| 【富比世／Nicola Ruiz】
《Place Branding and Public Diplomacy》雜誌編輯兼《2008 City Brands Index》（2008年城市品牌指數）調查（上月公佈的排名就基於該調查）作者 Simon Anholt 表示：「倫敦的唯一不利因素就是它的安全性和消費水準。」Anholt 還與城市及國家政府就提高其國家聲譽的政策、投資和策略進行了諮詢。他說：「但是這兩個因素也幫助提升了其形象：如果太安全，人們就感覺不到刺激，如果消 費水準太低，它的受尊重度就會降低。」 名列前10的城市還包括澳洲雪梨、羅馬（義大利）、西班牙巴賽隆納、澳洲墨爾本、柏林（德國）、荷蘭鹿特丹、和西班牙馬德里。 數字背後 Anholt City Brands Index（Anholt 城市品牌指數）對18個國家的18,000人進行了調查。評判城市的標準包括生活方式、口碑、文化多元性、文化生活和吸引力。比如，受訪者會被要求根據氣 候和天氣、污染程度以及建築和公園的外表吸引力列出40佳城市。他們被問及他們所預期的每個城市人們的熱情度，以及每個城市在過去30年裏在科技、文化和 政治領域對世界的貢獻大小。 Anholt 說：「較精明的政府一直以來都將他們的城市看作是一個需要向外推廣的品牌。但全球化的後果之一就是城市之間對遊客、投資者、企業和重大盛事的競爭變得空前激烈，因此適當注重聲譽現在已經以一種以前所未有的方式加以強制。」 酷都 倫敦位居榜首，這部分歸功於全球近三分之一的人口（包括澳洲、印度和加拿大）與英聯邦有聯繫，並將倫敦視為世界金融、時尚和音樂之都。之前宣佈的2012年奧運會舉辦權又給這座城市貼上了一枚時尚的印章。 其孕育超凡魅力領導人的能力也沒有減弱。在1997年掌權之際，首相東尼‧布萊爾 (Tony Blair) 推出了「酷不列顛」(Cool Britannia) 計畫，旨在將倫敦定位為一個酷而時尚的新銳城市，展現在世人面前。這個推廣口號旨在嘗試為英國重塑一個進取、有遠見且多元化的形象，並同時推廣 Oasis、辣妹 (Spice Girls) 和 Blur 等英倫搖滾品牌。 這似乎起了作用。美國西北大學 (Northwestern University) 國際行銷學教授、40多本區域行銷著作作者 Philip Kotler 表示：「這裏有悠久的歷史和多元文化的人口。這裏是世界金融中心、藝術中心及文物中心，並有著生機勃勃的能量。」 關於巴黎排名第二，Anholt 表示，在贏得這一領先位置方面巴黎所做的努力少於其他城市。自20年前的 Arche de La Defense 至今，巴黎就沒有出現新的著名建築，最近也很少舉辦過受大眾喜愛的盛大活動。Anholt 說，與羅馬和米蘭一樣，巴黎是坐享其成。 他表示：「巴黎是最時尚的城市之一，這幾乎成了一種陳詞濫調。但它卻已發展成為一種全球性的流行文化。尤其是在發展中國家，人們都期望能在法國享受美食、時尚以及精緻的生活方式。多年後它可能會變成一座糟糕的城市，但它卻不會因此失去這種聲譽。」 不管怎樣，如果你希望置身於美景當中，那麼巴黎仍是不二選擇。當被問及哪座城市最美時，50%的受訪者表示巴黎最為迷人，而46%的人認為當屬羅馬，29%的人選擇紐約，只有5%的人認為是北京。 位居最時尚城市排行榜第15名的城市米蘭被選為對全球時裝作出最重要貢獻的城市，而華盛頓、馬德里和東京則分別在政治、文化和科技方面做出了最重要的貢獻。 當然，每座城市都有其自身獨特的榮譽需要保持。有些政府想打造一座安全乾淨的城市，而有些政府卻努力將自己的城市打造得更加酷勁十足。 Anholt 說：「荷蘭給人的印象是穩定、可靠、高效、富有和無趣。而阿姆斯特丹給人的感覺就時尚很多。這一切都是因為色情、毒品和搖滾。該城市政府希望能保持那樣鮮 明時尚的吸引力。」Anholt 稱位居最時尚城市排行榜第9名的阿姆斯特丹是少數幾座透過酷T恤測試 (cool T-shirt test) 的城市之一。「如果你將『I heart Amsterdam』印在一件白色T恤衫上，那麼它的售價比沒有這幾個單詞的白色T恤要高。」 雪梨同樣也透過了 Anholt 的酷T恤測試，該城市在最時尚城市排行榜上排在紐約、羅馬和巴賽隆納之前，位居第三位，這令除了那些在雪梨享受生活的人們之外的所有其他人都感到非常驚訝。 Anholt 稱：「每個人都熱愛澳洲。它代表了一種令人嚮往的品牌，這幾乎在《鱷魚先生》(Crocodile Dundee) 裏都有所體現。這部電影為澳洲城市的形象增添了奇跡般的光彩。該電影已風靡全球。如今澳洲被認為是一個完美的國家：熱情、富有、好客和文明。」
原文：Forbes.com The World's Most Stylish Cities
【2008-04-24 富比世】 | ||||||||||||||||||||||||||||||
2008年5月8日 星期四
時尚城市王 倫敦打敗巴黎
2008年4月14日 星期一
招兵買馬 台北藝穗節8月底開跑
2008/04/14 16:39韓啟賢
為 了鼓勵另類、非主流與獨立藝術的發展，讓台灣的青年藝術家能有更多、曝光度更高的表演空間，台北市政府引進英國愛丁堡藝穗節的概念，預定在今年秋天於台北 舉辦2008「台北藝穗節」(TaipeiFringeFestival)；並自即日起到5月底，接受海內外新興、小眾與前衛性的表演團體或個人報名演 出。
在城市文化堙A除了大眾文化的主流表演與劇場藝術外，還有一種藝術是屬於另類、非主流、地下文化與獨立藝術；它們可能在畫廊、公園、咖啡廳，或是戶外廣場演出。這一類的演出在英國愛丁堡被稱為「藝穗」(Fringe)，在法國亞維儂被稱為「外」(off)，象徵自由開放以及成熟主動的演出精神。
像是在今年秋天就要邁入第61個年頭的2008英國愛丁堡藝穗節，預計會有來自40個國家的小眾藝術工作者與團體，在當地的250個場地進行約2000場的演出。此外，澳洲的阿德雷德，韓國的首爾，香港與中國的上海也有舉辦藝穗節活動。
而為了鼓勵年輕的表演藝術工作者，讓他們的藝術表演以及原汁原味的創意能在台灣發光發熱，台北市政府文化局與台北市文化基金會等單位，預定從8月30日到9月14日在台北舉辦第一屆台北藝穗節。藝穗節總監王文儀說：『前所未有，台北第一次，當然我們希望大家都可以快速加入台北藝穗節；我們希望台北藝穗節會是台灣表演藝術團隊，最佳的曝光活動平台。』
主辦單位指出，今年的台北藝穗節是從本月7日起接受網路(www.taipeifringe.org)報名，報名截止日期是到5月29日為止。可表演的項目包括歌唱，戲劇，舞蹈與即興表演等等；根據統計，到本月14日為止，已有22個團體或個人完成報名。
2008年4月3日 星期四
老夫子 蘇富比全球首拍漫畫原稿
老夫子漫畫將登上蘇富比拍賣會，這是蘇富比公司（Sotheby's）全球首次拍賣漫畫原稿！老夫子漫畫不但是四、五年級生的回憶，如今更成為有價的藝術品；老夫子第二代作者王澤表示，自他父親出版第一本漫畫至今四十五週年，登上蘇富比藝術拍賣會是肯定他藝術上的成就。
蘇富比當代中國藝術春拍四月九日將於香港舉行，被選中的標的物為六十至七十年代兩套「老夫子」早期極珍貴的手稿。其中一套四張的黑白原稿，全為王澤六十年代的代表作，起標價港幣六至八萬元；另外四張七十年代單行本與合訂本的封面彩稿，都以老夫子中三名主角─老夫子、大番薯、秦先生為中心人物，構圖新鮮，極為罕見，起標價為港幣八至十萬元。
王澤的父親當年畫漫畫，用了很多筆名，但用他的名字當筆名時大發，便延用至今；因其父親年紀漸長，王澤才於十二年前接手漫畫事業，成立「老夫子哈媒體公司」。
王澤以極為開闊的態度與眼光來經營「老夫子」。曾經拍過卡通、拍成3D真人動畫電影、和周杰倫合作潮流T-Shirt、製作各式創意公仔上市等。這一回和「飛躍羚羊」紀政的希望基金會合作，推動「行‧為藝術」，將號召老夫子百萬漫迷響應，將「行」動力運用到每個想達成的目標上，讓「行」提升到更深層的境界。
未來「老夫子哈媒體公司」將藉由實際的行動，尋找國內優秀的創作人，協助他們的作品與「老夫子」一同走向國際。
王澤今天在記者會中表示，紀政女士致力推廣「行」的運動家精神，與老夫子成功的精神符合，事實上老夫子也是愛運動的，所以捐出部分蘇富比畫作拍賣所得，拋磚引玉，來推動「行‧為藝術」。
