的專業諮詢師，可以給你最專業的建議及諮詢，為你的辦公空間量身打造，找到專屬及最合宜的藝術品，每年只要很少的租金費用……」

這段看起來很像某個私人畫廊或藝術經紀商的廣告詞，不要懷疑，它確實是出現在加拿大藝術銀行文宣資料上的說明；藝術銀行，全名為「加拿大國家藝術委員會藝術銀行」（Canada Council for the Arts），一個只有12位員工的國立機構，卻掌握了加拿大當代藝術最重要的購藏計畫，擁有加拿大當代藝術為數驚人的收藏，並藉此創造典藏藝術的無限商機，不但將藝術帶入許許多多的公部門及公共空間，同時在美術館外開闢了無數的展示場所，讓藝術走入生活，推廣藝術教育，為觀眾及藝術家創造雙贏的成果。

加拿大首府渥太華是坐落在河谷及森林間的美麗城市，靜謐如一首抒情小詩，重要的藝術機構包括國家畫廊、國立當代攝影館等，相較於這些藝術機構，藝術銀行的建物說它簡陋也不為過，從外觀看，好像鐵皮結構的大倉庫，進到裡面則像我們熟悉的庫房，有滑動的網架，當然還有更多奇形怪狀的當代裝置藝術，工作人員就在一堆作品中上班，不過他們笑嘻嘻的也不以為意。由於購藏的速度很快，分類及上架的速度實在趕不上，看起來就像個不斷進貨的大賣場，走道可用的空間四處置滿了作品木箱及藝術品，工作人員利用條碼，顯示作品的分區位置，同時由於作品往往很快的就租借出去展示，在電腦系統的掌控紀錄下，表現出快速有效率的節奏。

藝術專家幫你，讓辦公室變畫廊

既然名為銀行，其經營原則非常簡單：出租其所擁有的資產（藝術品）收取利息（租金），用以維護展品，以及購買更多的藝術作品。不過，正如同現今銀行經營管理的新趨勢，投資理財顧問是銀行裡新興的專業服務，藝術銀行也不例外，以藝術顧問為首的工作團隊，是藝術銀行提供服務的核心，其實這個所謂的團隊也挺迷你的，只有三位成員——一位藝術顧問、裝置技術人員和一位行政助理。可想而知，不像一般的美術館的典藏工作，藝術品成功的收購大約就完成了一大半的任務，也不像畫廊，作品賣了即可，由於藝術銀行並沒有任何展示空間，因此藝術品一旦進了藝術銀行，最重要的是要能活絡藝術品租借的通路，有更多的機構加入租借藝術品的網絡，才能維持此機構運作，並持續壯大購藏的資本。

為了讓租借藝術品發揮最大的成效，藝術顧問扮演最關鍵的角色，作品不是租出去就好，而是要在其展出的空間發揮最佳的視覺效果，藝術顧問通常會親自造訪租借藝術品的單位，了解未來作品置放的空間，如辦公室走道、會議室或公部門建築大廳等等，同時跟租借單位訪談以便了解他們的喜好，再同時考量建築空間的特質及辦公性質與預算，為顧客找到合宜的作品。這種感覺也好像是造型師的角色，只要付出不多的租金，造型師就會從衣櫃裡為顧客隨季節變換不同的服裝，顧客不用再擔心塞爆的衣櫥和自己不斷改變的身材和品味。

從另一個角度來看，藝術銀行也解決了許多公部門及公共空間放置公共藝術的問題，這些機構也樂於讓這種作品選件、裝設、包裝、運輸等工作交給藝術銀行的專業藝術行政人員，如此一來，不但每隔一段時間就能更新作品，也無須煩惱作品保存維護的問題，一件知名的當代藝術作品往往動輒好幾萬美元，對一般的政府機構或私人公司來說實在不可能，而租金一年只需約1200美元，這讓許多財務困窘的公部門辦公室，也可以輕鬆擁有價值不斐的藝術作品，藝術作品經常更新，讓工作人員及來訪洽公的民眾好像在美術館工作，時時都能有耳目一新之感。

加拿大最大當代藝術庫，欣賞藝術也是支持藝術

由於擁有為數最豐的當代藝術收藏，藝術銀行今天除了辦理藝術品租借的服務，藏品也免費提供給各國藝術機構或策展人策辦加拿大當代藝術展覽計畫，許多觀念及裝置藝術，在經紀畫廊的藝術市場上有通路的困難，此時藝術銀行自然負起支持當代藝術創作的重要任務，藝術家樂於讓藝術銀行收購作品，除了直接在經濟上有所助益，不論未來是否在某個辦公室看到作品，都能透過藝術銀行的電腦網絡系統，提供給世界各地藝術界人士瀏覽。