2008年3月19日 星期三
「藝」股熱談 (上)
中國藝術市場於近年之發展，一如蔡國強完美的爆破藝術，轟動演出──完全無視於天候之惡劣、技術的難題，連小鼻子、小眼睛的藝評對著看得眼花瞭亂的觀眾苦口婆心、諄諄告誡，也動搖不了半分。岳敏君的無數分身，也隨中國當代藝術逐月屢創新高，笑得嘴愈咧愈寬。幾十名張曉剛大家族裡盤桓不去的無名氏，像花蝴蝶般到處飛，以特別來賓的身份逐宴而居。
中國當代：從香港走入紐約
這一塊市場擴張之快，以蘇富比在香港的中國當代藝術拍賣，和紐約的亞太（且也以中國為主）當代藝術品拍賣，表現得最為昭著。蘇富比2004年10月在香港首度舉行中國當代藝術拍賣，此後至一年後的第三度拍賣，成交總額躍增三倍，從295.0712萬美元上揚到901.9398萬美元，比前一年秋拍上漲了88%。蘇富比於香港的成交總額持續大幅上揚，2007年10月7日的最近一次秋拍，總額高達巨量之3,424.0517萬美元，為2005年同期的三倍。繼2006年4月的香港春拍之後，一年兩次的盛會再細分成兩場，一場以高價但跟風較小的現代藝術為主，另一場以當代藝術為主。為了和2005年作持平比較，當年現代藝術拍賣放在現在不覺得有多高的金額：831.4034萬美元，在這裡就要加進去才對。這時，中國當代藝術就從2004年10月尚處未開發時期的295萬美元，大幅成長，締造出迄今數十年藝術市場前所未見的蓬勃躍進，三年後，同類成交的總額，還成長為4,255.4551萬美元──增加了 14倍。
然而，香港的現況若證明這一塊公開市場已從嬰兒長成為大人，那麼，紐約的成交狀況，代表的就是新人的亮相派對。蘇富比先於2005年在紐約新設中國當代藝術部門，後於2006年3月31日舉行首度亞太當代藝術拍賣──等於是在西方藝術市場的重要據點，為引進亞洲藝術立下了里程碑。成交總額達1,322.8960萬美元，比香港前一年的秋拍要多，對於緊接著一禮拜後要在東方大港舉行的春拍，無疑是一大激勵。紐約拍賣的245件作品，賣出了89.1%，作品的平均成交價是6.0132萬美元。紐約的這一次首拍雖然耗了十年來推動，但遲至2006年才剛舉行；紐約這一次的拍賣，和香港一樣，都是未來發展的重要基準點。2007年9月30日，紐約的成交總額達3,844.6975萬美元，275件作品裡賣出 81.8%，平均成交價攀升到17.0875萬美元，較諸2006年3月，上升了184%。此次9月秋拍的成交總額，較諸2006年3月紐約的春拍，上漲了百分之191%。
由市場決定受矚目的作品
「充份揭露」在藝術市場，跟米開朗基羅的素描一樣，都是珍品，有其優點，只要不變成狗咬呂洞賓就好。或許就是這緣故，藝界身負多重角色的人一講起藝術市場，無不套用他們講起「全球化」或是「後現代」這一類概念的那同一套含糊、油滑的招數──現下的歷史變化無人不受影響，只是其間的動勢太複雜，沒辦法作簡單明瞭、定於一尊的說明。連瞧不起市場的藝術史教授，只偶爾為展覽目錄提筆撰文，也避不開市場動勢的影響，免不了要在這市場的動勢裡面扮演小之又小的角色。這絕對是想避也避不了的，尤其是在現在這樣的年頭，決定當代藝術何者值得矚目，是由市場本身在領軍的。人人都想在市場的蘋果派裡分到一塊，但又不想打翻往餅舖裡送的蘋果推車。只是，在討論到「市場」時，我老覺得這「市場」像是房間裡的寵物象，參與討論的每一個人和這一頭大象，都有見不得人的關係，最好藏著別讓人知道──除非講話的人的職業，明白就寫著是藝廊業者、拍賣業者，或是收藏家的代表。至於我自己跑的是什麼龍套呢？我的公司2005年開始，就為蘇富比的中國當代藝術部門做過一些顧問諮詢的案子。而眼見亞洲當代藝術在全球當代藝術市場裡面打下了更穩固的據點，對此自然是既快慰、又讚歎。
亞洲當代藝術市場的四大特性
我在2006年春天的蘇富比《Preview》雜誌上面，曾經撰文指出，亞洲當代藝術市場因有四大特性，以致有別於歐美的當代藝術市場；當時我寫道，「由此四者，可見此一市場的前景樂觀可期。」這四大特性，在我看來簡單明瞭，一如蘇富比於紐約舉行的首場亞太當代藝術拍賣，一定會衝破原先審慎、矜持的預估一般。這四大特性及其含意，略述如後：
（1）「少數幾位名人攘奪了絕大部分的鋒頭，尤以中國當代藝術為然……其他諸多重要藝術家……尚待藝術史或市場給予他們應得的表彰和垂青。……目前之功成名就，尚屬寥寥數人專屬，但於未來，可見將會由愈來愈多的藝術家分享。」
（2）「現今藝術史雖然已經開始糾正過往的偏見，比較能夠確實反映現代和當代藝術實作有其地域多樣性，唯拍賣市場還須努力，才能趕上腳步。」我還舉了幾名藝術家，指他們「有卓越的貢獻，不只在地區的藝術實作，也在更廣的藝術史面，」也說「這些藝術家的創作價值，理當獲得表彰，重作評價，但卻遲遲未見。」
（3）一放進更大的當代市場裡面檢視，「明確展現當代形式的藝術家，其風格與尚於傳統血脈之中挖寶但當代特性未減的藝術家，有所分歧」，就看得出來是導致其定值過低的一大盲點。我這說的便是當代的水墨畫，「對水墨畫有興趣的策展人和收藏家，迄至目前為止，都還集中在亞洲地區；不過，這樣的情況勢必即將有變。」
（4）「最後，」我寫道，「日、韓大師未獲持平鑑賞，當代水墨畫在這一區也未獲持平鑑賞，這樣的情況，就算套在那些在拍賣會上大放異彩的中國藝術家身上，一樣成立：這些中國藝術家以同一比較基準來看，比起歐美同儕，依然算是定值過低。這可能是新興的亞洲市場最重要的一大特點。」
不過，區區18個月後，修正顯然已經應運而生。我寫的第一點，已經證明為真；除了那幾位品牌已經很響的名家之外，另有許多藝術家在公開市場也已經打下了扎實的價格基礎。不過，這情況和承認二者等價的關係比較小，而和整體市場行情上漲的關係比較大。售價（這是公開的紀錄，因此是相當客觀的數據）和價值（這依我的理解，在有些人的看法是純屬主觀）的差距依然很大。北京的大收藏家管藝在最近一次的蘇富比拍賣前，在香港接受訪問時曾說，「不是好的藝術品就一定貴，也不是貴的藝術品就一定好。」我自己現在則對未來是否真有「愈來愈多的藝術家」可以分享「目前尚屬寥寥數人專屬的功成名就」，不敢盡信──因為，換算成金額來看，「成功」的基準點在過去18個月裡，已經往上翻了多達十倍。
至於我先前寫的第二點，我現在的感覺就比較複雜了。去年嶄露頭角的藝術家，如今「地位」和「價值」真的已經水漲船高，而且，現今還輕易就看得到許多藝術家紛紛冒出頭來──但這也要市場的增值和藝術史的認可真的有必然的關連。雖然我還是相信歷史評價的恆久價值，在於禁得起歷史記載長久的淬煉，但是，目前大面市場歡欣鼓舞的氣氛是要看作過眼雲煙，抑或是一場典範轉移──贏家市場正在寫它自己的藝術史，而且寫得愈來愈有說服力──則尚未完全明朗。這問題不在泡沫或崩盤，市場到後來一定會作修正。這問題，毋寧應該說是那些不算貴、但也因此算是「價值低估」的作品，一旦號令衝刺會發揮何等排山倒海的威力的問題。傳統類型的收藏家買得或許是「歷史」吧；但今天有眼光的市場投資客，抱著大筆流動現金買的則是品牌，還有品牌的形象──同時心中暗忖要以這品牌為商品，轉換獲利。這狀況在以前一直就是如此，而我看呢，目前尤甚。
至於第三點，我就覺得沒有必要作修訂了：我還是覺得水墨畫不論是在市場還是在策展圈子裡，都一定會掙得更多的認同。而別的傳統創作，只要還有創新的發展，這一點一樣可以引申沿用。不論市場和藝術史評價有沒有關連，有幾百年歷史的傳統若到今天依然生龍活虎，那就沒有理由會下沉到湮沒無聞而非上揚到更受重視。
最後一點，同時也是我18個月前指出之新興亞洲當代市場「最重要的一大特點」，就需要作最多的修正；這方面的數據點有那麼劇烈的變動，以致去年的分析，於今皆成老古董的歷史陳跡。我在我說的那些「比起歐美同儕依然算是定值過低的」諸多藝術家，加進了「就算在拍賣會上大放異彩的中國藝術家」。而這大放之異彩，於今更是壯觀，而且，也有幾則事例證明雙方的差距已然完全彌合。
2008年3月10日 星期一
慕尼黑事件19死 奧運史上最恐怖
2008.03.11 02:57 am
每四年一次的奧運會吸引全球數十億觀眾的目光，成為恐怖份子下手行動的最佳時機。史上最著名的奧運恐怖事件，就是發生在1972年的「慕尼黑慘案」，造成19人死亡，包括13名以色列隊員、5名恐怖份子和1名西德警察。
慕尼黑舉辦1972年夏季奧運會，八名巴勒斯坦武裝組織「黑色九月」恐怖分子，於九月五日清晨闖入慕尼黑奧運村的以色列選手駐地，當場擊斃兩名以色列隊員，並挾持另外九名運動員及兩名教練，奧運會被迫中斷。恐怖份子要求，釋放被以色列關押的234名巴勒斯坦政治犯。
由於西德警方的救援行動失敗，十一名以色列人質全部喪生，八名恐怖份子當中有五人被消滅，但也折損一名警察，成為奧運史上最慘烈的一次恐怖攻擊事件，好萊塢著名導演史蒂芬史匹柏也據此拍成電影「慕尼黑」。
2001年美國911事件後，奧運會等世界級的大型運動會一直是恐怖份子的作案目標，許多恐怖組織揚言將在比賽期間發動攻擊。例如：2004年的雅典奧運，賽前一百天，三枚炸彈在雅典一個警察局外連環爆炸，讓雅典奧運在緊張氣氛中開幕。
04年的雅典奧運，希臘投入12億美元強化安全措施，並部署八萬名武裝維安人員，堪稱史無前例。希臘根據各國運動員可能受到的恐怖襲擊威脅程度，將保安工作分成三級。英國、美國和以色列代表隊被列為最高級保護的國家，這三國的運動員享有廿四小時全天候的隨身武裝人員保護。
2008年3月7日 星期五
「檳榔西施」藝術創作 巴黎展出
2008.03.07 08:32 pm
六位台灣藝術家創作與台灣在地「檳榔西施」特有現象相關的攝影、後製合成影像作品，目前正在巴黎「世界文化館」舉辦的「想像藝術節」中展出。
這六位藝術家是陳敬寶、鄧文貞、黃庭輔、林慶芳、吳瓊華與施工忠昊。
除巴黎「世界文化館」外，行政院文建會駐巴黎台灣文化中心及高雄美術館也協同策劃這項展覽，希望透過展出的藝術創作，探究台灣在地「檳榔西施」的特殊現象。
文建會駐巴黎台灣文化中心指出，台灣歷史變遷，產生多樣常民文化，今日台灣在各地交通要衢旁，因應城鄉之間往來迅速運輸的都會文化而林立的另類驛站–檳榔攤，其中俗艷裝扮兜售小姐置身於隻身圜轉的透明空間中，尤其令人印象深刻。
該中心並指出，巴黎「世界文化館」對於台灣現存特有的常民社會現象極感興趣，因此特別與高雄美術館選出六位藝術家，以相關「檳榔西施」現象議題作為創作主軸，並以不同切入觀點、形式多樣的藝術創作呈現各自的作品，相信對台灣「檳榔西施」現象可提供周延而深入的探究。
昨天在巴黎Point ephemere展覽中心開始展出的這項展覽，將於四月二日閉幕。
主辦單位並將於三月十二日舉辦開幕酒會、鄧文貞、林慶芳與施工忠昊等參展藝術家，以及高雄美術館館長李俊賢均將出席這一活動。
中共電影禁令 拿色，戒開刀
2008.03.08 02:19 am
中共廣電總局本月三日向大陸各省、自治區、直轄市廣播影視局，各電影製片單位，中國電影合作製片公司，電影頻道節目中心通知，明定電影禁止有危害國家統一、主權和領土完整，煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣等劇情；要求加強管理、淨化銀幕，堅決抵制「腐朽文化」。
「色，戒」成為第一部被拿來「開刀」的電影，因此片走紅的女主角湯唯，面臨被封殺的困境。而以後中外電影想在大陸上映，恐怕內容都得拍成「軍教勵志片」，大陸好不容易開放的電影環境，重新回到「封閉」時代。
廣電總局「關於重申電影審查標準的通知」，明定電影禁止有下列劇情：
．違反憲法確定的基本原則；
．危害國家統一、主權和領土完整；
．洩漏國家秘密，危害國家安全，損害國家榮譽和利益；
．煽動民族仇恨、民族歧視，破壞民族團結，侵害民族風俗、習慣；
．違反國家宗教政策，宣揚邪教、迷信；
．擾亂社會秩序，破壞社會穩定；
．宣揚淫穢、賭博、暴力、教唆犯罪；
．危害社會公德，詆毀民族優秀文化。
通知規定，電影有下列情形，應刪剪修改：曲解中華文明和中國歷史，嚴重違背歷史史實；曲解他國歷史，不尊重他國文明和風俗習慣；貶損革命領袖、英雄人物、重要歷史人物形象；篡改中外名著及名著中重要人物形象；夾雜淫穢色情和庸俗低級內容；夾雜骯髒低俗的台詞、歌曲、背景音樂及聲音效果；夾雜兇殺、暴力、恐怖、鬼怪、靈異等內容，顛倒真假、善惡、美醜的價值取向，混淆正義與非正義的基本性質；有強烈刺激性的兇殺、血腥、暴力、吸毒、賭博等情節；有過度驚嚇恐怖的畫面、台詞、背景音樂及聲音效果等。
此外，電影情節有宣揚消極、頹廢的人生觀、世界觀和價值觀，刻意渲染、誇大民族愚昧落後或社會陰暗面，都得刪剪。
2008年3月6日 星期四
新設大文化部 蔡武任部長
2008.03.07 03:31 am
這次中共全國人大會議，除高層人事外，最受矚目的是「大部制」的國務院機構改革；有關方案已在中共十七屆二中全會決定，最令人意外的，是這次機構改革方案中，將設立「大文化部」。
北京文化圈裡傳出消息，今次機構改革中設立「大文化部」，將有關文化領域的部門統合起來，全面加強文化事務的建設和管理。
新的「大文化部」，選定現任國務院新聞辦公室主任蔡武，出任部長。
蔡武三年前，由中央對外聯絡部副部長出任國務院新聞辦主任。他上任後擴大前任推行的「白皮書」制，對外樹立中共政府公開、透明的形象，更力推國務院各大部委設立新聞發言人制度，甚至原來較封閉的軍方，新近也設立新聞發言人制度。
蔡武被視為共青團背景人士，與中共總書記胡錦濤關係密切。他畢業於北京大學，曾擔任共青團中央常委，也曾在甘肅當過一段時間記者。與境外媒體接觸過的中共官員，他有較開放的風格。
中共國務院將在十一日向人大會議提交機構改革方案，一旦獲審議通過，相關部門即可設立裁撤。
擬議中的「大文化部」，預期將會以「轉變職能、理順關係、優化結構、提高效能」為基本方針，全面加強文化領域的社會管理和公共服務，實現職能有機統一為主要方向。
據此方向，目前與文化相關連的部門，包括文化部、新聞出版總署、國務院新聞辦、廣電總局等，將進行統合；另外一些部門主管涉及文化事務的職能，可能分拆部分出來，歸到「大文化部」，包括教育部、科技部乃至信息產業部等。
長期以來，中共相關的部門就有職能重疊、遇事互相推諉、有事群起而爭的現象，部份部門分分合合，幾經改革周折。現在要合併、分拆、重組，也非易事。
在一批廣被熱議的「大部」，紛紛被剔除改革方案之際，之前未被人提及的「大文化部」，成為首批改革正選，雖出人意料，但也在意料之中。這是因為，胡錦濤的新思想體系，以「四大建設」為骨架。在中共十七大政治報告中，文化建設首度與政治建設、經濟建設、社會建設並列而立。
文化列入「四大建設」之一，重要性非昔日的文化體制改革可比。新的「大文化部」一旦組建，將擔任中共十七大要求的在高起點上推動文化內容形式、體制機制、傳播手段創新的任務，並以文化產業的發展、文化市場的建設，實現國家「軟實力」的提升，以助實現中共確定的中華民族復興目標。
2008年3月3日 星期一
媒體．藝術．文化 兩岸四地媒體應如何合作
在這場有關文化發展與文化立國的討論會中，媒體對文化究竟該作些什麼、該有何貢獻，受到與談人的關切。雲門舞集創辦人林懷民先生直指「媒體應更關注文化，問題才能被看見，才能被解決。」交大建築研究所教授劉育東則舉西班牙為例，它的國民並不在乎國民所得在未來要增加多少，反而在乎其文化指標，包括「報紙的藝文版面多寡」的問題。而文化工作者林谷芳教授也以韓國電視連續劇代表作「大長今」為例，它在韓國史書記載中只有三行文字，經過編劇絞盡腦汁，轉化為轟動亞洲的四十六集，在香港播出最後一集的收視率創了六十九％的紀錄，說明媒體與藝術、文化作有效能的連結之後，能夠產生多大的傳播力量和產業價值。
專家的發言，勾起了筆者記憶中的一段往事。北京有一個公益組織叫「阿拉善基金會」，糾結兩岸企業組織出錢出力，長年在中國大陸沙塵暴的發源地──內蒙阿拉善盟種樹抗沙。將近三年前，其理事會成員二十餘人來台開年會並參觀拜會，筆者參加接待。該團離台前夕，台灣的主人們假林谷芳教授主持的北宜公路邊上的雅緻茶坊為他們餞行。翌晨上班，收到兩頁傳真，是上海一家規模龐大的手機簡訊公司的年輕執行副總──史丹福大學畢業的王博士所發（因截稿時間匆促，來不及徵求渠同意，姑隱其名），他描述這是他在凌晨給同行的大陸團員所寫的「情書」。王博士在信函中指出，他的首度訪台對他產生極大的文化震驚，他發現，無論是在北部的台北市喧嘩熱鬧的西門町，在中部山區寧靜僻遠的南投縣集集鎮，或是在廣袤遼闊的南台灣農村，都洋溢著豐沛的中華文化，他說：「台灣確實是中華文化的中心」如此，還有什麼好擔心的呢？王博士疑惑的是，此一事實為何鮮見媒體的報導和論述？