如何讓僅僅三位藝術顧問，掌握超過1萬8,000件作品的動向，提供顧客最快最有效率同時最佳的諮詢服務？主要就是靠著一套便利的管理軟體，除了掌控作品動向的基本功能，這套軟體還能提供概念式的查詢服務，例如總監維多利亞．亨利（Victoria Henry）為我們示範鍵入「Red Lips」（紅唇）後，凡是作品名稱、創作概念或作品形式與紅唇有關者，都可一一搜尋表列出來，實在是專業藝術顧問的好幫手，也是讓藝術銀行可以如此少的人手發揮最大服務及工作效益的關鍵。

藝術銀行能夠順利經營，社會整體的藝術愛好風氣也是很重要的支持因素。藝術作品離開美術館的層層保護與監控，走進與民眾每日生活攸戚相關的辦公空間，藝術銀行總監不諱言，在經營之初，她也很擔心若是作品的損壞機率過高，出險及修復費用過多，將會間接使租借費用攀升，還好幾年下來，作品在各地租借的情形，一直保持著良好的狀態，透過這樣的方式，也有越來越多的朋友走進藝術欣賞及收藏的行列，對當代藝術家的名字漸漸如數家珍，潛移默化間對推動當代藝術發揮了極大的影響力。藝術銀行的經營概念，讓21世紀的藝術典藏觀念走進另一種里程，「偉大的藝術品無價，但你的公司可租唷﹗」看到這樣令人莞爾的廣告，想到玩味藝術跟昂貴的藝術品為伍，可以這樣輕鬆快意，確實讓人欣羨。

美術手帖：策展人這一行

【文／岩切澪；圖／本刊資料室】

在活躍於全世界的策展人越來越多的情況下，「策展人」這一行已被討論許久，這看似了無新意的議題，《美術手帖》卻在12月號的專題裡凸顯了它的獨特性，其不僅描述「超級策展人」、「獨立策展人」等當今潮流現象，也詳細介紹這一行工作的脈絡、基本問題和限制，還有討論日本特有的策展人制度「學藝員」（即所謂「美術館策展人(house curator)」）的特色，並關注其策展方法與所重視的方向。在如此的關懷之下，《美術手帖》訪問了今年9月即將舉辦的「橫濱三年展」（Yokohama Triennale）總策展人水澤勉（Mizusawa Tsutomu），他曾宣布想將此次三年展策成「白箱子」（white cube）的展覽，並希望觀眾看完展覽之後能變為徹底孤獨的狀態，進而深刻思考作品的意義。他還形容此次展覽會像「一本書」，這聽來可能有一點古典，不過這樣的構想其實是他在神奈川縣立近代美術館研究及策展30年的經驗裡頭培養出來的結果，在此也可見他身為「學藝員」的自信和理想。「學藝員」這一門工作在日本其實一直都處於很尷尬的位置，常被學者們批評不夠學術，也不像西方系統那樣專業化：他們常常得處理許多瑣事，因此偶爾被稱為「zatsugei- in」（雜藝員）而非「gakugei-in」（學藝員）。

事實上，有些美術館已培養出不少研究者般的學藝員，神奈川縣立近代美術館為其中最有名並具歷史的美術館，水澤便是在其相當嚴格的師徒體系下所培養出的策展人；他除了持續鑽研自己的研究範圍（德國表現主義）之外，對日本現代藝術也相當的熟悉，而這也是他就職的美術館前輩們所營造出來的氣氛。他體會到如何在日本思考日本現代藝術：它不只是美術史的知識，更是每個小細節所串成的全面性體驗。這樣的他將如何策畫今年的橫濱三年展，頗令人好奇而期待。

本期還將去年秋天在東京引發話題的兩檔展覽：東京都現代美術館的「Space for your Future」展及森美術館的「六本木Crossing」展，當作案例分析並觀察策展的過程和實際的種種問題，東京都現代美術館館長谷川祐子（Hasegawa Yuko）的訪談內容尤其精彩。身為一位「超級策展人」，同時也是「美術館策展人」，她不僅關注世界上的美術潮流和當代性議題，也極力思考著如何與市民溝通交流，而且當她說：「我們得創造出有創造性的觀眾」時，語氣聽來是相當肯切的。

【典藏今藝術2008年2月號。訂閱典藏今藝術電子版】

東方遇上西方 莎翁名劇變布袋戲

【文／曹秀雲】

「太加厚，噯嘿山狗大阿枝（大家好，我是蜥蜴阿枝）！」咦！掌中戲舞台上，穿著衣服、長了雙腳、還綁著兩條辮子的蜥蜴頭布偶，搖搖擺擺的走出來，緩緩吐出的配音，不是台語，而是韻律婉轉、彷彿吟唱詩歌般的客家話，很特別，也很好聽。

操縱掌中布偶的黃武山，是「山宛然」劇團團長，是第一位擁有碩士學位的客家籍偶戲藝術家，二○○二年創立「山宛然」，六年來，他每年都有讓人耳目一新的客家偶戲創作。

去年，他根據客家童話繪本《山狗大的星星》新編「山狗大不大」客家童話偶劇，戲裡主角蜥蜴阿枝與阿大，會翻筋斗，還會唱鋼琴、手風琴伴奏的客家老山歌、平板調；更炫的是，舞台如同魔術秀，一下是黑得發亮的寧靜星空、一會兒又出現耀目煙火秀。

「剛開始，有人聽不懂客家話；但到最後，小朋友都依依不捨跑來問：阿大、阿枝什麼時候再來？」講到布袋戲，三十四歲、瘦高斯文的黃武山，眼神綻亮起來！

重學母語 花半年讀劇本

其實，最早啟發黃武山投入客家布袋戲推動的關鍵人物，竟是說福佬話的布袋戲國寶級大師李天祿。

李天祿當年為布袋戲承傳，與兒子、徒弟在台北莒光國小指導「微宛然」布袋劇團，黃武山小學四年級即加入，成為李天祿第一代徒孫。

剛開始，他和其他人一樣，用福佬話（閩南語）來「搬」（演）布袋戲，有天，李天祿師祖發現黃武山的福佬話，都有一個「腔」（口音），才知他是客家人，李天祿意味深長的鼓勵他：「既然是客家人，就該用自己的語言去講！」

於是，一九九九年，當時在國立台北藝術大學劇場藝術研究所表演組求學的黃武山，首次嘗試以李天祿的「武松打虎」劇本，改編成客家語演出。

布袋戲口白美感，還強調有節奏、語調、俚語等通俗卻又優美表現，完全顛覆了黃武山平日講話習慣，他等於要重新學習說話方式。

「我把每句台詞先錄在錄音帶裡，然後一句句矯正、背下來。」黃武山回憶，當時他很幸運遇到知名山歌天后賴碧霞的指導，一字一句重新咬字學習，體會客家語言七音之美。「武松打虎」這套客語劇本，他花了半年才講順。

演出當天，黃武山特別請了外婆、爸、媽和舅舅看他的客家布袋戲首演，「希望他們知道，我以身為客家人為榮！」會後，舅舅笑著拍他肩膀說：「你這個平常客家話講得不怎麼樣的人，居然也可以用客家話演戲！」

顛覆傳統 用偶戲破界限

二○○一年，他又和邱豐榮、謝宇威等幾位客家新生代的藝術人，組成「魅戲（Mercy）」偶劇團，第一部創作是根據作家李喬的著作——《寒夜》為藍本，改編成客家移民史詩故事《渡海悲歌》。

全劇完全以客語發音，利用黃武山擅長的布袋戲操偶，融入逗趣的客家俚語，結合謝宇威以吉他、口琴伴奏譜編出的七言詩創作樂曲，再搭配上素樸客家藍衫服飾等造型，聲光、音樂、視覺，每一樣都是顛覆客家偶劇嶄新嘗試。

這齣戲演出後博得滿堂彩，幾個年輕人熱血沸騰開始大膽玩更新的創作。

黃武山首次將西方藝術與東方布袋戲結合，和「亦宛然」劇團合作，改編莎士比亞的名劇「亨利四世」，不但布偶變成高鼻子、大眼睛立體輪廓的英國人；還將古典英語口白變成文雅閩南語戲文。

二○○五年，他獲得亞洲文化協會（Asian Culture Council）年度表演藝術類獎，赴紐約學習三個月，親身浸潤在最藝術薈萃的紐約生活，讓他對客家布袋戲有更深層思考轉變。

有次，他去看一齣名為「Q大街（Ave.Q）」布偶劇，舞台上只有一個人與一個偶，偶師操作手法雖不如台灣偶戲師父的出神入化手技，但簡單的演身與演師角色，在舞台創造出的氛圍、視野，充滿張力。這讓習慣隱身操偶的黃武山心頭一震，重新咀嚼前輩藝術家念茲在茲的「表演本質在人」內蘊真義。