華語世界的「大長今」何在？
類似的疑惑也出現在去年底此間「中國新聞學會」在台北亞大會館主辦的第十屆「海峽兩岸暨港澳新聞討論會」的會場上。來自兩岸四地的媒體人看到了一個數據，根據國際夏日語言學院（ＳＩＬ）的調查及統計，在全球六千八百種語言中，使用華語的人口為九億人，占全球十五％，當然高居世界首位，加上所謂的吳語（江浙話），合計是英語人口的兩倍，法語人口的七倍，日語人口的九倍，韓語人口（包括南北韓）的二十倍，那麼，為何華語地區的許多人卻是「大長今」和「白色巨塔」的消費者？我們自己的「白色巨塔」或「大長今」何在？華語媒體作了足夠的努力了嗎？又為何原為華文正統和中華文化重鎮的台灣，竟有媒體配合政治勢力動不動主張廢中文、廢古文、抵制華語？而在全球正興起學習華語及中文的熱潮中，為何大陸若干媒體仍經常在有意無意間把華語教學和中文教學，視作外交輔助工具，甚至是統戰工具？
整體來看，兩岸四地的媒體是一股龐大的力量，如能排除障礙，集結起來真誠為文化而努力，其所能產生的效能和締造的連結力道是難以想像的。難道，這只是一個夢？
在資訊流早已超過物質流的「資訊時代」，兩岸四地媒體力量究竟有多大？再來看一些統計數據，讓數字說話。由近及遠，台灣傳統媒體中每天定期發行之中，英文報約三十家，有效發行的雜誌五千種，廣播電台二十餘家（多數有聯播的分台），這些媒體近年來變化不大。改變也較大的是電視和網路。目前台灣有五家無線電台、一百個以上的有線電視頻道，提供五花八門的節目，可覆蓋百分之八十以上的家庭，比率之高為世界之冠。網路發展更快，台灣民眾網路的接觸率從二○○一年的六．六％一路飆升到二○○六年超過四十％，六年之間成長六倍多。這些新媒體和傳統媒體在幅員不大的台灣，構成極為豐沛的資訊流，但我們每天從其中吸收到多少文化資訊呢，民眾可能不察，媒體卻該自省，不然，林懷民先生也不會有「媒體應更關切文化」的感慨。
兩岸四地媒體大軍 規模驚人
十四億人口的中國，所有的統計數字都大得驚人，媒體亦然。目前，中國大陸報紙超過兩千一百家，各類刊物近九千種。報、刊合計全年的用紙量近五百萬噸。更可驚人的是「廣電大軍」──包括四五○家無線台、一三○○家有線電視、近百家衛星電視及數位頻道、廣播電台亦接近三百家，總共締造了一億五千萬收視及收聽用戶。相較之下，中國大陸網路新媒體發展勢頭更猛。全國網民早已超過一億五千萬戶的中國，已超越美國成為全球最大的「寬帶大國」，而近年來成為中國大陸互聯網發展指標性數據的博客（Blog台灣譯為「部落格」，香港稱之為「網上日誌」），已突破一千萬。總的來說，中國大陸資訊流的能量和其內容的未來取向，已經常成為國際社會關心的焦點話題。然而，相對於其他資訊的傳遞，中國大陸新舊媒體對文化資訊的關注，仍然相當貧瘠。
不要看香港、澳門總人口還不到千萬，媒體發展卻相對穩定。在香港，傳統的十二家中文報及兩家英文報，這幾年來「一個都沒少」，甚至還出現免費派送的大眾化報紙。香港電視市場應該最受台灣電視工作者欣羡，收費電視近年來競爭較激烈，免費電視長期來只有兩家，而香港網路的發展，年輕族群熱中，整體相對較為放緩。至於澳門，如果有人認為博彩業是它唯一的產業，那就錯了，至少媒體業相當發達。五十萬人口的澳門（約相當苗栗縣人口），卻擁有八家中文報、三家葡文報和一家英文報，還有分別以華語、葡語廣播的電台和電視台，媒體面貌相當國際化。
筆者之所以花了一些篇幅，將兩岸四地和類媒體的發展現況作了介紹，是想指出一個事實：散布在兩岸四地及五大洲的華文媒體之數量及規模，實在相當驚人。報紙數以千計、電視台及廣播台數以百計，雜誌期刊數以萬計，作為新興媒體的各類網站、各式網路服務，乃至於無所不在的博客，有如雨後春筍在各地冒竄成長，這些傳統媒體和新興媒體如能有效合作，影響力是無可限量的。尤其是如能合作傳遞文化資訊、推動文化產業，因不受政治的拘絆限制，效果會更大，但是我們還沒有看到這種影響力的滋生和壯大，因為共識尚未凝聚，合作尚未扎根，目標尚未確定，工具尚未運用，力量也就難以產生。
以兩岸為例，今年剛好是兩岸媒體接觸的二十周年。回顧過去二十年兩岸媒體交流，主要是新聞同業人員的交流、交往，而且來往不少，以筆者服務的中國時報為例，我個人二十年來先後接待過的大陸媒體訪問團就有兩百團以上，這還不包括其他同事主持接待者在內。
建立全球性華文文化網路平台
可以說，兩岸媒體從從業人員在推動新聞交流、交往方面，付出了不少心力，但檢討過去兩岸四地媒體的合作，真正落實到實質性的全面新聞訊息方面的合作及營運的合作並不多見，倒是香港與內地媒體合作初見成績──也僅僅在「初階段」。這主要受到政治、經濟與社會環境不同所形成的主客觀因素的制約。
展望未來，如此受主客觀制約的困境，在兩岸四地的媒體合作中仍會重覆出現。然而，既然二十年來兩岸四地人員互動方面已累積成果，四地媒體高階負責人及各階層新聞實務工作者交往頻繁，相互瞭解在增進之中，應已奠定在「適當時機」在「某些方面」全面合作的基礎。筆者認為「某些方面」包括觀光的推廣、文化資訊的傳播、文化產業的合作推動及校園交流與人才育成等。
去年二月間，大陸觀光客來台幾乎成為事實，筆者在北京參訪，聽中央電視台一位節目製作人說，他製作的一個有關台灣觀光的文化性節目（每周一次），首播反應熱烈，幾天之內由全國各地的來信就有一千多封，就是一個很好的例子。觀光，當然是文化的一環，由這個例子推向受到政治制約較小的文化及文化產業的兩岸四地媒體全面合作，我認為「適當時機」就是現在、當下。否則，兩岸四地及全球華文、華語媒體打造出來的巨碩的「資訊流」，仍會閒置空轉，無助中華文化的提升，也聽任華文、華語龐大文化產值的流失，只能繼續充當「大長今」和「白色巨塔」的忠實觀眾，
工欲善其事，必先利其器。兩岸四地媒體合作既能確定文化領域是最有可能的標的，以此共識共同扎根，則成千上萬舖天蓋地的眾多新舊媒體中，必需找到一個共同的工具來運用、來推動，否則各有立場、各有考量、各有盤算，勢難脫一盤散沙的窠臼。所幸，網路媒體革命時代的來臨，為兩岸四地媒體合作推動文化及文化產業提供一個更現實可行的操作空間，這個新的合作空間的出現，基本上要將他放在一個全球化的視野中來考量，而這也是網路時代的特性──全球化，而這個合作的方向，必然是朝向兩岸四地共同合作建立一個屬於全球華人社群的華文文化網路平台，而要成功建立一個這樣的平台── 即便是與政治關係較小的文化平台，兩岸四地的媒體人仍必須先達成操作的共識與原則，有了這樣共識與原則，兩岸四地媒體合作才有其可行性與前景。
第一、增加四地新聞從業人員的共識：過去兩岸四地新聞媒體從業者最大的差異，應該在媒體經營理念上的不同，港、澳媒體重八卦、台灣媒體重政治、大陸媒體重社會，兩岸四地媒體從業人員如何以推動文化為任務取向建立一套共同認同而且可操作的作業方式，值得進一步深入探討。
第二、建立一個兩岸四地均可接受的華文文化平台：若一個華文文化平台無法獲得兩岸四地的同時認同，尤其是大陸相關部門的理解與支持，必將使這樣的平台缺乏最大華人市場的支持，也就很難成為真正的全球化的媒體平台。
第三、資金的整合必需是民間的，而非官方的，否則也就很難逃過政治的操作與影響。
第四、人員必須是集中兩岸四地的媒體從業人員，以各自的在地觀點來整合此一全球性華文文化平台。
總之，在網路媒體革命時代，建立一有理想、也有操作可能性的「華文文化網路平台」已出現契機，但是否能真正落實，一方面要各方人士深入探討，另一方面，也值得各方有心人士努力落實。接下來的問題是：如果此一平台能順利落實成立，除了強化日常的文化新聞的報導和論述，關切兩岸四地及全球各地華文、華語文化工作者現況之外，要如何結合所有媒體真誠的推動文化產業，筆者認為重點如下：
一、全球華文媒體合作的觸媒─中文產業