他將這感受化為實際創作，二○○六年，他大膽改編李天祿劇本「巧遇姻緣」成「女兒嫁」新劇，表現現代女孩對感情嚮往又害怕、矛盾情結。劇中採用客語、普通話、福佬話甚至英語；更打破傳統布袋戲六角彩樓舞台框架，結合小劇場，把真人與布偶放同一個舞台同時出現，產生新穎對話關係。

對布袋戲並沒有好感的年輕客家籍聲樂老師黃珮舒，看完「女兒嫁」後，訝異「布袋戲偶也能與真人一起演出，還更唯妙唯肖傳達女兒家內心複雜情懷！」這心有戚戚的感動，讓黃珮舒拜倒在黃武山現代客家布袋戲劇。

之後，喜歡裁縫的黃珮舒，更在黃武山鼓勵下，為「山狗大」新劇縫製全新戲服，「不同領域的新朋友，可以激盪出更不同的視野與創意火花。」黃武山幽默說，這是他在國外喝了很多咖啡、參加許多派對後，學習到的匯集人才的技巧。

硬頸精神 憑熱情拚現實

「整個把布袋戲顛覆，你要走到最前面再反過來，去找出它的可能性。」經常在顛覆傳統的黃武山說，布袋戲需要「質變」才能生存下去；同時，布袋戲也須接觸人群「讓人看得懂，文化才能傳承下去！」

但是要兼顧理想與現實，黃武山走得很辛苦。資深客家布袋戲人邱豐榮曾說，目前台灣許多表演工作者，必須兼顧現實生計，這使得客家布袋戲徘徊在「專業」與「業餘」間，出現發展的瓶頸。

黃武山也透露，單靠經營一個劇團過活，根本不可能。小時候與他一起加入「亦宛然」學布袋戲的十一個小朋友，陸續打退堂鼓，最後只剩三個人。

高中時，他也因升學的壓力，一度停止學習布袋戲，但「少了布袋戲，心裡就覺得失落，人生沒有目標。」後來黃武山想出一個辦法：先把功課念好，考上、讀完大學，再利用課餘時間發展自己興趣，「想做，就一定可以做到。」

我問黃武山對未來有什麼想法？他先把布偶一個個溫柔、小心折好後，想也沒想回答說：「就是一直演下去啊！」在他靦腆笑容、單薄藍T恤的高瘦身軀下，我好像看到一絲活力陽光，雖然仍微弱，但是光與熱正慢慢聚焦……

Burnham boosts creative industries with arts apprentices

Staff and agencies
Friday February 22, 2008
guardian.co.uk

The government today unveiled plans to create 5,000 apprenticeships in the creative industries, such as the arts and media, over the next five years.

Culture secretary Andy Burnham today announced that five new "centres of excellence" will be launched in film, fashion, animation and the digital media to help people from all backgrounds make the most of their creative skills. The centres will be created in collaboration with leading firms, including EMI, the Royal Opera House and independent TV producer Aardman Animations, the makers of Wallace and Gromit.

The government said it was the first ever comprehensive plan for official support for the creative industries. The strategy is designed to provide the industries with an unrivalled pool of talent to draw upon, and the same formal, structured support associated with other industries.

Burnham said: "Making a career out of your passion and a business from your ideas - that's what we want to help Britain achieve. So now is the time to recognise the growing success story that is Britain's creative economy and build on it.

"The creative industries must move from the margins to the mainstream of economic and policy thinking, as we look to create the jobs of the future."

The BBC, Tate Liverpool, Universal Music Group and Monkeydevil Design are among the first to sign up to offer apprenticeships. Other companies already committed to the scheme include Birmingham Repertory Theatre, the National Trust, the Royal Shakespeare Company and National Museums Liverpool.

"Until recently the creative industries were seen as a bit of a Cinderella part of the economy, but things have now changed, as they should. We're second only to the service sector in our contribution to the economy and its good news that the government now recognises our importance", said Wayne Hemingway of Hemingway Design.

More than 1.9 million people are currently employed in the "creative industries", a higher share of the UK workforce than the US, Canada and France.

"The brilliant thing about publishing a strategy for the creative economy is that it recognises how hugely important creativity is to national success," said David Kester, the chief executive of the Design Council. "We can sometimes take for granted that we live in an open society which allows creativity to flourish in our young people and across many diverse professions, such as design, film and music."