我們常看CNN、WNBC及BBC的新聞，除了吸收資訊瞭解世局之外，多少也帶著一點學英文的附加價值，英文是強勢語言，不得不學。但是，如前所述，有一陣子「韓流」襲擊大中華地區，確實令我們汗顏，南北韓人口不足七千萬，卻靠著各類傳媒成功推銷韓文、韓劇及韓國文化，全球使用中文的華人超過十四億，使用華語者也超過十億，我們卻還沒有把它產業化。當今，全球有超過四千萬的各國人士在學漢語；有一百多個國家三千多所大學在教授中文；漢語水平認證考試在四十多個國家設立近兩百個考點。全球中文教學的年產值，保守合計超過十億美元，這正是全球華文媒體──不管是傳統媒體或新興媒體的強項（我們是靠文字維生的），這也是兩岸四地華文媒體合作的最佳觸媒，如何推動，值得在構建全球華文化網路平台時深刻思考。最重要的是把中文當文化產業，千萬不要當成統戰工具。
開發文化創意產業 共創商機
二、兩岸四地媒體共同資產──文化創意產業
當前，兩岸四地民眾的生活型態愈來愈接近，但社會制度、經濟制度和政治制度差異仍在，尤其談論政治仍甚敏感，也成為兩岸四地媒體合作困難所在，那麼什麼是兩岸四地媒體合作的共通資產呢？我認為是文化創意產業，值得以如此龐大的華文媒體合作開發共創商機，更藉此充實中華文化內涵。
文化創意產業包羅甚廣，涵蓋了文學、視覺藝術、音樂與表演藝術、展演設施、工藝、電影、廣播電視、出版、廣告、設計、設計品牌時尚、建築及建築設計、數位休閒娛樂、創意生活、文化休閒觀光……等等。英國在二十年前，文化創意產業年產值不到十億美元，就業人口約兩萬人，而現在年產值已超過美金兩百億元，就業人口超過三十萬人，媒體的推動與宣揚扮演重要角色。放眼望去，與中華文化及華人生活相關文化創意產業，正等著兩岸四地媒體攜手合作推動，相信這也是兩岸四地未來最重要的產業，不容忽視。這正是華文文化網路平台可以大施拳腳之處。
三、文化網路平台的試金石─促成兩岸故宮聯展
因為現實政治制約，兩岸四個故宮──台北故宮、北京故宮、西安故宮、南京故宮，迄無法正常交流，當然是兩岸人民在文化上的一大缺憾，「全球華文文化網路平台」如能落實成立，似可將促成四個故宮舉辦聯展，作為推動兩岸文化交流與合作的試金石，這不只是全球華文化的盛事，更是全球文化界的大事，如能促成，意義非凡。
二十年來的新聞交流，誠然為兩岸四地（尤其是兩岸）未來的媒體深化合作立下基礎，以華文文化網路平台進行全面合作的可能性及擬議的構架已如上述，但仍需假以時日來進行探索與規畫，此其間，交流管道仍需暢通，基礎更要求其牢固。筆者認為，當務之急是兩岸媒體互設新聞採討辦事處，現在的駐點有點像「出差團」，所費不貲，累積有限，應該儘速變成設辦事處長期駐點，因為只有長期的累積才能讓報導更準確，更能關懷民眾，而對兩岸文化的報導也才能更深入，取得更大的空間，而為未來的文化大平台奠立更牢固的基礎。
2008年3月2日 星期日
唱盤入門 傳統音響店配備齊
●唱盤達人／劉景偉（金革唱片經理）
要播放黑膠唱片，就一定要有唱盤、擴大機、音箱（喇叭）等設備，在傳統音響店都還可以買到。
唱盤價格從4千元到1萬元出頭都有，如果包括擴大機和音箱，入門級整套大約要花上3-5萬元。如果自己家裡已經有擴大機，只要有PHONO功能就可外接唱盤。
唱盤的保養其實不難，只要放在通風、太陽不會直射的地方就好，有附蓋子的機種要提防過於潮濕；唱盤的唱針和皮帶算是消耗品，可以請店家代為更換，自己買零件DIY也不難。
因應時代潮流，KOKA就有推出唱盤、CD、MP3多合一功能的音響，還能將LP的音樂轉檔到MP3中貼身欣賞，約4-5千元上下就能買到。
黑膠唱片 如何清潔與保存？
清潔→用水沖洗
保存→直立緊貼
●唱盤達人／劉景偉（金革唱片經理）
黑膠唱片最怕潮濕和變形，但是清洗出人意料的簡單，只要放在水龍頭下用水沖洗，發霉狀況嚴重的話，用手指指腹輕輕把汙垢撥掉；洗完之後把舊報紙靠牆鋪成L型，再把唱片直立放妥風乾就好。
平時收放一定要先把唱片放入專用封套內，然後直立放置，每張唱片貼得越緊越好，比較不會變形。放置的環境最好通風乾燥，避免太陽直射或過度高溫。
也有音響唱片行提供「洗唱片」的服務，金革唱片洗一張唱片加上內外封套換新，只要50元，會員免費。
達人秘訣》二手黑膠怎麼挑？ 怎麼賣？
●黑膠唱片達人／林可（YES 007網路電台主持人）
二手黑膠怎麼挑？
1.識貨：出版年代在20年以上的黑膠唱片幾乎都沒有發行原版CD，或是一些已經倒閉、被合併或停止發片的唱片公司，如綜一、歌林、光美、可登、鄉城、飛羚等，最值得收藏；發行數量較少、特別版（如演唱會）等身價也較高。另外蔡琴、黃鶯鶯、蘇芮、齊秦、鄧麗君等巨星更是增值重點。
2.包裝是否完整？包括最外層塑膠封套、指套、內部唱片塑膠套等，全新或保存狀況良好的唱片，行情會比有破損、潮濕、褪色的高一倍以上。
3.唱片狀況如何？是否有刮傷、發霉等，挑片時一定要打開仔細檢查。
4.是否有附原版完整歌詞。
二手貨怎麼賣？
只要是正版唱片、CD或影音光碟，內外沒有嚴重破損或刮傷的，都可請店家估價回收。
黑膠唱片回收價格依出版年代、歌手知名度、磨損程度、市場數量等條件不一；但CD的回收價並不高，約5-90元，像民國77-80年左右，CD剛推出時都是送往日本壓片，身價就會比較高；DVD則約可賣到市價一半。
黑膠唱片 轉動音樂的懷舊時光
●黑膠唱片達人／林可（YES 007網路電台主持人）
復古風潮起 老唱片新魅力
如果以歌手特質來區分，林可說像是聲音渾厚低沉如蔡琴、黃小琥，飽滿高亢如蘇芮、張惠妹、林志炫、費玉清，中氣十足轉音技巧優的鳳飛飛、江蕙，迷幻情境式的黃鶯鶯、林宥嘉，清新民謠風的陳綺貞、張懸等，都具有挑戰黑膠唱片的實力，不過新一代歌手已經沒有這個機會囉！
在歐美至今都還有針對特定族群發行黑膠唱片，不過單價可不便宜，從6百元到2千元以上都有。除了發燒友和收藏家之外，台灣也因為復古風潮興起，加上近來有不少早年巨星復出開演唱會，喚起歌迷回頭收集偶像陳年舊作的欲望，包括大陸、香港、新加坡、馬來西亞都有不少買家。
黑膠唱片與CD的差別：
黑膠唱片→飽和且柔軟
CD→清晰而犀利
黑膠唱片（LP）的音樂格式是未經壓縮的類比式，播放出的聲音飽和且柔軟，但難免會有一點雜音；CD播放的數位音樂則以透過壓縮技術去除雜音，聲音聽起來清晰而犀利，相對卻少了點真實感。
聲音具有特殊性的歌手，使用簡單樂器的靈魂樂、爵士樂或鋼琴、小提琴演奏，甚至氣勢磅礡的古典交響樂，都很適合透過黑膠唱片來表現。大約從1970年起，因為錄音格式和隨身聽的風行，體積大、保存不易的黑膠唱片就逐漸被卡帶、CD、MP3所取代。
【2008/03/02 聯合報】
2008年2月29日 星期五
文創拔地起，藝術去哪裡？ — 檢視文化政策論壇（序）
一切還是先從看不見文化政策、卻攸關這片土地未來藝文走向的兩場揭開2008權力遊戲（立委選舉、總統大選）說起。
姑且不提過去的中央民意代表群裡有多少自稱「文化立委」卻未致力藝文政策推動，放任中央與地方政府的文化官員在「產值」上玩弄數字遊戲的「文化創意產業」大行其道。新任期從小選區生死戰出線的立委，除了代表是兩大黨PK和地方勢力之霸的競逐外，再也沒有民代想靠「文化立委」往自個兒臉上貼金的假義氣。即將到來的總統大選，兩方人馬除了大開支票，提高不知是不是芭樂票的文化預算外。一邊高舉升格為「文化觀光部」，另一頭則搖起「文化體育部」的旗幟，這兩者的背後，除了為將來運作新的官僚系統權力劃分，我們實在看不見為整體藝文創作的施政計劃和展覽演出空間的因應政策。（前者在首都所在地預演了文化和觀光整併的進軍中央計畫，後者則南下佈樁為體委會南遷與文建會衛武營統整事宜磋商。）
然而，對於檯面上的兩方政團，「文化創意」和市場經濟下的「產值」遊戲實踐，從2008才要步步展開。
才剛剛結束的2008台北燈節，從媒體業找來的新任觀光局長，轉型為「觀光傳播局」退為輔助公關及傳播性質的機關後。由文化局正式推演的台北燈節，則成為文化局高燈下亮的新年大玩具。當局宣示公共藝術進入傳統節日的論述，說得可妙︰「『2008臺北燈節』將由文化局導入公共藝術『改造公共空間、關照在地特色』的概念，並企圖回應各界對於整體燈節應更為永續的訴求，期能給予參與『2008臺北燈節』的民眾，一個可以同時體驗元宵節溫馨熱鬧的氣氛、實踐綠色公民責任、以及現代工藝設計藝術的嶄新感受。」如果說將觀光事業公共藝術化，是整合了跨部門的資源前行，那倒無可厚非。問題在這嘉年華城市行銷的背後是由主掌這城市的展覽龍頭—台北市立美術館所責成執行，據悉，2009年的花卉博覽會，也將由北美館來負責。一個號稱台灣當代藝術頂尖展的台北雙年展，一屆不過 100萬美元的預算，卻被迫脫離專業，運作起觀光大業的業務，豈不荒謬？