Gerry Morrissey, general secretary of the broadcasting workers' union, Bectu, gave the announcement a "cautious welcome", adding: "We hope that the 5,000 apprenticeships will lead to real jobs at the end of the training period."

美國爆破藝術家蔡國強 古根漢首辦個展

公視 (2008-02-22 22:03)

以爆破藝術聞名全球的華人藝術家蔡國強，21號起在美國紐約古根漢美術館舉辦個人回顧展，共有80多件作品參與展出。不過這一次沒有爆破的場面，卻多了一份對人類社會各種矛盾現象的省思和關懷；而且這也是紐約古根漢首次舉辦華人藝術家的展出。

九部橫七八豎從六樓高的天花板倒吊而下的汽車，不時冒出火花般的霓虹光束，在美感中透露出不安的訊息，這是華人爆破藝術家蔡國強在紐約古根漢美術館回顧展的代表作；另一項作品，九隻老虎被萬箭穿心，同樣叫人怵目驚心。蔡國強透過這項作品，對人類殘害動物發出深沉的怒吼。上海戲劇學院舞台美術系畢業的蔡國強，每一件創作都充滿戲劇張力。他也從火焰裝置和火藥繪畫中，找到了藝術表達的泉源。蔡國強曾數度來台，跟台中美術館炸出921地震的震撼，一手策劃了金門碉堡藝術的爆破演出，後來也與林懷民的舞蹈,擦出火花，在他眼中，火藥是一個自發的，不可預測和無法控制的媒介。

他可以將劇烈的爆炸，轉換成充滿詩意的創作。對他而言，火藥蘊含著宇宙未知的能量，就是這種充滿哲學意味和跨越東西藩籬的思考，讓他的創作震撼全球藝壇，成為第一位受邀到古根漢舉辦個展的華人藝術家。他也應邀在北京奧運開閉幕時，進行爆破藝術的演出。

當代藝術館特展「果凍世代」不想長大

當代藝術館特展「果凍世代」不想長大
【聯合報╱記者周美惠／台北報導】

2008.02.22 03:29 am

台灣有草莓族，大陸有果凍族。台灣人說起草莓族多少帶點貶抑；自創「果凍世代」一詞的大陸上海美術館副館長張晴則說，他正面看待大陸新世代，他們就像果凍看來柔軟，實則帶有硬度及韌性，自有其責任心及思考。

什麼是果凍世代？從台北當代藝術館明天起揭幕、由張晴策展的「果凍時代」特展可見一斑。

這些在八○年代前後出生的果凍族，最大特徵是不想長大、迷戀嬰兒化的青春，對虛擬與夢幻的世界比現實人生更感興趣。雷本本的「懸舞」將芭比娃娃置於懸崖跳舞；虞華的「城市」系列假想從昆蟲的視角仰望藍天、將城市化為遊樂園，自己則成了穿著兔寶寶服的嬰孩在城市冒險遊戲。趙華森的「告別青春期」索性以奶油蛋糕為床，進入甜蜜無比的夢境。

大陸八○年代新藝術家杜恂孜在台北當代藝術館《果凍時代》特展，以密密麻麻大頭貼組成的大型裝置作品展示未來肖像學。

可別小看果凍世代，他們自有對現實的批判。已在中央美院任教的李洋以細膩的筆觸創作的「人魚生死圖」，從電子雞獲靈感，虛構販售人魚的產品，以長達廿公尺的連環圖畫，模擬產品使用說明書的形式，批判消費主義、瘦身產業及情色文化。

果凍族也像草莓族一般迷戀網路及動漫。

張晴說，他在大陸各地遊歷一年半，發現果凍族驚人的創作動能，從四、五百位藝術家中選出四十一人來台參展，將在當代館展至四月十三日。


中國時報 　2008.02.22

果凍時代QQ創作抗拒被塑型

吳垠慧／台北報導

　一九八五年，第一條果凍生產線正式引入中國，伴隨著一九八○年代後出生的年輕世代一起成長。如今，他們已是廿來歲的成人階段，並且形成了與上個世代截然不同的思考邏輯與文化態度。中國策展人張晴稱呼他們是透明、輕盈的「果凍一代」！

　張晴所策展的「果凍時代」，呈現的就是四十一位生於一九七○年代末至一九八五年之間，中國大陸年輕藝術家的六十件作品。這也是台灣首次有如此大規模的中國年輕世代的藝術展出。而四十四歲的張晴，是現任上海美術館副館長，更是是兩屆上海雙年展的總策展人，是深具分量的一位藝評與策展人。