華山從十年前一個中央地方均視為燙手山芋的廢墟，慢慢從一個「閒置空間再利用」升格為受各個藝文展演團隊注目而驚豔的多元使用空間，在各方藝文團隊幾近徒手幹起的華山藝文特區出現口碑後，再被文建會塑造成待價而沽的「華山創意文化園區」，隨著華山ROT案的招標開始到底定的這三年期間，華山的節目數量大幅退化不談，參差不齊的展覽和活動素質反倒更顯露當初「閒置空間」的無政府狀態。而接掌「華山文化創意園區ROT案」的台灣文創公司，除了在產值上和品項將亦步亦趨地跟隨政策宣示的「創意產業旗艦中心」，未來華山將由誰來監督它的方向性，也是令藝文界茫茫然而未知所以。
表演藝術的龍頭機構，兩廳院（國立中正文化中心）表面上看似度過了它所在板塊的政治風暴—「拆匾／更名風波」，更是風風光光地在2007年邀來超過10組國內外大師級的劇場／音樂／舞蹈節目，歡慶她20週年的演出，但是，在其背後的這一年，兩廳院宣示身為第一個法人化的文化機構，經歷了NSO總監難產、兩廳院藝術總監難產，好不容易遴選出執政當局信賴的學者出線，卻又在未到一年的當下退官求去。法人化之後未能下放權力給予專業的行政作風，更讓多方不具政界色彩的藝文團隊和藝術學院的學者憂心忡忡。
台中酒廠、嘉義酒廠、台南分局北門倉庫、花蓮酒廠和台北的華山定位為「五大創意文化園區」，藝術由場地的核心退居到為文化觀光／文化消費服務的企圖自毋需多言。首都的文化局在成立文化基金會轄下，主宰了北美館、當代館、紅樓、小巨蛋、牯嶺街小劇場、中山堂等等多個館所，在名義上可以整合文化事業資源，但在行政上卻可以閃躲過議會的監督。
在接下來的數周，《破》將邀集公部門轄屬的文化行政工作者、創作者、評論者、學者、策展人、民間文化機構等等，讓他們在現今斷代式的官派治理下的各種對文化工作者的衝突與矛盾，針對各方的親身經歷或熟悉的個案分析，以各個面項來彙整出對各執政當局對文化政策付之闕如的概念。
我們無意在這場文化政策的論壇裡，被現今的任一個政治集團利用、抹綠抹藍或抹紅，更無意去簡化商業藝術或設計創意的既有市場性，如果雲門舞集倉庫的一把火只是換來「好可憐VS活該」的鄉民口舌，我們更需要去理解這背後的文化官僚系統是所為何事，進而透過《破》的資訊平台，監督我們的文化環境。
2007年10月3日 星期三
Zoo: Behind the scenes at Britain's coolest art fair
Ciaran Murphy, 'Palm Trees From Below', 2007. Courtesy Mother's Tankstation, Dublin
Wednesday, 3 October 2007
Until just four months ago, Soraya Rodriguez was running Zoo Art Fair from her old bedroom at her mother's house. These days, Rodriguez and her team operate from fashionable Whitechapel, east London , a much more fitting home for the fair that began as a satellite to Frieze four years ago but is now quietly making its name as a younger, cooler alternative in its own right.
Last year its showcase of emerging artists from young commercial galleries and non-commercial collectives and spaces took £1.7m in sales and drew visitors such as Tracey Emin, the Chapman Brothers and Peter Blake, while Charles Saatchi, and curators Norman Rosenthal and Nicholas Serota were spotted wandering the stands.
This year, Zoo Art Fair has a new home behind the Royal Academy. Leaving behind not only the quirky location that gave the fair its name but also Regent's Park, home to Frieze, is a bold move that demonstrates just how far the fair has come since it first set out its stall among the penguin pools of London Zoo. "It's good to shake things up," says Rodriguez. "I like doing things in threes. An old boss of mine used to say that in the first year everyone loves you, in the second year you have to sustain it and in the third year you have to start to change."
The Burlington Gardens building used to house the Museum of Mankind, to which Rodriguez was a frequent visitor during her days studying sculpture. Now 35, she embarked on a career in art with a BA at Liverpool University, then an MA at the Royal College.
"I was very intent on being Michelangelo by the age of 26, but that didn't quite work out," she says wryly. After a two-year break from the art world, Rodriguez joined the publications department at the Royal Academy, where she met Max Wigram. A year later she left to help Wigram with his business, acting as his "mini-me" as he expanded his gallery from his front room to his bedroom, eventually going on to become director of exhibitions at the New Bond Street gallery.
Three years later, Rodriguez upped sticks again. Within two weeks she had bumped into David Risley and Zoo was born. "Things like Max and Zoo could only have happened if I'd jumped ship without a clue as to what might happen. If I'd done the sensible thing and got a curating job at the Tate, none of this would have happened. I almost don't feel responsible for it."
But responsible she was, along with Risley, an art dealer who was curating the philanthropic Bloomberg Space (he has since left the fair to concentrate on his own gallery). "We had a nice blend of thinking of a fair not just as a commercial shop front," says Rodriguez. "We'd both been very excited about the arrival of Frieze. And it was clear, even from the first year, that it was turning into a calendar moment."
Rather than compete with Frieze, Risley and Rodriguez decided to add to it with a fair that would give a platform to the myriad young organisations that had sprung up in the capital since the millennium.
Having decided to become non-profit making ("because there was no other way of doing it"), they set about raising funds from collectors including Saatchi, Anita Zabludowicz and Jay Jopling. Many continue to sponsor the fair, under the title of "Honorary Zoo Keepers", and both Saatchi and Zabludowicz will have stands at this year's fair.
Since 2004, when there were 26 exhibitors, all from London, the fair has grown to take in regional and international organisations. This year, there will be 61 exhibitors from as far afield as Los Angeles, Tokyo and Rio de Janeiro, as well as exciting London spaces such as Riflemaker (which counts Gavin Turk, Jamie Shovlin and Julie Verhoeven among its artists) and Paradise Row, home to the cult photographer Poppy de Villeneuve. Rodriguez is hoping that sales will go up by another 30 per cent to top the £2m mark.
"London has kept its momentum," says Rodriguez. "In some ways that scares me because I wonder whether it's possible to sustain this much quality. Perhaps people think, 'the market's great, we can all live a nice lifestyle being a gallerist in a refrigerated space.' But then every year I think that and it's still going."
For now at least, there's no place she'd rather be. "I like being part of somewhere that's burgeoning, really struggling to achieve, constantly at it. It's much more die hard in London. You really have to think about it when you devote your life to it here."
So what should visitors be looking to buy? There is "something for everyone" from £50 imitation Bic pens by Gemma Holt on the Associates stand, to The Rape of the Sabine Women, an epic video artwork by Eve Sussman and the Rufus Corporation from the New York gallery Roebling Hall, costing £100,000. But it's not all about the price.
"People irritate me going on about the affordability of art. There is nothing affordable about art – making it isn't affordable, showing it isn't affordable, insuring, transporting, writing about it. It's a stupid idea to think that we have to tell the public that this is the only way they can access it. The most affordable thing in art is a Tate Modern ticket. You can pay £7 and own it for an afternoon and have an experience of it, which is the true thing that you take away and you don't have worry about the insurance, the transport, the cataloguing, the archive. How affordable is that?"
Rodriguez is equally dismissive of hedge-funders who tie up their assets in canvas. "It'll be a walk in the park for one sunny afternoon, but when the weather changes they won't come back. And who needs them? If you really love something, buy it. If you want to live with it and have tiny pieces of brain surgery done to you every day, then it's a good thing to do. Otherwise, buy a car or buy a dress," says Rodriguez. "It's funny how people expect art to give back this huge dividend on investment. If you spent £5,000 on a Christian Dior dress, you wouldn't eyeball the dress vendor and say 'is it going to cost twice as much in three years?' Why make art do that? It's not fair. Just buy it and love it."
Royal Academy of Arts, 6 Burlington Gardens, London W1 (020-7247 8597; www.zooartfair.com), 12 to 15 October
2006年10月14日 星期六
Power list shows growth of British influence in art
Saturday, 14 October 2006
British influence in the art world has surged in the past year, although the most important player of all is François Pinault, the French owner of Christie's auction house.
That is the conclusion of the ArtReview magazine as it announces its Power 100 list, which has been tracking collectors, gallery owners, curators and art fair organisers for the past five years. M. Pinault takes the top spot thanks to his new museum at the Palazzo Grassi in Venice, the opening of which was attended by almost everyone of importance in the art world. Americans dominate the list with 40 entries, but the British have 25.
John Weich, the editor-in-chief of ArtReview, said: "The Americans just have the numbers, but the British market has definitely jumped in prestige - not just in numbers but in influence."
Sir Nicholas Serota, director of the Tate Gallery, is the most powerful British player, at number three in the 2006 survey - the same position he held in 2003 and 2004 before dropping a place last year.
He lies behind Larry Gagosian, the New York gallery owner who also deals in London, and ahead of Glenn Lowry, the director of the Museum of Modern Art (Moma) in New York. Damien Hirst has dropped from pole position to 11th, but Charles Saatchi, the collector, and Matthew Slotover and Amanda Sharp, who founded the Frieze art fair, are in the top 10.
Mr Saatchi, whose holdings of contemporary American art have just gone on show at the Royal Academy, is at seventh place, up from 19 last year. "He's very hands-on. He's really tuned in to what's going on," said Mr Weich.
Mr Slotover and Ms Sharp rose from 33rd to eighth on the back of the huge pull of the fair they founded with considerable élan in London three years ago. Mr Weich said a few people outside London might have difficulty in accepting the Frieze duo in the top 10. "But in just a few short years they've been able to rally an entire metropolis to adapt its schedule to theirs," he added.
Of the decision to place Sir Nicholas above Mr Lowry, Mr Weich added: "No one can compete with Moma in terms of money. But in sheer numbers of visitors, Tate is the largest contemporary museum in the world. And if you look at authentic attempts to be innovative and evolve what a contemporary art museum can be - for example, with its website - I think Tate is at the forefront."
Gallery owners such as Victoria Miro, who represents Grayson Perry and Chris Ofili; Sadie Coles, whose artists include Sarah Lucas; Maureen Paley; and the Haunch of Venison team, Harry Blain and Graham Southern, have all seen their influence rise.
Jay Jopling, who has just opened a giant new White Cube gallery in St James's, London, in addition to his existing gallery in Hoxton, leaps into the top 20 at 19.
Gallery directors and curators including Iwona Blazwick, of the Whitechapel; Ralph Rugoff, the American who has taken over at the Hayward; and Hans Ulrich Obrist, the curator at the Serpentine, have all risen in the power stakes. Artists included this year include Tracey Emin, who is to represent Britain at the next Venice Biennale, Gilbert and George, Gavin Brown and Anish Kapoor.
Mr Weich said: "Even though Rugoff and Obrist aren't British, [the fact they have come to work here] does indicate the pull that London has as a growing and important art capital."
The importance of sponsorship is recognised, with UBS and Deutsche Bank winning a place, and the increasing use of the internet has secured Google 100th place. Other British-based entrants include David Adjaye and Rem Koolhaas, architects; Simon de Pury, auctioneer; and James Lingwood and Michael Morris, from the art commissioning body Artangel.
The top 20
* 1: François Pinault, collector and the owner of Christie's
* 2: Larry Gagosian, dealer and gallerist
* 3: Sir Nicholas Serota, director of the Tate
* 4: Glenn D. Lowry, director of the Museum of Modern Art, New York
* 5: Samuel Keller, director of ArtBasel fair
* 6: Eli Broad, collector and philanthropist
* 7: Charles Saatchi, collector and gallery owner
* 8: Matthew Slotover and Amanda Sharp, founders of Frieze art fair, London
* 9: Bruce Nauman, artist
* 10: Jeff Koons, artist
* 11: Damien Hirst, artist
* 12: Brett Gorvy and Amy Cappellazzo, directors of Christie's international post-war and contemporary art department
* 13: Robert Storr, curator and academic
* 14: Iwan Wirth, dealer and gallerist, Hauser and Wirth
* 15: Marian Goodman, dealer/gallerist
* 16: David Zwirner, dealer and gallerist
* 17: Gerhard Richter, artist
* 18: Marc Glimcher, dealer and gallerist
* 19: Jay Jopling, dealer and gallerist, White Cube
*20: Mike Kelley, artist
2003年7月13日 星期日
The Saatchi effect: Elton John builds gallery at home to show off his private art collection
Sunday, 13 July 2003
Encouraged by the success of Charles Saatchi's London gallery, a plethora of new "vanity museums" are being built by some of Britain's leading art collectors.
Encouraged by the success of Charles Saatchi's London gallery, a plethora of new "vanity museums" are being built by some of Britain's leading art collectors.
Sir Elton John is to build an extension to his Windsor home to put on public display his vast collection of paintings which includes seminal 20th-century artists from Picasso through Warhol to Damien Hirst.
Sir Peter Moores, the former head of Littlewoods, is about to open a £50m gallery at Compton Verney, an 18th-century Warwickshire manor designed by Robert Adam that sits in a 40-acre park landscaped by Capability Brown.
Not to be outdone, Frank Cohen, 60, the Mancunian DIY entrepreneur who in the 1970s was seen as the Saatchi of his day, is finally preparing to unveil his spoils. His collection, which covers "modern" artists from L S Lowry to the Chapman Brothers, will be made public as soon as he can find a building large enough to house it.