　透明輕盈 光鮮亮麗 關注自己

　說到果凍，最大的特色便是那ＱＱ、滑溜的質感與光鮮亮麗的色彩。張晴表示，大陸一九七○年代之前的藝術家，喜歡討論國家、政治、民族與文化的課題，「果凍一代」的年輕藝術家擁有豐富的想像力，不過他們多半關注的是自己切身的世界、喜歡抒發內心的感受。像是電玩、動漫、幻想、日常瑣事、城市生活或童年記憶等，都是他們喜歡的題材。

　一九八三年，中國開始實施一胎化，「果凍一代」多數是一胎化下誕生的孩子。張晴表示他們有「不想長大」的普遍心理。「家裡只一個孩子，父母呵護無微不至，不像我們那時候只要能吃飽就好。」

　一九六○年世代的張晴說，中國幾個大城市，在近廿年轉型成消費型社會，人們生存的環境較過去昌明、富裕又複雜。「這一代年輕人擁有完整的學校經驗，在學校封閉性的空間中，造成與社會接觸的延遲，青春期相對延長。」

　不願長大 卻不像豆腐易碎

　因此，張晴觀察到，「果凍一代」的年輕人即便已成年，也不願面對成年的壓力，「仍然延續獨生子女童年階段的心理狀態。」「像是果凍的外表鮮麗，但卻沒有固定的形態。果凍的輪廓取決於容器，就像是這一代人抗拒被塑型，反抗成為前人定義的形象，又不可避免受到時代和文化環境的塑造。」不過張晴也說：「果凍的外在雖然很脆弱，但其實還是有軟結構支撐，不像豆腐易破。」

　在策畫「果凍時代」之前，曾有朋友警告張晴，現在年輕人很難相處，「沒有倫理觀念、自我的不得了」。也有人嘲諷年輕人和果凍一樣「好看卻沒營養」。不過，張晴的感受是：「表面化的創作成了另一種深刻。」

台北上海廣東三美術館合作 藝術行銷城市

【中央社】記者 羅廣仁 2008年02月22日

　　九月的亞洲很藝術! 從九月四日至十一日，先後有韓國光州、釜山，中國廣州、上海，和新加坡、台北等亞洲現代都會舉行美術館雙年展，吸引全球藝術家、藝評家和媒體，共享藝術饗宴。台北市立美術館和上海美術館、廣東美術館今天宣布合作，共同宣傳年度藝術盛會，行銷城市。　　　　　　　　
　　上海雙年展主辦單位上海美術館執行館長李磊、展覽策畫承辦項麗萍、上海市文化廣播影視管理局范玉嬿，以及廣州三年展主辦單位廣東美術館廣長王璜生及該館當代藝術策展人孫曉楓等人，應2008台北雙年展主辦單位台北市立美術館之邀，二月十八日抵台訪問六天，並針對本屆台北雙年展與上海雙年展、廣州三年展的正式合作事宜進行協商、凝聚共識。　

　　北美館館長謝小韞今天和上海美術館執行館長李磊、廣東美術館廣長王璜生在北美館辦公區貴賓室舉行記者會，向媒體說明九月舉行的台北雙年展與上海雙年展、廣州三年展的合作方向。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　
　　謝小韞說明，三個美術館在九月的雙年展或三年展錯開了開幕時間，將在文宣上合作，同時介紹三個展的主題、特色，希望讓全球藝術家、藝評家和媒體，能藉行程之便，參觀三個城市美術館的展覽，並達到行銷城市的目標。　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　
　　　　　　　　　　
　　上海美術館館長李磊說明，今年「上海雙年展」的主題是「快城快客」，藝術表現內涵主要在探討上海城市的變遷，具有歷史內涵和深度。　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

　　廣東美術館廣長王璜生也宣布，九月舉行「廣州三年展」的主題是「與後殖民說再見」，主要探討廣州這個城市在國際化和現代化過程中的各種文化和民生問題所形成的衝擊，將文化現象以藝術體現，強調對人的關懷。　　　　　　　　　　　　　　　　　
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　
　　台北雙年展的主題近期會定案，謝小韞說，策展人在三月會在台北舉行一系列的記者說明會，並宣布台北雙年展主題。她並表示， 北美館與上海美術館、廣東美術館的合作，就從這次城市美術展開始，並會進行館務交流和人員的互訪，以及策畫典藏作品的交換展覽，從藝術、文化合作，促進兩岸的交流和緊密關係。