Meanwhile, a similar project is already under way at Crosby Hall, the elegant 15th-century mansion in Chelsea, London, that was once the home of Sir Thomas More. Here the controversial property magnate Christopher Moran is planning a gallery to showcase his extensive treasure trove of 16th- and 17th century furniture and decorative arts.
The unexpected display of beneficence is not confined solely to those who are planning to open their own private galleries. For the first time, Lord Lloyd-Webber has agreed to allow public access to his mammoth collection of Pre-Raphaelite and 20th- century art by loaning it to the Royal Academy for a three-month exhibition this autumn.
The architect Professor Colin St John Wilson, meanwhile, is about to go one step further. His collection of more than 200 works by artists as diverse as Walter Sickert and Peter Blake is to be offered on permanent loan to the Pallant House Gallery in Chichester, which is constructing a new wing to contain it.
News of the array of prospective private galleries is highlighted in the latest edition of the Museums Journal, a quarterly magazine published by the Museums Association. It comes just three months after the Saatchi Gallery reopened in County Hall, the former GLC headquarters on London's South Bank, amid a frenzy of naked models and schmoozing celebrities.
Opinion is divided in the art world over the reasons for this sudden wave of philanthropy. While there are few who do not welcome the thought of these eclectic collections being made public, sceptics sense that the scale of investment being bestowed on the new galleries owes as much to vanity as it does to charity.
The collectors themselves are having none of this. Sir Peter says it has always been his aim to offer the public the chance to view the artworks and antiquities owned by his foundation, which includes one of the finest collections of Chinese bronzes in the world.
"My idea was to have a museum in the country where people can come and have a nice day out but also absorb quality art, without having to go to galleries in sweaty cities," he said, explaining his choice of location. "I was brought up in a fairly arid suburb and I found out when I was at university that there were an enormous amount of things I knew nothing about. You can't shove people through doors, but you can open them and hope they are interested in going through, and that's what we're trying to do."
Mr Cohen, who is looking at a range of potential venues for his prospective gallery, including a listed Victorian market hall and a former mill, says he too has long planned to display his collection. "The thing about this is that you can't do it when you've hardly got a collection - it takes time to build one up," he said. "I've been collecting for over 30 years but it's only in the last four or five that I've really been in a position to think about doing this."
Mr Cohen, who intends to curate his own gallery, disputes the suggestion that one of the biggest incentives for collectors to make their work public is to "offload" their security on to someone else. Prof St John Wilson is open about the fact that he has been jumpy about housing his paintings in his own home since it was broken into 20 years ago.
Mr Cohen said: "Burglars can't sell my stuff in public. Where are they going to sell them? They're interested in Rolex watches and leather jackets. If they saw a piece of contemporary art on the wall they'd leave it hanging."
Not all observers are convinced by these explanations.
Cristina Ruiz, the deputy editor of the Art Newspaper, said: "I'm sure there's an element of pride or vanity there, particularly if you've spent years collecting things.
"Also, if your collection is quite large you have to start looking at things like security and insurance. It may be, that if you've got a publicly visible place to display them you are helped by the fact that the risk is borne by the gallery. It's easier to secure, it's outside your home, so from the point of view of security you are less at risk."
Frank Cohen (DIY entrepreneur)
What he owns: Eclectic 20th-century and contemporary collection. Recent purchases include Lowry's A Father and Two Sons and the Chapman Brothers' Unholy McTrinity.
Where we can see it: Coming soon to a converted 19th-century market hall, or possibly an old mill, in Manchester.
Sir Elton John (singer-songwriter)
What he owns: Paintings by Magritte, Picasso, Bacon and Warhol, photographs by Helmut Newton and Britart works by Damien Hirst, Tracey Emin and the Chapman Brothers.
Where we can see it: A new gallery to be built at Woodside, his £5m part-Georgian mansion in Windsor.
Sir Peter Moores (Littlewoods Pools heir)
What he owns: Priceless collection of Chinese bronzes dating from 1000BC, 16th- to 19th-century Neapolitan paintings and a selection of British folk art.
Where we can see it: Compton Verney, an 18th-century manor in Warwickshire, from next Easter.
Lord Lloyd-Webber (composer)
What he owns: 200 Pre-Raphaelite paintings and works by 20th-century masters, including Picasso's Angel Fernandez de Soto (left) and Canaletto's Old Horseguard's Parade.
Where we can see it: The Royal Academy in London for three months, starting in September.
Christopher Moran (property tycoon)
What he owns: Classic 16th- and 17th-century furniture from the workshops of Hardwick, and paintings including Van Dyck's St Jerome in Penitence.
Where we can see it: Crosby Hall, the 15th-century former home of Sir Thomas More in Chelsea.
Professor Colin St John Wilson (architect)
What he owns: Works by Independent Group artists and other 20th-century paintings such as Peter Blake's The 1962 Beatles, Michael Andrews's Thames: The Estuary as well as an Andrews portrait of Prof St John Wilson.
Where we can see it: A new wing of the Pallant House Gallery in Chichester, West Sussex.
UK buyers make major splash in list of the world's top 200 collectors
Thirteen Britons, including David Bowie, Sir Elton John and Lord Lloyd-Webber, have made it on to the latest definitive list of the world's top 200 art buyers.
Heiress Isabel Goldsmith, Littlewoods Pools millionaire Sir Peter Moores, DIY entrepreneur Frank Cohen and the Sainsbury family are also included on the annual list, compiled by the American magazine ARTnews.
The list, now in its 13th year, contains several surprises. While few will question the inclusion of Charles Saatchi, who regularly appears on it, eyebrows are bound to be raised about the identity of the only Brit to be named in the top 10: the London-based jeweller Lawrence Graff.
Ironically, Mr Graff, whose collection includes a diamond necklace worn by the Dowager Viscountess Harcourt at King George VI's coronation, for which he paid £1.87m, once famously commented: "I like to dabble in art, but my actual hobby is my business."
Less surprising are the mentions given to Ms Goldsmith and fellow Pre-Raphaelite enthusiast Lord Lloyd-Webber, or the rock stars Bowie and Elton, whose love of 20th-century paintings is well documented.
According to the list, the single biggest buyer over the past 12 months was Sheikh Saud al-Thani of Qatar, a London-based collector with a passion for impressionism, Old Masters and Islamic antiquities.
The other British-based collectors on the list are the Syrian-born multi-millionaire Wafic Said, Sir Graham Kirkham, executive chairman of DFS Furniture, shipping magnate Sami Ofer and the businessman Jeffrey Steiner.
The "ARTnews Top 200" was the brainchild of Milton Esterow, the magazine's editor and publisher. He says it has come to be taken increasingly seriously by the collectors themselves.
2000年5月3日 星期三
Black-market tickets to the Tate's opening change hands for £1,000
Wednesday, 3 May 2000
Tonight will see the start of the biggest series of parties the British art world has ever seen. And so fierce has competition become for tickets to the opening of Tate Modern that a black market has sprung up.
Tonight will see the start of the biggest series of parties the British art world has ever seen. And so fierce has competition become for tickets to the opening of Tate Modern that a black market has sprung up.
The most common topic of conversation in the London art scene is rapidly switching from: "Have you got yours?" to "Have you sold yours?" Tickets for the coveted 11 May private view, expected to be attended by the likes of Madonna, Yoko Ono and Mick Jagger are apparently being offered for between £700 and £1,000 each.
One possessor of two such tickets was reported to have attempted to sell them at the Saatchi Gallery for £700 each. Unfortunately, they attempted to sell them to an employee of the Tate, who said later: "They're probably worth even more than that now."
At the launch of the new Film Council at the Langham Hilton yesterday a senior figure in the arts talked of tickets being offered for £1,000.
The Tate Gallery takes a disapproving view of such negotiations. A spokesman said that all invitations to the 11 May gala party held the name of the invitee.
"Ordinarily the people who've been invited to such occasions will be known by Tate staff," he said. "They're personalised so we've taken steps to make sure that sort of thing doesn't happen."
But with some 4,000 guests expected and no identification required, he acknowledged that it was unlikely that this would prove too demanding a security check.
"We're used to holding big parties. The Turner Prize dinner always generates a lot of interest. But this is such a hugely significant event, there's nothing like it. It's a very hot ticket."
Yesterday the Tate's press office was still being deluged by callers desperate to get a late ticket by less expensive means. While the Tate declined to comment on whether they were actually begging, it did say that there were a "broad range" of people and that the number of calls remained "consistent".
Despite the feverish competition for 11 May, the most exclusive event is at 7pm tonight, when 250 people will meet for a private view followed by a champagne dinner in the Turbine Hall. These will be the most important guests - the benefactors, including bodies such as the Millennium Commission, the Arts Council, and many corporate heads.
Niall Fitzgerald, the head of Unilever, will host a dinner tomorrow to celebrate his company's commissioning of a work every year for five years, at £1.25m a time. The following night the Prudential will give a party.
The old Tate building in Millbank, relaunched as Tate Britain, will hold a reception for international guests on 10 May.